LA BURBUJA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

En el 2008, Ben Lewis, ( http://www.benlewis.tv/profile/biography-3/ ) crítico inglés de arte decidió investigar el mercado del arte contemporáneo y su gran burbuja; las entrevistas a los grandes magnates de este mundo y las reveladoras conclusiones que logró sacar fueron emitidas en festivales de arte y la televisión pública en el 2009. En España, el programa de La noche temática, en el canal TV2, dedicó uno de sus episodios bajo la cabecera de: el arte de especular a este magnífico documental.

Se ha tachado en varias ocasiones al arte contemporáneo de repetitivo y comercial, de producto de mercado de compra-venta en masa por coleccionistas, marchantes, galeristas, etc a modo de inversión, y en cierto modo, esto es totalmente cierto.

Existen ya demasiados intermediarios entre la obra y el espectador, intermediarios con muchísimo dinero y con intenciones de obtener aun muchísimo más. Hablamos de casas de subastas, por ejemplo, como Sotheby's ubicada en NY, o Christie's ubicada en Londres. Estos negocios alcanzan grandes sumas de dinero con sus subastas, el registro del año 2007 de Sotheby's fue de la friolera de 1,3 Billones de $. Sí, con B. ¿Por qué?

Por el 2007 y hasta los días de hoy, estábamos ya en una época donde podía olerse la crisis, incluso palparse, pero esto no parecía afectar al mundo del arte que estaba siempre en auge viviendo principalmente de artistas posmodernos como el caso de Andy Warhol o Damien Hirst, donde aun parecía haber mucho jugo que exprimir.

Francis Outred, miembro corporativo de Sotheby's, declaraba ante los activos beneficios del mercado del arte una necesidad de la vida cotidiana. Es decir, NY, la gran manzana donde predominan las viviendas de alto standing, lofts en mitad de la 5ª avenida que deben decorar sus grandes espacios puros y virgenes con obras de arte. "Hay que comprar toda la obra posible, ahora que se puede, ahora que aun pertenece al libre mercado, esto no pasará nunca con obras ya consagradas e innacesibles como es el caso de Tizziano, por ejemplo, ya que sus cuadros pertenecen a museos públicos." comenta en el documental. Obviamente, lo que prima aquí es un impulso de vanidad y posesión, más que un interés artístico. Los buenos tiempos que corrían en el mercado de arte contemporáneo parecia el Renacimiento de la Florencia del siglo XVI, donde todo era nuevo y asequible para los grandes mecenas.

¿Cuándo empezó todo esto? Pues bien, en la década de los 90 un coleccionista llamado Charles Saatchi compró para su galería algo nuevo, a los YBAs, es decir, a los young british artists, gente como Damien Hirst o Tracy Emin, por los que en un principio nadie consagrado en este mundo tradicional, pensaba apostar. El descubrimiento de estos artistas en la exhibición Sensation en la Royal Academy hizo que un montón de coleccionistas se subieran al carro, y en el 2003 ya existía una gran serie de coleccionistas que poseían una gran red de fondos de riesgo en activo.

El tiburón de Damien Hirst



Obra de Tracy Emin



Si debido a esta situación se podía pensar en un principio que la pirámide tenía en la cúspide a dichos coleccionistas y marchantes, en el medio las casas de subastas y las galerías como White Cube, y como base a los jóvenes e inexpertos artistas, no era para nada cierto, y dicho argumento se demostraría unos cuantos años después.

El mercado del arte contemporáneo subía y subía, y en cierto modo no era de manera honesta, sino que se debía a puro interés comercial y económico, lo cual también es normal y no resulta extraño por parte de los marchantes y demás, al fin y al cabo es su trabajo, y no importa tanto para ellos el interés de la obra como el poder sacar partido de ella. Galeristas y coleccionistas mantenían los precios de artistas a los que representaban o de los cuales poseían obra, pujando por ellos en las subastas, de manera anónima, sólo para asegurarse de que las obras se vendían a un precio suficientemente elevado como para obtener beneficios. Y ¿A quién queremos engañar? muchos de estos galeristas y parecidos son hombres de negocios, empresarios que han estudiado económicas o carreras similares, no son historiadores del arte, ni de bellas artes, no tienen fibra sensible para una pieza, no ven colores, ven billetes.

Puja telefónica de la casa de subastas Christie's

El ejemplo más claro es el de la familia Mugrabi residente en NY (en uno de esos lofts que comento arriba, por supuesto) que posee más de 800 obras de Warhol, un 9% de la obra total. Esta excesiva posesión de obras en un particular es posible porque en el mercado del arte, a diferencia de otros mercados como el del cobre o el petróleo, no existe una ley que proteja contra las practicas monopolistas, por lo tanto, se puede tener el dominio del mercado en un producto. Este es el caso de la familia Mugrabi, quien argumenta ante estas acusaciones por parte de otros interesados que Warhol es su artista, poniendo un énfasis especial en eso de SU artista, no como una pasión al arte de la obra, sino como pasión al monopolio del dinero que genera la obra de dicho artista aun hoy en día. Es decir, si se quiere hacer una exposición monográfica de Warhol se va a tener que acudir a solicitar préstamo de obra a la familia Mugrabi que seguramente prestarán encantados ya que por dicha acción recibirán una suma de dinero, para esta gente no se hace un acto así de manera altruísta, no nos engañemos. Es más, con tal porcentaje de posesión de un mismo artista lo único que se asegura en el mercado es que o bien los precios se mantengan, nunca que bajen, o bien todo lo contrario, que suban y si alguna persona que no pertenezca a la familia Mugrabi quiera conseguir un Warhol que pague por él el precio que a la familia le parezca suficiente.

Autoretrato. Warhol.

Jackie, Warhol, 1964.

Para evitar este tipo de situaciones es donde entran en juego las casas de subastas. En realidad todo es una lucha y un apoyo contínuo entre los peces gordos de siempre. Es un hecho contradictorio, pero casas de subastas, galeristas, marchantes, mecenas, coleccionistas, etc no pueden sobrevivir los unos sin los otros, pero al mismo tiempo deben hacerse competencia para poder barrer un poco más hacia casa.

Sotheby's, siguiendo esta argumentación anterior y para evitar el monopolio de obra por algunas familias, pero en realidad, sólo para sacar más dinero para ellos mismos, empezó a realizar préstamos a sus compradores. El 11 de noviembre de 1987, en una de sus subastas, Sotheby's ofreció un prestamo de un poco más de 26.500.000 $ para la venta de un Van Gogh a un cliente, para luego obtener sus beneficios en el cobro de intereses. Ante tal acto, se llevó a cabo una investigación por parte de los agentes de mercado, dirigida por Richard Brosky, y se acabó prohibiendo ejercer a las casas de subastas este tipo de préstamo directo, no obstante, se pudieron ofrecer otro tipo de prestaciones.

Subasta de Sotheby's

De repente, algo ocurrió, Jim Chanos, hombre de grandes negocios, gestor de fondos y inversor en bolsa, vio venir el crack de las casas de subastas, y empezó a vender acciones de Sotheby's a precios muy bajos. Mientras, Sotheby's negaba dicha crisis, pero para atraer clientes ofrecía al vendedor por sus grandes obras, un precio mínimo garantizado, tanto si la obra se vendía en subasta como si no.

La crisis se veía venir, y en parte se debía a gran manipulación que había detrás.

Una burbuja en su primera fase sube por si sola, por la novedad, esto hace que suban los precios, la gente siempre quiere comprar la ultima tendencia, la moda de lo nuevo, pero si se suben los precios se alimenta una deuda y un apalancamiento. Cuantos más créditos pide la gente para la adquisición del producto, más tiempo puede aplazar los pagos, si se pide más dinero del que se puede pagar, los precios seguirán subiendo. Josh Bear, escribió sobre la manipulación en las casas de subastas y los coleccionistas, del mercado en general, en su medio Bear Faxt, exponiendo en una grito que llamaba a la atención del ciudadano de a pie que eran ellos quien financiaban el arte. La gente normal que va a los museos en un acto de interés cultural debe saber que los coleccionistas privados ceden obras a instituciones públicas o construyen sus propias fundaciones privadas porque eso hace que cuanto mayor sea la cantidad, y más cara la obra que donen eso desgrava! y mayor será el ahorro en el pago de sus impuestos, impuestos que acabaremos pagando personas como tú y como yo. No es por amor al arte que se hagan donaciones a los museos o se construyan nuevas sedes...(esto me hacen pensar en el nuevo museo Thyssen de Málaga, pero no voy a decir nada porque no sé lo suficiente)

Aun así, el punto de inflexión debe darse por alguna parte. Si la gente no compra Sotheby's, por ejemplo, se arruinaría bajo sus propias deudas de garantías de obras que no pueden vender, y los coleccionistas y marchantes se tendrían que comer con patatas fritas el grandioso stock de obras de artistas por los que un día decidieron apostar.

Ahora la pirámide de la que antes hablaba está invertida. Es el artista quien ocupa la cúspide, quien tiene bajo su yugo a galerías y marchantes, y este hecho lo demostrará irónicamente Damien Hirst.

En 2007, Damien ya tenía 6 talleres por todo el mundo con más de 150 asistentes que se encargaban de llevar a cabo la realización de sus ideas artísticas en serie. Hirst se atevió a realizar una subasta monográfica de su propia mano, manteniendo a galeristas a parte, sin representación ni intermediarios, marginó a quien en sus inicios habían sido sus mecenas, quien poseían la mayor parte de sus obras, dando así a entender que él no necesitaba del mantenimiento del mercado. Morder la mano que te alimento puede ser un grave error, sin embargo, a Damien no podría haberle salido mejor. Espero a que el mercado no se encontrara en su mejor momento y sacó la subasta adelante con sus medios para poner a prueba a dicho mercado. Pujarían por él sus marchantes, galerístas y coleccionistas que poseían stock de su obra aunque los hubiera traicionado? Que remedio les quedaba, no iban a a permitir que su producto decayera, ¿qué harían entonces con todo el stock y el prestigio? Pujarían por él nuevos inversores y clientes? Se sostendrían los precios? SÍ  a todas las preguntas. Fue un éxito total en que cual se recaudaron 200.000.000 $. Todo esto era como el Titanic, el barco se hundía a causa del choque con el iceberg y la banda seguía tocando hasta el último momento. Hirst hizo algo aquí extremádamente inteligente, se llevó el 100% de beneficios en cuanto a obra vendida y además consiguió que le pagaran sus marchantes al pujar un dinero extra para mantener su propio mercado. 

Por el amor de Dios. D. Hirts

Aunque la avaricia rompe el saco. Cuando Hirst lanzó al mercado su obra "Por el amor de Dios", un cráneo real recubierto de diamantes valorado en 100.000.000 $, se traspasó un límite que ni sus más fieles compradores estaban dispuestos a aceptar. No obstante, hubo manipulación de nuevo, se dijo que la obra se había vendido por el precio establecido a un consorcio de inversores, pero un año después se declaró que el propio artista, el director de la galería F. Dunphy, y otro imporante galerista J. Joplin, poseían el 50% de la obra. No contento con saber sólo estos datos, Ben Lewis, filtró a la prensa una lista con precios de las obras en stock que poseía la galería White Cube de dicho artista. Esto fue un escándalo, puesto que la galería aseguraba que en cada exposición se vendía todo el producto y que habían listas de espera para comprar una obra de Hirst, cuando en realidad, sumando los precios del stock se asentaban ante 100.000.00 $ de posibles pérdidas.

En octubre y noviembre del 2008 las subastas decayeron públicamente, y los grandes magnates se vieron claramente afectados. Mugrabi intentó vender 30 obras de SU queridísimo artista Andy Warhol, aunque si las vendía seguramente sería a un precio más elevado del que las compró y seguramente luego planeaba recuerpar las que pudiera, pero aun así se veía claro que el amor que estos hombres proclamaban por los artistas no era más que el amor a su bolsillo.

Las subastas fueron tan malas que se incrementaron las deudas incobrables, y las empresas como Sotheby's optó por realizar subastas más pequeñas, no dar préstamos, y reducir un 25% de su plantilla. (Encima la culpa la pagamos los trabajadores) En febrero del 2009, Sotheby's tenía un crash del 75% en sus ventas que se reflejó como el epitoma de la vanidad y la locura del arte contemporáneo.

Resultó que todo este mercado del arte reveló de por sí la gran verdad que se escondía detrás. Fue como el final de "El mago de Oz" cuando se corre la cortinita y se ve a un hombrecillo tocando el órgano.

Aquí os dejo en enlace donde podéis ver el documental entero subtitulado al español.

http://www.megavideo.com/?v=SYQH94XU

"Ars longa, vita brevis"

OBJETOS DESCALIFICADOS

Ante todo perdón porque llego tarde, llego muy tarde a esta exposición que se realizó hace cosa de un año, del 12 de marzo al 22 de agosto del 2010, concretamente. Aun así, no la puedo dejar pasar por alto.

Soporte con vírgenes. Fritsch, 1987-1989

Organizada con piezas propias de la colección de arte contemporáneo de la fundación La Caixa, "Objetos descalificados" recoge una muestra de curiosos objetos cotidianos que ahora albergan un significado totalmente distinto al que podrían tener en su lugar común y rutinario.

La exposición presenta distintos campos artísticos como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación...todos ellos interrelacionándose a la vez con el espacio y entorno que habitan.

Recogiendo la influencia de artistas como Duchamp, el movimiento surrealista o el grupo Fluxus, entre muchos otros y expresándolo con la gracia de las tendencias posmodernas, los artistas indagan en el proceso de la acumulación, repetición, selección, (des)clasificación de los objetos, reflexionando así sobre el uso y el desuso, la nueva creación a partir del desuso, el enlace con la idea, y la importancia de las cosas mundanas de la sociedad de consumo o la crítica a la monotonía e impasividad del ser frente a desgracias diarias, y el problema entorno a la obra de arte única y su reproducción.

"Objetos descalificados" abarca 20 años en su interior, desde 1983 a 2002. Y los nombres de los autores de dichos objetos son sonados:

Katharina Fritsch, Christian Boltanski, Sophie Calle, Sherrie Levine, Allan McCollum, Carlos Pazos, Andreas Slominski, Ana Laura Aláez y Franz West.

Neus Miró, comisaria, acertó en traernos esta, simple en espacio pero profunda en meditación, exposición que dejó tan indiferentes a unos y marcó tanto a otros, como es mi caso, como para escribir una reseña un año después.

Si bien toda la idea podría haber empezado bebiendo de un objeto tan comercial como la Sopa Campbell de Warhol, se reafirma en los ready-made, y se expande en la ola de los '60 y los '70, estos objetos no se libran de estar impregnados de los restos emocionales de las personas que los poseyeron, vínculos que llevan a otros vínculos.

"Cuando los objetos se convierten en obras de arte pierden su función original y se abren a una nueva luz. Como en el caso de los documentos desclasificados que ven la luz por primera vez, estos objetos se insertan en nuevas narrativas, se descontextualizan y adquieren un nuevo código de lectura."
Comentan en las notas de prensa sobre la exposición en general, pero también refiriéndose en concreto al inquietante trabajo de Christian Boltanski, titulado Archivos del 1987 del diario "El Caso", 1989. Pues bien, yo no estoy de acuerdo. Esta obra de arte en concreto me tocó en cierto punto la moral afectiva. Quizás hoy en día lo estoy sacando de contexto, pero recuerdo que el año pasado, quizás estaba yo sensible aquel día vete tú a saber, el caso es que recuerdo que no me pareció bien, ya no para mí, sino incluso para las familias de los implicados, que se expusieran fotos de asesinatos, víctimas, asesinos, desaparecidos, etc, que formaron parte de un archivo confidencial que supuestamente protege los datos del individuo y más aun en este tipo de situaciones. ¿Quién ha decidido meter el dedo en una yaga tan profunda? ¿Boltanski? o ¿Mi extrema sensibilidad empática? No lo sé, igualmente aquello no me pareció bien. Puedes utilizar lo que quieras para crear arte, eso está claro, puedes alimentarte de TÚ dolor para crear arte, pero urgar en heridas de los demás para sacar una obra artística...no sé yo. Todo se puede, pero no todo se debe.
Personalmente, desconozco el proceso de esta obra, ni como se llevó a cabo, ni qué se habló, pactó o no se mencionó con los familiares o implicados directos de dichos archivos y fotografías, así que poco puedo decir, pero a nivel de mera opinión comentaré que si yo hubiera sido la madre de una de las desaparecidas o de las asesinadas no me hubiera gustado que la foto de mi hija, es más, que la foto del asesinato de mi hija, se expusiera al público de aquella manera y bajo aquel desconocimiento. Aquella habitación era como una cámara de los horrores, lo juro, mirarás donde mirarás no veías nada agradable, y si la imagen era borrosa, tu mente podía imaginar fácilmente el resto. Era como tener una gran herida abierta, como asaltar las peores pesadillas de un ser atormentado, como pisar el recuerdo de un ser querido.





Archivos de "el caso". Boltanski, 1989.

 
La obra de Boltanski pretendía jugar con los conceptos de tiempo/lugar/memoria y con la recreación de un espacio/escena. El espectador se veía envuelto por la obra. Él mismo declaró: «Mi trabajo […] es teatro sin texto, sin espectáculo.Lo que deseo es conseguir algo situado entre el teatro y la instalación». Entre las diferentes tipologías de obras que Boltanski ha creado hay, desde 1985, los denominados "Monumentos", que se definen como unas instalaciones de retratos fotográficos presentados en composiciones murales y con luces, de modo que el conjunto puede recordar los altares religiosos.
Y esta son las palabras que salvan el conjunto: altares religiosos. ¿Estaba Boltanski pretendiendo rendir homenaje a las victimas, pero también a los asesinos, al situarlos como si de cuadros de mártires se tratasen en el altar de una iglesia para honrar su alma? o por el contrario ¿Buscaba algo de fácil argumento teatral con lo que sabía que el espectador no quedaría indiferente? Quien sabe, no se dan más detalles, libre interpretación.


Hay otra obra que me impactó de cierto modo, dura también si se lee entre líneas y se piensa un poco, pero otra vez de la misma manera que con Boltanski, ¿Es la sensibilidad moral de la imaginación la que entra en juego?. La obra a la que me refiero es Juego de duelo, de Annette Messager, 1994. Una enorme red negra cubre a modo de velo una montaña de peluches de diferentes tamaños y colores. El espectador debe acercarse bastante para poder distinguir los objetos con claridad, aquí entra en juego el siniestro concepto, en este caso, de la mise-en-scène. Primero se observa un velo negro, y lo primero que viene a la mente es "muerte"; luego se distingue que es una red y que hay algo atrapado bajo ella, a medida que nos acercamos el horror se cierne ante nosotros, son ositos de peluche; y entonces la palabra que viene a la mente es "niños". Niños, red y muerte. Como la simplicidad de la unión de dos objetos puede desatar las múltiples relaciones de diversos significados. La mía fue el espectro de los niños sin infancia, véase los esclavos en talleres o los muertos de hambre. Los niños sin protección, que caen en Redes de prostitución o el mercado negro de la compra/venta. Los niños sin escapatoria, que han sufrido abusos y siguen sufriéndolos en silencio, sin salida, sin aire, atrapados. Y así una larga lista de ejemplos en los que el ser menor y desprotegido se ve atrapado en una red negra y oscura, una red asfixiante tal que mortal, que no está a la vista, una realidad presente pero de la que no somos conscientes, una realidad que se multiplica y ante la que deberíamos actuar.

Juego de duelo. Messager, 1994.

Pero no todo iba a ser horror diestro y siniestro en la exposición, también tenemos nuestras notas de color. El trabajo de Allan McCollum, 216 Sustitutos de yeso, 1987-1988, presenta una serie de surrotage paintings (surrotage podría traducirse como sustituto) que hacen referencia a la reducción de una sustancia a sus rasgos más esenciales. En su obra hay pintura, marco y lienzo, ¿Que no es lo que todos esperábamos cuando nos dicen que vamos a observar un cuadro? Bueno, eso depende del punto de vista bajo el que se analice, el autor no miente (bueno, miente él y miento yo al decir esto, porque lo que en realidad está presentando es una obra en yeso (material del que se nutren en su mayoría los souvenirs para trabajar lo mecanizado y seriado, repetido, criticando así la idea de pintura-objeto de compra, marketing de la masa) que está representando a un marco y un lienzo), está presentado una pintura, un marco y un lienzo en sí....además no hay ninguno igual al anterior. El debate aquí es la importancia que le damos al concepto y a la palabra "arte" y los diferentes significados que se pueden obtener aun así teniendo los mismos componentes.



216. McCollum, 1987-88.

 

"Ars longa, vita brevis"

MEAM. Museo Europeo de Arte Moderno ( y van fuerte, aviso)

El pasado día 8 de junio, a las 20h, fue la inauguración del MEAM (http://www.meam.es/), el nuevo museo de arte moderno, presentando una colección de obras escultóricas y pictóricas de artistas contemporáneos. El museo es una iniciativa de la “Fundació de les arts i els artistas” (http://www.fundaciondelasartes.org/)

El MEAM se ubica en el “Palau Gomis” (Joan Garrido, 1791) en el centro del barrio del Born. El edificio, que data del siglo XVIII, tiene varias plantas, 3 o 4 con un patio central y escalinata de piedra. Perteneció al general Lechi, quien dirigió las tropas napoleónicas. Es una gran joya, una de esas que no sabemos que existen porque permanecen cerradas al público. Al menos, la restauración realizada para la obertura del museo, según comentan, ha respetado todas las pinturas originales, decorados de techos y paredes.

Es verdad que si el museo destaca por algo es por el gran hiperrealismo de sus obras expuestas. Como el folleto indica: “el visitante quedará sorprendido porque difícilmente podrá encontrar una tendencia parecida en otros centros de arte contemporáneo.” De hecho, el director, José Manuel Infiesta asegura que son los únicos en Europa. Es más, recalca la importancia de volver a recuperar la tradición y la figuración como base del nuevo arte y bandera de su museo.

El MEAM gustó a la inmensa mayoría (entre la cual me incluyo pero no por los motivos que voy a dar a continuación), me refiero a una mayoría específica que pondría el grito en el cielo al entrar en el MACBA. Y ¿por qué les gustó? pues porque era arte contemporáneo, sí, pero FIGURATIVO. Y esto, amigos míos, hace ganar muchísimos puntos para el público al que me estoy refiriendo.

Va, no importa, lo voy a decir para aquel que no sobreentienda, me refiero a una oleada de personas snobs con cierto interés cultural y tiempo libre para invertir (dignas todas ellas de disfrutar del arte, por supuesto) que carecían de conocimientos sobre arte contemporáneo. Estas personas se sienten desnudas y perdidas cuando acuden a una exposición del MACBA, del CCCB, observan videoarte, una instalación performance, o simplemente se les presenta una abstracción (por no hablar del arte urbano, el grafiti sería un buen ejemplo, al que jamás considerarán arte, sino puro incivismo), es por eso que se sintieron felizmente intelectuales e integradas al poder acudir a este museo y comprender FORMAS con SENTIDO en él, objetos RECONOCIBLES y COMPRENSIBLES para su visión / concepto del arte. Y de ahí poder OPINAR, porque si algo les importa a esta gente es poder opinar sobre lo que ven (con todo el derecho del mundo, pero muchos de ellos sin criterios artísticos algunos para el tipo de comentarios que querían dar a entender, realmente).

No quiero decir con esto que no pueda haber arte contemporáneo figurativo, no, Dios me libre, al contrario, a mi me gusta mucho más personalmente que el abstracto, pero entiendo sus diferencias y los ambos distantes motivos que llevan a la elaboración del uno y del otro.

Sin embargo, el MEAM (o algunos de los dinosaurios que debe albergar en su interior, porque sino no entiendo quién ha podido escribir semejante ataque de atrevimiento) da este tipo de afirmaciones en su mismísima página web, a mí, como historiadora del arte, me ha asustado bastante.

“El MEAM és el nou temple d'aquesta nova religió. La religió dels quals creuen, en ple segle XXI, en l'Art. Un art que ja no es conforma amb l'experimentació convertida en fi en si mateixa, ni amb el permanent assaig de formes sense aconseguir cap definitiva, ni amb el culte al soroll pel soroll, ni amb video muntatges llastrats per l'avorriment. En fi, un art que es justifiqui en si mateix per ser alguna cosa directe, exprés, rotund, absolut, real, intel•ligible i genial. L'art ha de ser assimilable per a l'espectador. L'art ha d'anar dirigit a l'home del carrer, no a l'erudit. L'art ha de parlar el llenguatge del poble, no el dels acadèmics. L'única cosa que dóna sentit a l'art és saber connectar amb la gent, arribar a la sensibilitat de l'espectador. És abandonar els demagògics muntatges d'objectes inconnexos per retornar a la intimitat del taller de l'artista, a la creació de l'obra personal, elaborada, meditada i llargament perseguida.”

Traduzco para los no catalanoparlantes:

“El MEAM es el nuevo templo de esta religión. La religión de los que creen, en pleno siglo XXI, en el Arte. Un arte que ya no se conforma con la experimentación convertida en fin en sí misma, ni con el permanente ensayo de formas sin conseguir nada definitivo, ni con el culto de el ruido por el ruido, ni con el video-montaje lastrados por el aburrimiento. En fin, un arte que se justifica en sí mismo por ser alguna cosa directa, exprés, rotunda, absoluta, real, inteligible y genial. El arte ha de ser asimilable para el espectador. El arte ha de ir dirigido al hombre de la calle, no al erudito. El arte ha de hablar el lenguaje del pueblo, no el de los académicos. La única cosa que da sentido al arte es saber conectar con la gente, llegar a la sensibilidad del espectador. Es abandonar los demagógicos montajes de objetos inconexos para retornar a la intimidad del taller del artista, a la creación de la obra personal, elaborada, meditada y largamente perseguida.”

Sí, habéis leído justo lo que habéis leído, podéis cerrar la boca ya. Asombroso.

¿Templo de la Religión? ¿Video-montaje lastrado por aburrimiento? ¿Un arte que se justifica en sí mismo por ser directo y exprés (claro, no vaya a ser que se tenga que pensar un poco los significados y leer entre líneas si no se ponen las cosas delante y se dan con cuchara…y hasta yo diría que ni siquiera en el mundo de lo que llaman directo y exprés un zapato representa un zapato, serlo sí, representarlo en los múltiples significados del arte es otra historia), real (¿desde cuándo el arte contemporáneo no figurativo no es real? La idea que se pueda extraer de contemplar una obra contemporánea o de algunos de los movimientos surgidos en el arte de la posmodernidad como las performances, el video arte, las instalaciones, y una gran lista de etcéteras, son mucho más reales y cercanas al uso de la razón que cualquier cuadro hiperrealista), inteligible (que algunas personas no entiendan nada con el arte contemporáneo abstracto no significa que no sea inteligible, es más, si nos ponemos a analizar el término concreto de lo “inteligible” podríamos decir que Platón con su Teoría de las formas defiende el mundo inteligible como el mundo de la idea, allí donde radica la única y auténtica verdad y realidad, que es al mismo tiempo, abstracta en sí, ¿no?) y genial (bueno, aquí no hace falta que diga que el arte contemporáneo que no rige el MEAM es igual de genial). El arte ha de dirigirse al hombre de la calle, no al erudito (aquí comentaría sobre Góngora, pero me limitaré a decir que un poco de oscuridad a veces no viene mal para entender la luz, y a San Mateo, Evangelio (7:6) “no se le pueden echar perlas a los cerdos”). La única cosa que da sentido al arte es saber conectar con la gente, llegar a la sensibilidad del espectador (pues si hay gente a la que un dripping de Pollock no les toca la fibra sensible por no ser figurativo no es mi puto problema, la sensibilidad no va unida a la figuración, por Dios!). Demagógicos montajes inconexos para retornar a la creación elaborada y meditada largamente (¿En serio creen que a según qué artistas contemporáneos se les ocurren sus obras de arte en el momento All-brans de Kellogg’s?)

El MEAM me gustó, sí, también, pero por lo que vi, lo que vi era arte, no lo negaré, la mano del artista era buena, hiper-buena (si se me permite el chiste). Es decir, me gustó la obra del artista, no las voces que la apoyan. Trabajos como los de Eduardo Naranjo, Jordi Díaz, Mathieu Bassez, Arantzazu Martínez, Eloy Morales, Gerard Mas, Ricardo Ricci, Edgar Mendoza, Dino Valls, Jose Manuel Martínez, Marta de Olano, y muchos más, sean figurativos o no, son realmente de admirar, no hay que olvidar que estamos hablando de arte.

Eduardo Naranjo

Eloy Morales

Gerard Mas

Arantzazu Martínez

Edgar Mendoza

En definitiva, ¿Quién sabe? Quizás sólo había tanta gente por la copa de cava gratis y el platito de jamón de pata negra (sí, sí, jamón de pata negra, ¿Realmente necesario? En el MNAC sólo damos unos palitos de queso y unas insignificantes patatas de extraño parecido a las flores aromáticas que se usan en un bol para ambientar el salón, los armarios o el baño).

Vídeo promocional de La Vanguardia.

http://www.lavanguardia.com/noticias/20110511/54153348882/asi-sera-el-nuevo-museo-de-arte-moderno-de-barcelona.html

MEAM. (Museu Europeu d'Art Modern)

Barra de Ferro, 5 - 08003 BARCELONA Tel. (+34) 933 195 693

Fax: (+34) 934 179 360

Crítica publicada en Estudio Digital:
http://www.estudiodigital.es/articulos/reportajes/ver/29

"Ars longa, vita brevis"

CRÓNICA DE UNA FIESTA MADRILEÑA MAMAJUANERA ( o pasarlo teta es importante, es vital)

El viernes 10 de junio se presenta en Madrid el estreno de la revista digital de cultura posmoderna del momento. http://www.mamajuanadigital.com/ pues hay que ir, como colaboradora y como amiga, y más si hay cerveza gratis, hay que ir. Vamos a ello.

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El despertador suena a las 5.30h de la mañana ( por aquel entonces yo no lo sabía, pero esto ya era llegar tarde) me levanto sobresaltada como si aun me retumbara en la cabeza (y de hecho lo hace) el Réquiem de Mozart que estudiaba la noche pasada, porque no hay que olvidar que estamos en época de exámenes. Una vez acicalada salgo de casa con el estomago revuelto por los nervios. Llego a centro y me subo en el A1, detrás mio sube una chica de mi edad, al igual que yo pide un billete, me mira y sonríe, como si dijera: ¿tú también? Tiene unos aires tan...vamos a decir contemporáneos (para no herir a nadie con la etiqueta de la new wave hipsteriana) que no puedo evitar preguntarle si viaja a Madrid. No va a Madrid, va a Lisboa, es ilustradora, me cuenta amablemente. Le pido disculpas por mi atrevimiento. Me pregunta por qué voy a Madrid y yo le apunto la página web de Mamá. No hablamos mucho más, pero tenía un acento extraño, no sabría decir de que país era, aun así era amigable, al igual que el conductor del autobús. Me sorprende el buen humor de la gente a las 6.00h de la mañana, será que yo no he tomado ni siquiera un café. Miro por la ventana del bus, hay nubes, aquí lloverá. Tengo miedo, sé que puedo dar más, pero intento disimular consolándome de que no todos lo hacemos bien la primerva vez.

Aeropuerto. Mostrador de Spanair.

- Llega ústed sólo con 40 minutos de adelanto, su vuelo ya está embarcando, ha perdido el vuelo, no puedo dejarla pasar.

Pokerface.Soy idiota, empezamos mal.

T.Durden

Tengo que sacar un billete para el próximo vuelo dentro de una hora y abonar 90 € de penalización. Acepto, que remedio, yo no me pierdo el viaje. Es mi culpa, calculé mal el tiempo. Ni siquiera me han dolido los 2,80 € que me cobran por el café con leche de la espera. Detesto los embarques. Es la hora al fin. Asiento A14 (al menos tengo ventanilla) ahora me muero de ganas de ver quién será mi porción individual, B14, ya llega, mujer mayor, (shit) no es Tyler Durden. Cojo una de esas estúpidas revistas que te ponen en el compartimento del asiento delantero, es una guía de Spanair sobre Berlín (genial, un demiurgo). Estamos en el aire, y desde la ventanilla se ve el (la) mar, me parece tan sublime...no podría vivir en un lugar que no tuviera mar, no eternamente al menos. Necesito la sensación de relax, esperanza y libertad que me produce el (la) mar, hace que todo me parezca posible. En el 14E hay sentada una contorsionista, hace estiramientos y se balancea, levanta sus flexibles piernas por encima del asiento, la mayoría del avión duerme. Aterrizamos, necesito un baño, en el de mujeres hay demasiada cola (como siempre), el de hombres está vacío, (como siempre) entro en el de hombres. Llego al hotel, el código de seguridad de la puerta es ****. Check-in.

Calle, Gran vía. Si hay algo que me gusta mucho de Madrid es que por ser estudiante entras gratis a cualquier museo, y que además se pueden hacer fotografias a las obras (siempre sin flash, claro). Mi primera parada es el museo del Romanticismo, por el que me dejo caer sin pena ni gloria, me esperaba más cuadros de Goya quizás.

Satira del suicidio. Leonardo Alenza

Sátira del suicidio II.

Acampada Sol, 2011.

Aún así me gusta. Me dirijo a P.Sol, quiero ser una indignada aquí también, pero la cosa está en declive. La revolución decae, o al menos es lo que a mi me parece. Hago una cerveza en un bar mientras espero al resto de mamajuaneros barceloneses (Marc García, Unai Velasco...) para ir a comer. Después de un irracional menú de 11 € salimos con el estomago lleno y satisfechos, nos despedimos hasta la noche, ellos se dirijen al Retiro. Ahora tomo un café antes de entrar en el Reina Sofía, quería pasar por la expo de Heroínas del Thyssen, pero terminó el domingo.

café y letras

Los gorriones se posan en la mesa de la terraza donde me encuentro, picotean migas de pan, siempre me han parecido animales simpáticos. Me dispongo a pagar cuando el camarero me pregunta si hago fotografias (me ha visto con la cámara), le contesto que como aficionada. Me dice que si le saco un par de fotos al bar me invita al café. Acepto encantada.Su tía es pintora y necesita las fotos para hacerse una idea y perspectiva para el lienzo. Me da su e-mail para que le pase las imágenes. Me pregunta de donde soy, le digo que de Barcelona y me dice que ya le parecía a él que era catalana, que él es de Santa Coloma de Gramenet. Nos despedimos y le prometo esas fotos.



Roberto Jacoby.

El Reina Sofía es enorme. Me gusta en especial el trabajo de Roberto Jacoby, que se está presentando en la exposición temporal.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/jacoby.html Pero no hay que olvidar los trabajos de Leonor Antunes y Yayoi Kusama, entre otros también reunidos en las distintas exposiciones que se recogen en este momento en el museo. Recomendable darse una vuelta. El Guernica provoca un impacto de guerra interna. Me duelen los pies. Te he comprado un cuaderno, no he podido evitarlo.

Yayoi Kusama

R.Jacoby

De vuelta al hotel me he encontrado en el metro con una pareja de ancianitos catalanes que (al igual que yo quedó demostrado que muchos otros seres) no entendian las indicaciones del metro madrileño. ¿Por qué aun tienen un anticuado sistema de pegatinas? ¿Qué hay de esos paneles con lucecitas que nos van marcando las paradas a los barceloneses, y esa voz alta y clara que te dice en qué parada estás y con qué línea haces transbordo? ¿Por qué hay varias pegatinas de líneas distintas del metro en un mismo vagón? En fin, esto teneis que solucionarlo chicos...Bueno, le explico en un catalán de la tierra, jaja, lo de las líneas y las paradas, "moltes gràcies, passi-ho bé". En Callao me encuentro con Luna Miguel y Manolo Vázquez, vamos a por cerveza mientras esperamos a Antonio J. Rodriguez y Nadia Leal. Mario Amadas llega por otra parte también en estos momentos.

Local inauguración Mamajuana!



Tramando mamajuanadas.

Nos dirijimos al Fabuloso por fin! El local está medio lleno, de repente, Flipy aparece, me quedo con cara de circunstancias, no puede ser que este tío esté aquí por lo de la revista, jaja, pero se ve que abajo había una fiesta de un programa suyo de TV. El tio como ve que le miro raro me saluda como si me conociera de toda la vida, "hola" y me da dos besos, y yo "hola, ¿qué haces aquí? jaja" y me cuenta lo del programa de Involución. Seguimos cada uno a lo nuestro. No hay charla de inauguración por parte de los fundadores de Mamajuana (la cual cosa es una lástima). Tickets gratis para birra. Empiezan a llegar más mamajuaneros mientras la fiesta continua más fuera que dentro del local. Llega Ernesto Castro (reverencia prometida) y me regala su útlimo libro en colaboración: Redacciones (2011, Madrid: ed. Caslon), Julio Fuertes y Marina con una botella de mamajuana enorme, entre mucha otra más gente de los que unos me suenan más y otros menos. Risas varias y discusiones mamajuaneras. A altas horas se decide ir a tomar chupitos al chino, posteriormente se acaba en un lugar. Se compran 85 cervezas a un chino (es una cifra exacta) y unas 25 personas continuan con la fiesta. Vamos a decir que unos van peor y otros mejor, pero el buen rollo se respira en el ambiente, yo pierdo mi reloj de Nietzsche que no pudo soportar unas horas tan poco marcadas por sus pautas jajaj, (luego recuperé el reloj) el resto del transcurso de la fiesta voy a catalogarlo como genialmente variopinto. A las 6.30h se decide cerrar, vienen las despedidas, una noche mamajuana genial. Algunos quieren irse a desayunar churros con chocolate al grito de "pasarlo teta es importante, es vital" y yo decido retirarme al hotel, en menos de 6 horas debo dejar libre la habitación. Hace frío, joder. Tengo tos. No duermo bien. 10h a.m , desayuno en el hotel (grave error), echo de menos a mi madre si veo un croissant con mermelada de melocotón,  esos son desayunos de madre e hija en Bcn city, pero ese no es el error, el error es que mi racional oído escucha que el precio del desayuno son 3 €, algo comprensible para un café de mierda y una pasta, pero el hijoputa del Hostal Andorra (no recomendable por varios motivos) me cobra la friolera de 13 €, pido un ibuprofeno para pasar este trago y los de la noche anterior.

La dama del armiño. Da Vinci

La exposición de "Polonia. Tesoros y colecciones artísticas" en el Palacio Real es corta pero intensa. No podía irme sin ver La Dama del armiño (c.1488-1490). Había bastante gente, aunque para mi gusto siempre hay bastante gente,  y nunca son silenciosos, y además siempre traen niños, niños que se aburren y corren y gritan por las salas. Desde la Edad Media hasta las colecciones de la corte del s XIX. Es un hecho curioso, Cecilia Gallerani ya sonreía de medio lado antes que lo hiciera la Gioconda (1503-1506) y casi nadie habla de su sonrisa. Siempre me da la impresión de que los cuadros de Leonardo son más grandes del tamaño que realmente tienen. Cuando voy a las exposiciones me fijo a veces más en los aspectos técnicos y de estructura organizativa de éstas que en la colección en sí. En este caso, han elegido correctamente el hecho de proteger las obras a cierta distancia del público, pero han colocado a la Dama como final de la exposición; yo entiendo que esto a ellos les interese, así no se acumula gente en una sala concreta, o al principio de la exposición, pero es que la puerta de salida, la ruidosa puerta de salida, está justo a la derecha del cuadro, lo que hace que cada vez que alguién sale se produzca un portazo que perturba el silencio que esta obra merece en su contemplación (esto obviando las siempre presentes charlas de las ineptas snobs que tienes que escuchar sobre comentarios absurdos y los niños aburridos y llorones, claro). La sala de ubicación es pequeña además para la multitud de gente que se va a acumular ahí, asi que encima tienes que aguantar un embudo de personal que intentan ponerse de puntillas y esquivar cabezones para contemplarla.

Paseando por las calles de los barrios de Madrid me doy cuenta que, en ciertos aspectos, así como Barcelona me recuerda a París, Madrid me recuerda a las calles de Roma. En fin, se me hace tarde, no me da tiempo a ver La Fábrica, una lástima, tienen una colección de fotos de Francesca Woodman que hubiera matado por ver, la próxima vez será.

No me gusta nada viajar con Vueling, siempre hay retrasos y nunca sirven comida gratis como otras compañias a la hora de la cena. Llego a Barcelona con una hora de retraso.

Cuando viajo sola me pasan cosas extrañas y maravillosas.

"Pasarlo teta es importante..."

MAMAJUANA!

*Algunas de las fotografías de este artículo fueron tomadas por una servidora durante la estancia madrileña. (N. del A.)

"Ars longa, vita brevis"

BANSKY. Exit through the gift shop (o la facilidad de crear mitos artísticos)

Documental firmado por el grafitero más famoso e, irónicamente, más anónimo del mundo.

Dirección: Bansky

Año: 2009

País: EE.UU

Duración: 88 m aprox

Idiomas: Inglés (sub. en castellano)

Precio: 13,99 €

Imágenes y testimonios reales de la denominada tras el posmodernismo "bad culture", nos hablan aquí del controvertido mundo del arte urbano, exactamente del graffiti, pero también de otras realizaciones plásticas que se efectúan en las paredes de las ciudades de forma anónima o bajo una firma, símbolo o señal característica. La práctica del arte grafitero - la ley lo llama incivismo público - siempre ha sido perseguido y castigado. Su polémico desarrollo en las últimas décadas- unido a propósitos de crítica social política en el contexto de un alternativa cultural- nos lleva a indagar en su no muy lejano origen. En la primera mitad del siglo XX, artistas como Dubuffet ya dio carta blanca al asunto, más tarde vino seguido por nombres como Haring o el famoso Basquiat.



Haring

Basquiat

Surgido en las paredes de las calles, este Street ART del que hablamos, marca un discutido itinerario, en el que las obras creadas por la influencia de la bad culture , se han integrado en el universo de la cultura convencional, en las galerías, en los museos, y por lo tanto, (quizás con un poco de ironía) en la rueda de los productos de industria generadores de dinero.

El documental tiene un buen montaje, un excelente ritmo y un sin fin de imágenes de un arte muy cínico en según que momentos. El argumento versa sobre el arte urbano y desemboca en una ácida reflexión sobre la mentira y falsedad  en el mundo del arte contemporáneo, sobre la facilidad de improvisar mitos artísticos, dar gato por liebre explotando la fe ciega del rebaño en masa que acoge y aplaude acríticamente cualquier "novedad" con la etiqueta de lo más cool y moderno.

Bansky, que en ningún momento aparece a rostro descubierto, habla a cámara, trabaja en su taller, nos muestra el mundo del arte ilegal de las calles, y nos presenta al personaje Thierry Guetta, un supuesto tipo que filma a los grafiteros, y luego se constituye con su material en un artista de éxito. Digo "supuesto" porque tampoco nadie sabe quien es el tal Thierry Guetta, y aquí podríamos estar hablando de una creación inventiva e instrumental del propio Bansky como medio promocional de su obra, y formular así su discurso-ensayo que conllevaría inscribir esta película en lo que se dice "falso documental". Aún así, la película también recoge entrevistas a los artistas Shephard Fairey y Space Invader, que nos comentan como su trabajo empezó a tomar forma tras el descubrimiento del artista francés Blek le Rat, famoso por su técnica del estarcido (pintura mural sobre plantillas).

Blek le Rat

Bansky es anónimo no por que no pudiera soportar el peso de la fama, o no porque no quiera ser quizás rico, sino porque sabe que su trabajo está considerado por las autoridades puro vandalismo, y que sus críticas y sus sarcasmos serían dignos de prisión en casos extremos.

Bansky ...o cualquier otro.

Muchos consideran su apropiacionismo como conceptualmente vago, recalcando que la ironía o cierto juego perspicaz, no le convierte en artista. También existen quejas sobre la plasmación de sus ideas anti-sistema y anti-capitalismo en fachadas de edificios o lugares cuyos habitantes no las comparten. No obstante, su arte de revolución, su "daño criminal" influenciado por la culture Jamming (movimiento que deforma imágenes de anuncios publicitarios mayoritariamente para transformar en otro el mensaje) y por artistas posmodernos de la talla de Richard Prince con su obra sobre los cowboys de la campaña publicitaria de Malboro; sigue siendo una forma de escupir un claro mensaje a la cara de una cierta burocracia, de abofetear la mejilla rosada de algún capitalista por las noches, mientras pasa desapercibido por su lado de día. Un mensaje revolucionario es un mensaje revolucionario, y el trabajo de Bansky, junto con su estética y hasta me atrevería a decir la palabra cierta originalidad, para mí, lo es.

Prince

Bansky

¿Todo graffiti en la calle es arte? No a mi ver, pero a mi ver, tampoco toda pieza que se encuentra dentro de un museo lo es. ¿Bajo que criterio elegir cuales sí y cuales no? eso ya es la historia de la pregunta del millón de dólares...

Aquí os dejo el trailer: (el documental fue premiado en el Festival de cine Sundace)

"Ars longa, vita brevis"