MEDITERRÁNEO. Del mito a la razón

Esta exposición de carácter itinerante (posteriormente viajará a Madrid, Montreal y Chicago) engloba numerosas piezas de museos de toda Europa que han permitido formar una colección de la Antigüedad Grecolatina bastante completa. El mediterráneo fue una vía fluyente continuamente de creencias, ideas, conocimientos, mercancías, formas culturales, etc entre lugares tan importantes como Egipto, Grecia e Italia.

Personalmente siempre he considerado que Grecia era la cuna de la mayor parte de la cultura europea, por eso me da tanta pena ver el estado de Grecia actual con los grandes valores y pensamientos que tuvieron sus ancestros. Me imagino a Platón levantando cabeza ante los nuevos griegos y lanzando ejemplares de la República en las guerrillas callejeras.

El mar Mediterráneo, que da nombre a la exposición, es el origen del pensamiento occidental, las culturas surgidas entorno a estas aguas, como la Griega y la Romana son parte esencial de lo que hoy entendemos como Europa. En el siglo VI a.C, cuando el período de la Grecia clásica empezaba a aflorar, hubo un cambio en sus mentes respecto a la concepción de ver el mundo terrenal y el destino de los hombres, y el Olimpo de los dioses. Las ciudades griegas incorporaron el espacio público, que ya no pertenecía a los dioses sino a la comunidad, como el ágora, un lugar de intercambio de ideas y bienes, y valores como la paz, la abundancia, la prosperidad y la justicia se extienden. La exposición muestra esta argumentación con una selección de 165 obras griegas y romanas: estatuas, relieves, frescos, cerámica, mosaicos, joyas, etc que intentan aproximar a los hombres de la actualidad a la historia y la religión del mundo grecolatino a través de personajes mitológicos tan conocidos como Hércules, Europa, Eros, Jasón, Medea, Ulises, Odiseo, Prometeo y demás. La idea de remarcar la importancia de la filosofía como hilo conductor de la vida de un hombre queda clara y concisa, como si ésta fuera el pilar del alma.

“ El tiempo de la vida humana, un punto; su sustancia, fluyente; su sensación, turbia; la composición del conjunto del cuerpo, fácilmente corruptible; su alma, una peonza; su fortuna, algo difícil de conjeturar; su forma, indescifrable. En pocas palabras, todo lo que pertenece al cuerpo, un río, sueño y vapor; lo que es propio del alma, la vida, guerra y estancia en tierra extraña; la fama póstuma, el olvido. ¿Qué puede darnos entonces compañía? Única y exclusivamente la filosofía. Ésta consiste en preservar el guía interior, exento de ultrajes y de daño, dueño de placeres y penas, sin hacer nada al azar, sin valerse de la mentira y la hipocresía, aceptando lo que acontece, argumentando a la mente con pensamiento favorable, en la convicción de que ésta no es otra cosa que disolución de los elementos de los que está compuesto cada ser vivo.”

Marco Aurelio, Meditaciones II, 17.

Ante nuestros ojos aparece una nueva visión alejada de las batallas y el heroísmo de estos pueblos que nos muestran las películas de Hollywood (salvaguardando Ágora), y por una vez nos centramos ante el mito, la filosofía, la doctrina, la política, de los encuentros con los nuevos dioses como Mitra, Jesús…todo se contempla desde una complejidad que les convierte de nuevo en un referente próximo, reflejo de anhelos y contradicciones del hombre de hoy. Recomendable.

Comentando los aspectos técnicos de la exposición hay que mencionar la mala decisión del equipo de diseño de colocar una puerta corrediza mecánica que hacía un ruido horrible cada vez que alguien accedía a la sala, y de organizar un recorrido expositivo a veces ciertamente confuso. Positivamente hay que destacar la calidad de las obras –auténticos frescos de Pompeya del 25-45 d.C aunque sin ningún tipo de control climático o protección frente a los visitantes- y la sala de lectura auditiva donde se podían escuchar fragmentos destacados de las obras más conocidas de la literatura y el pensamiento griego. Algunas de las obras, la cerámica principalmente, estaba situada dentro de vitrinas, y el alumbrado consistía en un sistema de raíles con focos dirigidos, dependiendo de la obra con una intensidad de luxes que variaría entre los 50 y los 150, aproximadamente. Gran afluencia de público, por desgracia destaca algún que otro personaje maleducado que responde sin ninguna vergüenza a las llamadas telefónicas en mitad de la sala o hace un tour como “guía” comentando las obras a sus amigos durante todo el recorrido y en voz alta. Hay que comentar el maravilloso despliegue de obras literarias griegas y romanas que ha hecho la librería LAIE del Caixaforum a favor de la exposición, contando también con el magnífico catálogo de ésta. Muy tentador llevárselo todo a casa.

Más me pesa concluir con esta afirmación pero que a mi ver es cierta. El filósofo y poeta Friedrich Schlegel decía, en pleno Romanticismo alemán, que los griegos sentían naturalmente y que ellos –refiriéndose a los hombres de su época- sentían lo natural, sintiendo esa pena romántica al ver que su pueblo se alejaba del ideal griego. Respira tranquilo Schlegel, en España no hemos sido griegos nunca, nos ha faltado el espíritu y sobretodo el carácter. Nuestra cultura o nuestras formas no se vieron irradiadas del esplendor griego, jamás fuimos su sombra pues jamás andamos tras su estela. No hay ya en nuestro mundo global una noción ética con respecto a la comunidad (la polis), un respeto hacía la misma, pues si lo hubiera respetaríamos el espacio común, no contestaríamos a una llamada telefónica y daríamos voces frente a la contemplación de un pasado que se nos escapa, frente a una esencia que jamás fue nuestra.

“España no es Europa, no lo ha sido nunca –como tampoco lo han sido Turquía y Rusia. Europa es una complicada mezcla de las sucesivas aportaciones de Grecia, Roma, el cristianismo, el Renacimiento, la Reforma y la Revolución Francesa. Y España, de Grecia, tiene muy poco: un leve reflejo en el litoral levantino. De Roma, los rastros de una organización administrativa y jurídica, con cierta tradición arquitectónica. Del cristianismo, sólo su parte negra, sangrienta y combativa, la que hizo decir a Chateaubriand que los españoles son “des arabes chrétiens”. Del Renacimiento, fórmulas literarias y decorativas: palacios desvencijados, fachadas risueñas, plazas monumentales en tierras pobres, el endecasílabo –que trajo Boscán y pulió Garcilaso-, el neoplatonismo injertado por Fray Luis de León, etc.: un barniz nada esencial. De la Reforma, casi ni rastro. De la revolución del 89, otro barniz intelectual y político, más fino y frágil que un polvillo. Y, en cambio, lleva en la sangre una mezcla de savia mora, judía y visigoda que hace inviable cualquier corriente de europeismo.”

“Meditaciones en el desierto” (1946-1953) de Gaziel

Vídeo sobre la exposición que muestra algunas obras.

Caixaforum Barcelona

Del 28 de febrero al 15 de junio de 2014.

Actividades no gratuitas entorno a la exposición: conferencias, conciertos, ciclo de cine, visitas guiadas...

telf: 934768600

"Ars longa, vita brevis"

LE CORBUSIER. Un atlas de paisajes modernos

Debo admitir, aunque no debiera ser así, que de la triada clásica de las artes, la arquitectura nunca me fascinó tanto como la pintura o la escultura, por esta misma razón me ha sorprendido tan satisfactoriamente la buena impresión que me he llevado de esta completa exposición. Las exposiciones con maquetas y planos me aburrían, lo admito con la cabeza gacha, pero Le Corbusier es diferente, esta llena de vida y sueños.  

Esta muestra itinerante, que ya arrastra su éxito desde Nueva York, llega a Barcelona (posteriormente viajará a Madrid) comisariada por Jean-Louis Cohen, catedrático de la universidad de Bellas Artes de NY, y Barry Bergdoll, conservador del Metropolitan of Modern Art de NY. Producida por La Caixa, cuenta con el respaldo de la Fundación Corbusier de París y el propio MOMA. Cabe destacar el servicio de diseño, simple, puro y claramente guiado, y montaje expositivo que contaba con puestas en escena espectaculares con mobiliario original y proyecciones audiovisuales. 

" Trabajé por lo que más necesitaban los hombres hoy: el silencio y la paz."

Le Corbusier

Esta cita, de casi un siglo de antigüedad, aun podría ser un lema de hoy en día. 

Charles Édouard Jeanneret-Gris (1887-1965) es el nombre real del seudónimo Le Corbusier. Arquitecto, urbanista, pintor, diseñador de mobiliario, escritor...en definitiva, artista polifacético nacido en Suiza que junto con otros grandes artistas de la época como Wright, Gropius, o Mies Van Der Rohe, revolucionaron el mundo de la arquitectura del siglo XX. 

Su carrera podría esquematizarse generalmente en tres períodos:

- La conquista de París 1917-1929

- Chandigarh: un nuevo paisaje urbano para la India 1945/47-1950

- El mediterráneo 1950-1965

Su carrera empieza propiamente en París alrededor de 1917, donde trabajo para Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica del hormigón armado que tan destacado sería luego en sus obras. Viajó mucho: Alemania, Grecia, Italia, Turquía, Brasil, España...donde intentaba captar la esencia y el espíritu de la manera de vivir de esas ciudades para luego desarrollar esa influencia en sus obras. Su concepción de la arquitectura estaba profundamente arraigada en la naturaleza y al paisaje, sus edificios tenían raíces como si hubieran florecido allí sin molestar, ejemplo de ello es una de sus primeras obras maestras: la villa Savoye. (Un paréntesis personal para destacar que si de arquitectura orgánica se trata se debe tener en consideración una de las mejores construcciones en este tipo: la casa Kaufmann, o lo que es lo mismo, la casa de la cascada, de F.L. Wright, construida en 1937.)

Villa Savoye. Le Corbusier. 1929. Poissy.

Plano de las 3 plantas de la villa Saboye

Le Corbusier fijó lo que denominó: los 6 puntos de una nueva arquitectura.

1. La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes para permitir el movimiento de los vehículos.
2. La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de pilares en la que apoyan losas, de esta forma el arquitecto decide dónde poner los cerramientos, siendo independientes de un nivel al otro.
3. La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural y permitiendo libertad en su composición independientemente de la estructura.
4. La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores.
5. La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada a la naturaleza por la vivienda debía de ser devuelta en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.
6. La promenade arquitectónica: el edificio debe invitar a ser recorrido y a partir de eso se lo podrá comprender en su totalidad. Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada, minimalista, sin adornos ni elementos superfluos, pura, y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos. - Es curiosa esta observación puesto que el diseño de la propia exposición parece haberse ejecutado siguiendo este último punto.-

En sus primeros proyectos como el de la construcción del nuevo Hospital de Venecia, donde lo planteó de una manera totalmente horizontal para que no sobresaliera por encima de las casas de los lugareños y rompiera la estética visual de la ciudad, o la capilla de Ronchamp donde destaca la práctica distribución teniendo en cuenta la acústica pero con contrastes entre la montaña y la disposición de la iglesia para recordar al Acrópolis de Atenas coronado por el Partenón. Todas estas soluciones equivalen a querer trabajar con un funcionalismo para el hombre y la naturaleza sin dejar de lado todo un romanticismo clásico visual producto de las experiencias de sus viajes y las tradiciones clásicas de los lugares sagrados de la arquitectura. 

Entre 1931 y 1938 viajó a España, y en Barcelona dentro de el Plan Macià, Le Corbusier estudió en 1933 el proyecto de un barrio modular con el lema «Una casa, un árbol», y a lo largo de esa década trabajó especialmente en la definición de sus viviendas provisionales. Implantados en unas amplias manzanas de 400 por 400 metros que agrupan seis sectores cada una, estos conjuntos de viviendas están inspirados en parte en el modelo Citröhan creado por él en 1920, por ejemplo en lo relativo al espacio de doble altura del salón. Presentan tres niveles y únicamente reciben la luz del día por una de las fachadas, en la que se instalan los brise-soleil. Se trata de la primera formulación de esta propuesta, y de la de sus jóvenes seguidores brasileños. 

plano de Barcelona y el proyecto urbanístico de Le Corbusier

Vista del Mnac y la construcción de Montjüic

Edificio Le Corbusier con Sagrada Familia al fondo

A veces aparece una imagen de Le Corbusier como un arquitecto/soñador medio frustrado que vio que la mayoría de sus proyectos no se hacían realidad y eran rechazados. Es cierto que la pérdida del diseño del proyecto de la sede de las Naciones Unidas en Nueva York que finalmente ganó Wallace K.Harrison, no fue un caso de celebración pero Le Corbusier pudo proyectar y realizar una urbe entera en India en 1945, tras la Segunda Guerra Mundial.

Chandigarh, que pasó a ser la nueva capital del estado del Panyab, en el norte de la India, constaba con edificaciones que ponían a la práctica la técnica del hormigón visto y que le aportó al artista una oportunidad de trabajar en un amplio territorio, poniendo en práctica esquemas visuales que había descubierto durante sus estudios en la antigua Roma, tres décadas antes. Este proyecto le fue ordenado para crear una nueva ciudad como símbolo de la libertad de la India descargada de las tradiciones del pasado, no obstante, Le Corbusier cumplió ese objetivo pero habiendo primero creado un plan urbanístico que recogía las tradiciones asiáticas, el estudio de la arquitectura mogol, la esencia de la capital Nueva Delhi construida por los británicos, y las aldeas indias tradicionales donde descubrió toda una técnica urbanística curvada y semiprehistórica. 

En los últimos quince años de su vida, el artista construyó (a opinión personal de gran valor y utilidad en todos los sentidos) las denominadas Unités d'habitation en Marsella y Berlín principalmente. La exposición recrea estas estancias con el mobiliario original, como las de Marsella, un complejo de 337 viviendas que fueron hechas para personas que se habían quedado sin hogar durante la Guerra. Lugares donde reinaba la paz y el sosiego con maravillosas vistas al mar y en la azotea una pequeña piscina comunitaria.

Escenografía de Unidad habitacional, Marsella,  Le Corbusier, 1945-52

Destaca el contraste que existe entre su pintura y su arquitectura. Personalmente, se aprecia una pintura más gruesa de forma más curvada y a veces desproporcionada con ciertos aires de inspiración surrealista. Inspirado en la pintura de Fernand Léger y los objetos que coleccionaba en sus viajes, se puede decir que su pintura son maquetas a escala de paisaje, vista de pájaro.

Naturaleza muerta con violin rojo. Le Corbusier, 1920.

El resto de su vida y su muerte le sucedió en la Costa Azul, en el mediterráneo, un paisaje que le había cautivado desde siempre. Su cabaña en Roquebrun cap-Martin fue su retiro, era un pequeño habitáculo de apenas 20m2 donde se recogía toda la arquitectura funcional, pura y práctica que había desarrollado durante su carrera. ( Los pisos de 20m que expone IKEA vienen de la funcionalidad y el conocimiento del espacio de obras así, IKEA le debe mucho a la arquitectura moderna del XX)

Escenografía de la cabaña en Roquebrun, donde pasó sus últimos días.

Menciono el espacio Caixaforum Kids dentro de la exposición vigente. Es una pequeña habitación dentro del recorrido dedicada a la interacción con los más pequeños. He entrado por curiosidad y había pegatinas  gratuitas con la imagen de la villa Saboye y la ville de Le Lac de Corseaux entre otras, he cogido un par. 

En definitiva, esta exposición muestra las múltiples facetas de Le Corbusier a través de aproximadamente 300 objetos: recreaciones de interiores, maquetas, planos, fotografías, dibujos, pinturas...que ofrecen el resultado de la exposición más completa que ha habido en nuestro país sobre el artista y que sigue su trayectoria a lo largo de seis décadas en las que se dedicó a observar, imaginar, perseguir, proyectar y realizar sueños de parajes arquitectónicos, naturales y humanos.

Le Corbusier me ha hecho recordar que si me gusta la arquitectura, que por supuesto que admiro las antiguas construcciones griegas, las medievales, las renacentistas, y las de la época moderna, digamos hasta 1970. Los pilares son claros y esenciales, aunque la arquitectura posmoderna y actual difiera mucho de ello, pero eso es otro tema.

Actividades desarrolladas entorno a la exposición:

-Todos los jueves a las 11.30h sesiones a 4 € sobre distintos aspectos de la arquitectura 

-Ciclo de conferencias todos los miércoles a las 19.30

LE CORBUSIER. Un atlas de paisajes modernos.

del 29/1/14 al 11/05/14 

gratuita clientes de La Caixa, otras entidades : 4 €.

Fuentes:

http://www.hoyesarte.com/evento/2014/01/le-corbusier-un-atlas-de-paisajes-modernos/#comment-16924

BENEVOLO, Leonardo (1979). Barcelona: G.Gilia. ed (en español). Historia de la Arquitectura Moderna. 

http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=3426

http://www.fondationlecorbusier.fr/corbuweb/morpheus.aspx?sysName=home&sysLanguage=fr-fr&sysInfos=1

"Ars longa, vita brevis"

ARTE, DOS PUNTOS. Unión colecciones MACBA+Caixaforum

Acudí a esta exposición con grandes expectativas porque pensé que era la unión de dos grandes guardianes de arte contemporáneo, pensaba que iba a ver nuevos tesoros, sin embargo, me encontré con los viejos amigos de siempre. Así pues, me centro aquí más en una crítica a la organización expositiva de la entidad cultural y al público asistente que sobre las obras de arte en sí.

Básicamente la exposición (al menos la parte desarrollada en Caixaforum) no se muestra con mucha novedad, en su mayoría exhiben artistas postmodernos de los años 90 ya consagrados como lo son Sherman y Gober, no obstante, en su carta de presentación -léase tríptico- reza como "una exposición que por primera vez en Barcelona reúne un relato conjunto que invita al espectador a aceptar la responsabilidad última de una respuesta". Esta frase en sí ya es poco clara y queda ciertamente vacía de contenido e intención. ¿Qué responsabilidad y frente a qué? ¿qué respuesta, y desde cuándo hace falta una respuesta, o se ha podido substraer alguna? El espectador no tiene -y dudo mucho que consiga por varios motivos- que aceptar la transición de X años de arte hacia una afirmación definitiva y mucho menos responsable de nada.

Por otro lado, se realiza una fotografía personal al espectador al entrar y otra al salir de la exposición con el fin de dejar reflejada la pre y post impresión de éste después de ver la muestra. Personalmente también me parece, en esta muestra, un recurso vacío y carente de cierto sentido en un rol de interacción con el público.

"¿Cómo definirían el arte actual?" pregunta la exposición, oigan, Cindy Sherman es una artista consagrada, pero no es arte ACTUAL; es como si se hablara de una película que se estrenó hace 30 años como cine de hoy en día. De acuerdo, los nombres de Nauman, Gober, Sherman...están como sustento, como pilares y apoyo a la creación actual contemporánea real, ponen las bases a un presente artístico, pero, ¿Se pueden dichas bases y exponer sin ellas? ¿se puede prescindir de los clichés y elogiar lo realmente actual con un buen discurso no pretencioso?  Los grandes nombres no se pueden usar más como panacea si queremos seguir avanzando en el mundo del arte.

A nivel museológico me gustaría hacer un quisquilloso apunte a todo el personal que se dirige a ver una exposición, porque como historiadora del arte me gusta analizar el entorno de éste y como intervienen las acciones en él. Nada más entrar en una exposición hay una pared con un montón de letras, se llama "texto introductorio expositivo" y explica lo que se va a ver durante el recorrido, crea una ubicación al espectador. Saltarse ese texto e ir a devorar obras de arte directamente es obtener sólo un residuo visual en la memoria carente de sentido que se borrará pocas horas después. Entender el mecanismo es muy importante y ahorra decepciones. La información es poder.

La primera obra que se observa es la de Mike Kelley, The trajectory of light Plato's cave, una obra en la que para poder observarla en su totalidad se debe arrodillarse y pasar a cuatro patas para entrar en una "cueva" donde hay un par de telas colgadas, una de ellas representa una vagina como la entrada y salia del mundo, y la otra unas manchas con forma humana entre body painting y teoría Gestalt.
No quiero comentar la obra más allá de su descripción, sino que quiero centrarme en este caso en un aspecto museográfico bastante común en las exposiciones de arte actual: la exposición no está adaptada a ser visitada por personas con movilidad reducida. Una persona que vaya en silla de ruedas no va a poder participar en esta obra debido a su condición, y no me refiero a la condición física del espectador sino a la museográfica en sí. Existen técnicas y manuales para solucionar este tipo de problemas, el arte, y sobretodo la cultura y el derecho al uso y disfrute de ella, no debería ser exclusivo sino estar al alcance de todos.

Cabe destacar aspectos positivos que se daban lugar en la exposición, como la obra de Tonet Amorós (Lleida, 1961) con la obra Omnipotents omnipresents. 

Larvas, larvas que yacen esperando un cambio. Como nosotros, millones de larvas en evolución esperando la utópica metamorfosis de la sociedad. En los '90 se tenía miedo al boom del 2000, la nueva era, pero al mismo tiempo se albergaban esperanzas para un cambio hacia un nuevo orden social y gubernamental. Así pues, la obra refleja estos pequeños seres diseñados a la predisposición de ser perfectos bajo el molde simbólico de canon de las 7 cabezas de Policleto. Encerrado, el ser humano, la larva, espera un renacer en el porvenir con una base de proporción perfecta, y con cierta idea ¿sacra? al estar alineados al centro como una mandorla del Pantocrator. Todos conectados a una crisálida -idea central o causa energética- que los alimenta y les da calor, fuerza, memoria colectiva para el cambio. Algo se está incubando, algo hacía una mejora, me gustaría pensar. Sin embargo, hay otras lecturas, supongo que son diferentes formas de ver las caras de una misma moneda : Omnipotents omnipresents (1991), de Tonet Amorós, mostra unes oloroses larves de parafina alimentades per una gran crisàlide, com a «ironia d'una societat on tots estem conduïts i mengem i veiem el mateix». La postmodernitat de Matrix. (Ana Abella, el Periódico) 

Martha Rosler (Brooklyn, 1943) con su genial y ya conocido Semiotics of the kitchen (1975) http://www.eai.org/title.htm?id=1545 se quedó incomprendida por alguna fémina que pasó por delante y no prestó atención a una compañera de género. Era como si su pensamiento fuera transparente. La señora de mediana edad que quedó mirando el vídeo y pensó : ¿esto es arte?. Cabe decir que por supuesto pasó olímpicamente de leer la cartela informativa sobre la artista y lo que representa esta obra. El arte contemporáneo, el arte en general, no es difícil de entender, es que hay gente que no pone ni el mínimo esfuerzo para leer algo que tiene delante de sus narices, ¿Es mucho más fácil huir indignado acaso?. Si la señora en cuestión en vez de haberse alejado moviendo la cabeza como signo de negación se hubiera quedado un par de minutos a leer la cartela quizás hubiera visto que Rosler estaba escenificando la eterna lucha de géneros, defendiendo el papel de la mujer en la sociedad, expresando la opresión sufrida por el género femenino en el machismo de la época, ironizando sobre el sistema familiar establecido, el rol de la mujer, y mil cosas más. La información vuelve a ser poder. 

N.A: Supongo que el arte es algo sacro para algunos (entre los que estoy en primera fila) y no algo en lo que decido dedicar un par de horas el sábado por la tarde, no es un mero entretenimiento, para algunos es a lo que hemos elegido dedicar la vida, por eso molesta tanto que alguna gente acuda a exposiciones y se burle de lo que ve y no entiende. Personalmente, jamás entraría en una iglesia a reírme de Cristo por no comprender o compartir su fe, ni entraría en el laboratorio de un químico y empiezaría a jugar con sus probetas. El arte no se ha creado para la diversión del pueblo y algunos no podemos evitar tomárnoslo como algo serio, como nuestro trabajo, como lo que es. El arte merece respeto, y el espacio en que se desarrolla también, así que sólo puedo aconsejar a todo el que acuda a ver una exposición que ya que ha decidido ir a ese acto, que disfrute a conciencia, que lea, aprenda, mire y observe también, piense, respete, y disfrute.

"Sólo el arte puede desarticular los efectos represivos de un sistema social senil que sigue tambaleándose en la cuerda floja. Desarticular para poder construir un organismo social como obra de arte."

                                                                             J. Beuys

Datos y fuentes:

La exposición se divide en dos partes, la sede MACBA y Caixaforum (servidora sólo a acudido a ver la parte expuesta en Caixaforum por motivos personales).

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/artedospuntos_es.html (podéis descargar el tríptico)

http://www.macba.cat/es/expo-arte-dos-puntos/1/exposiciones-actuales/expo

http://www.youtube.com/watch?v=MUHgl4t5uCE

http://www.artdospunts.com/

http://www.elperiodico.cat/ca/noticias/oci-i-cultura/lart-contemporani-conquista-barcelona-2513854

"Ars longa, vita brevis"

QUÉ PENSAR/QUÉ DESEAR/QUÉ HACER. La Pasión de Juana de Arco por Javier Téllez

Personalmente iba a ver la exposición del Japonisme...pero esto siempre ocurre, se va a ver una obra/exposición con alta expectativa y de revote uno se encuentra con otra obra/exposición inesperada que acaba siendo un pequeño tesoro.

Caixaforum ( por cierto ahora ya es de pago, gratis sólo para clientes La Caixa) está demostrando tener una colección de arte contemporáneo bastante interesante cuando se sale de los clásicos contemporáneos y apuesta por jóvenes no tan conocidos aunque ya crecidos en el mundo del arte. 

Qué pensar/qué desear/qué hacer ha sido una trilogía expositiva que ha girado alrededor del contexto de la crisis del sistema económico, social y moral también. Comisariado por Rosa Martínez, crítica independiente, quien ha querido cuestionar el arte en la vida contemporánea. ¿Puede el arte contemporáneo guiarnos existencialmente y políticamente? ¿Activar emociones e intelecto que despierten la conciencia y modifiquen las acciones del mundo?

Voy a hablar de una obra en particular, porque siempre que se acude a una exposición a cada uno hay una obra en particular que le golpea como un martillo por asuntos y condiciones personales diversas.

La Pasión de Juana de Arco del artista Javier Téllez. Obra que ha querido cuestionar qué es la salud mental y qué es la locura, quién define esas categorías y cómo se establecen las instituciones que las administran.

Javier Téllez (Valencia,Venezuela, 1969) debe su influencia artística a sus padres, ambos psiquiatras, y a su abuelo, propietario de un cine. Su obra se caracteriza pues por su estética y su valor conceptual.

Foto de autora 2013

La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital, Sydney) 2004 Videoinstalación de 2 canales. 2 películas de 16 mm  transferidas a DVD / 40 min 55 s color, sonido /  97 min 2 s, color, blanco y negro, sin sonido   

Su práctica artística cuestiona el papel de la institución mental como parte de la cadena de aparatos de exclusión social que objetualizan y estigmatizan la diferencia con respecto a lo normativo. En esta obra, el artista propuso a un grupo de mujeres internadas en el hospital australiano que expusiesen su interpretación sobre la película muda que da título a la obra, realizada por el cineasta danés Carl Theodor Dreyer en 1928. Al mismo tiempo les era imposible no mezclar lo que estaban viendo con su propia experiencia personal y  su estancia en el hospital. En una sala con una doble proyección y sillas parecidas a las de las salas de espera de los hospitales se empieza a introducir uno en la historia de estas mujeres. En una de las pantallas van apareciendo las pacientes de la institución mental, que explican sus vivencias sobre el trastorno que se les ha diagnosticado. En la otra pantalla se proyecta la versión de la película de Juana de Arco, en la que los interludios originales han sido sustituidos por textos escritos por las doce mujeres. Ambas películas se proyectan de forma continua y muestran las semejanzas entre la intolerancia en la época de la Inquisición y la actual estigmatización de las personas con enfermedades mentales. El hecho de que las pacientes sean todas mujeres, además de cuestionar el control autoritario de los discursos masculinos, apunta a la construcción histórica de la definición de la locura.

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

¿Juana de Arco fue un caso de esquizofrenia sin diagnosticar? ¿Oía realmente esas voces que ella atribuía a Dios dentro de su cabeza a causa de los acontecimientos traumáticos de su niñez o era realmente una iluminada de Dios? ¿Todo lo que pasa por ser diferente al resto debe ser enviado a la hoguera o encarcelado? ¿Son estás mujeres realmente enfermas dentro del mundo actual donde vivimos? ¿Es el miedo a lo incomprendido razón para el uso del maltrato y el rechazo de la sociedad a estas personas? ¿Son voces de la nueva razón? 

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

qué PENSAR/ qué DESEAR/ qué HACER
Del 17 de mayo hasta el 8 de septiembre. de 10 a 20h fines de semana hasta 21h
Caixaforum.
Entrada 4€, clientes de la Caixa gratis.

Reportaje sobre las obras de Javier Téllez: MUY RECOMENDABLE.

http://www.rtve.es/television/20110404/javier-tellez/421942.shtml

Palabras de la comisaria sobre la exposición:

http://www.agendacentrosobrasociallacaixa.es/es/caixaforum-barcelona/exposiciones-temporales-caixaforum-barcelona/que-hacer

"Ars longa, vita brevis"

RETRATS DE LA BELLE ÉPOQUE

No se ha escatimado en gastos, eso que quede claro. Aunque se podrían haber lucido más y traer mejores obras de Toulouse y del tan proclamado Schiele. Aunque debo dar gracias por el Munch, eso siempre, los Munch siempre me parecen tan inaccesibles de ver...

Como digo, no se ha escatimado en gastos, nada más entrar te dan como obsequio una taza de café con una estampación de uno de los cuadros de la exposición. No sólo eso, esta vez se han currado la vigilancia, los seguratas hasta llevan pinganillo, no son vigilantes de Ciutart (con mis respetos). Debo decir que acudí a ver la exposición el día de la inauguración, por lo que me encontré en sala con unas 100 personas tranquilamente, a eso de las 18.30h de la tarde, no obstante, no fue tan molesto como podría haber sido, aunque nunca falta el típico imbécil del móvil, y comentarios de oída que descuadran al personal como "este tiene cara de intelectual, este tiene cara de niño...", etc.

Retrats de la Belle Époque era una expo visual, estética, juguetona, como el ocio del siglo XIX, por y para disfrutar, y si es gente con dinero en el bolsillo, mejor que mejor. Digo esto porque el tema no tiene nada de original, y así lo demuestran los escasos textos que no ocupan más de cuatro líneas y que presentan las salas. Según el folleto informativo, la muestra intenta explorar un genero pictórico que ofrece claves iconográficas y psicológicas, que permiten crear puentes entre la pintura (siempre pintura, en fin) y la historia cultural y social.

Si bien la expo designa las últimas décadas de la fin-de-siècle decimonónica y las primeras del siglo XX, un período de intenso crecimiento económico, enmarcado por la guerra francoprusiana y la I.G.M, se muestra el cambio que altera  a las convicciones estilísticas, el surgir de los aspectos más vanguardistas como columna vertebral del cambio. Además, se recae en todos esos aspectos de la vida artística del momento que fueron relevantes para dichos cambios y que quizás normalmente caen en el olvido (aunque yo personalmente no lo creo, los artistas iban de putas y las retrataban al igual que a la alta burguesía, eso no es ningún secreto). A través de tres generaciones de pintores, la exposición aborda distintos aspectos del retrato para reflejar el tránsito desde un estado de ánimo inicial, triunfal y confiado, propio de los primeros años, hasta la aguda inquietud crítica de los retratos expresionistas de los años finales, que cierran el recorrido.

La exposición está dividida en unos 9 ámbitos:

1.Autorretratos

2.Retratos de sociedad

3.Temperamento y carácter

4.Retratos de grupo

5.Ambientes y conversaciones

6.Retratos plen air

7.Toulouse-Lautrec

Es curioso que hayan dedicado toda una "sala" a este gran artista, quizás para contrarestar las "mediocres" obras que habían traído de él. Pero me encanta la ubicación que se le dio a Toulouse, se le montó una habitación de madera, a modo de saloncito de bourdel, o como si fuera el Moulin de la Galette, que se relacionaba con los dibujos a carboncillo de caballeros en dichos salones. Era una ambientación perfecta, la obra dentro de la obra.

8.El retrato como símbolo

y en esta sala nos encontramos de bruces con el impresionante Munch. Dios mio, en los cuadros de Much puedes ver el aura de las personas, el alma del sujeto rebosa en sus ojos y se extiende a través de las ondas que rodean su cuerpo.

9.La crisis

Muy bien conseguida estaba la sal de documentación, la cual recorría a través de toda una línea cronológica los hechos más importantes desde 1870 a 1914, y también se disponía de varios catálogos y de dos Mac's para consulta virtual sobre las pinturas y los artistas de la exposición.

Había también otra sala para el divertimento, un fotomatón vintage, tú elegias el fondo y el atrezzo y ya tenías toda una foto digna de aire decimonónico.

A todo esto se le debe añadir distintas video-proyecciones que ilustran imagenes de la primera Guerra Mundial, modos de vida parisinos, etc.

Munch

Pues bien, Tomàs Llorens, comisario e historiador, recoge en esta muestra un centenar de obras realizadas por una docena de artistas distintos y procedentes de museos y colecciones de Europa y EEUU. Nombres como Manet, Munch, Schiele (una pieza sólo, no os ilusioneis),Casas, Sorolla, Boldini (en quien encontramos una gran innovación), Vuillard, Zorn, Camarasa y muchos otros.

Recomendable.

"Ars longa, vita brevis"

OBJETOS DESCALIFICADOS

Ante todo perdón porque llego tarde, llego muy tarde a esta exposición que se realizó hace cosa de un año, del 12 de marzo al 22 de agosto del 2010, concretamente. Aun así, no la puedo dejar pasar por alto.

Soporte con vírgenes. Fritsch, 1987-1989

Organizada con piezas propias de la colección de arte contemporáneo de la fundación La Caixa, "Objetos descalificados" recoge una muestra de curiosos objetos cotidianos que ahora albergan un significado totalmente distinto al que podrían tener en su lugar común y rutinario.

La exposición presenta distintos campos artísticos como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación...todos ellos interrelacionándose a la vez con el espacio y entorno que habitan.

Recogiendo la influencia de artistas como Duchamp, el movimiento surrealista o el grupo Fluxus, entre muchos otros y expresándolo con la gracia de las tendencias posmodernas, los artistas indagan en el proceso de la acumulación, repetición, selección, (des)clasificación de los objetos, reflexionando así sobre el uso y el desuso, la nueva creación a partir del desuso, el enlace con la idea, y la importancia de las cosas mundanas de la sociedad de consumo o la crítica a la monotonía e impasividad del ser frente a desgracias diarias, y el problema entorno a la obra de arte única y su reproducción.

"Objetos descalificados" abarca 20 años en su interior, desde 1983 a 2002. Y los nombres de los autores de dichos objetos son sonados:

Katharina Fritsch, Christian Boltanski, Sophie Calle, Sherrie Levine, Allan McCollum, Carlos Pazos, Andreas Slominski, Ana Laura Aláez y Franz West.

Neus Miró, comisaria, acertó en traernos esta, simple en espacio pero profunda en meditación, exposición que dejó tan indiferentes a unos y marcó tanto a otros, como es mi caso, como para escribir una reseña un año después.

Si bien toda la idea podría haber empezado bebiendo de un objeto tan comercial como la Sopa Campbell de Warhol, se reafirma en los ready-made, y se expande en la ola de los '60 y los '70, estos objetos no se libran de estar impregnados de los restos emocionales de las personas que los poseyeron, vínculos que llevan a otros vínculos.

"Cuando los objetos se convierten en obras de arte pierden su función original y se abren a una nueva luz. Como en el caso de los documentos desclasificados que ven la luz por primera vez, estos objetos se insertan en nuevas narrativas, se descontextualizan y adquieren un nuevo código de lectura."
Comentan en las notas de prensa sobre la exposición en general, pero también refiriéndose en concreto al inquietante trabajo de Christian Boltanski, titulado Archivos del 1987 del diario "El Caso", 1989. Pues bien, yo no estoy de acuerdo. Esta obra de arte en concreto me tocó en cierto punto la moral afectiva. Quizás hoy en día lo estoy sacando de contexto, pero recuerdo que el año pasado, quizás estaba yo sensible aquel día vete tú a saber, el caso es que recuerdo que no me pareció bien, ya no para mí, sino incluso para las familias de los implicados, que se expusieran fotos de asesinatos, víctimas, asesinos, desaparecidos, etc, que formaron parte de un archivo confidencial que supuestamente protege los datos del individuo y más aun en este tipo de situaciones. ¿Quién ha decidido meter el dedo en una yaga tan profunda? ¿Boltanski? o ¿Mi extrema sensibilidad empática? No lo sé, igualmente aquello no me pareció bien. Puedes utilizar lo que quieras para crear arte, eso está claro, puedes alimentarte de TÚ dolor para crear arte, pero urgar en heridas de los demás para sacar una obra artística...no sé yo. Todo se puede, pero no todo se debe.
Personalmente, desconozco el proceso de esta obra, ni como se llevó a cabo, ni qué se habló, pactó o no se mencionó con los familiares o implicados directos de dichos archivos y fotografías, así que poco puedo decir, pero a nivel de mera opinión comentaré que si yo hubiera sido la madre de una de las desaparecidas o de las asesinadas no me hubiera gustado que la foto de mi hija, es más, que la foto del asesinato de mi hija, se expusiera al público de aquella manera y bajo aquel desconocimiento. Aquella habitación era como una cámara de los horrores, lo juro, mirarás donde mirarás no veías nada agradable, y si la imagen era borrosa, tu mente podía imaginar fácilmente el resto. Era como tener una gran herida abierta, como asaltar las peores pesadillas de un ser atormentado, como pisar el recuerdo de un ser querido.





Archivos de "el caso". Boltanski, 1989.

 
La obra de Boltanski pretendía jugar con los conceptos de tiempo/lugar/memoria y con la recreación de un espacio/escena. El espectador se veía envuelto por la obra. Él mismo declaró: «Mi trabajo […] es teatro sin texto, sin espectáculo.Lo que deseo es conseguir algo situado entre el teatro y la instalación». Entre las diferentes tipologías de obras que Boltanski ha creado hay, desde 1985, los denominados "Monumentos", que se definen como unas instalaciones de retratos fotográficos presentados en composiciones murales y con luces, de modo que el conjunto puede recordar los altares religiosos.
Y esta son las palabras que salvan el conjunto: altares religiosos. ¿Estaba Boltanski pretendiendo rendir homenaje a las victimas, pero también a los asesinos, al situarlos como si de cuadros de mártires se tratasen en el altar de una iglesia para honrar su alma? o por el contrario ¿Buscaba algo de fácil argumento teatral con lo que sabía que el espectador no quedaría indiferente? Quien sabe, no se dan más detalles, libre interpretación.


Hay otra obra que me impactó de cierto modo, dura también si se lee entre líneas y se piensa un poco, pero otra vez de la misma manera que con Boltanski, ¿Es la sensibilidad moral de la imaginación la que entra en juego?. La obra a la que me refiero es Juego de duelo, de Annette Messager, 1994. Una enorme red negra cubre a modo de velo una montaña de peluches de diferentes tamaños y colores. El espectador debe acercarse bastante para poder distinguir los objetos con claridad, aquí entra en juego el siniestro concepto, en este caso, de la mise-en-scène. Primero se observa un velo negro, y lo primero que viene a la mente es "muerte"; luego se distingue que es una red y que hay algo atrapado bajo ella, a medida que nos acercamos el horror se cierne ante nosotros, son ositos de peluche; y entonces la palabra que viene a la mente es "niños". Niños, red y muerte. Como la simplicidad de la unión de dos objetos puede desatar las múltiples relaciones de diversos significados. La mía fue el espectro de los niños sin infancia, véase los esclavos en talleres o los muertos de hambre. Los niños sin protección, que caen en Redes de prostitución o el mercado negro de la compra/venta. Los niños sin escapatoria, que han sufrido abusos y siguen sufriéndolos en silencio, sin salida, sin aire, atrapados. Y así una larga lista de ejemplos en los que el ser menor y desprotegido se ve atrapado en una red negra y oscura, una red asfixiante tal que mortal, que no está a la vista, una realidad presente pero de la que no somos conscientes, una realidad que se multiplica y ante la que deberíamos actuar.

Juego de duelo. Messager, 1994.

Pero no todo iba a ser horror diestro y siniestro en la exposición, también tenemos nuestras notas de color. El trabajo de Allan McCollum, 216 Sustitutos de yeso, 1987-1988, presenta una serie de surrotage paintings (surrotage podría traducirse como sustituto) que hacen referencia a la reducción de una sustancia a sus rasgos más esenciales. En su obra hay pintura, marco y lienzo, ¿Que no es lo que todos esperábamos cuando nos dicen que vamos a observar un cuadro? Bueno, eso depende del punto de vista bajo el que se analice, el autor no miente (bueno, miente él y miento yo al decir esto, porque lo que en realidad está presentando es una obra en yeso (material del que se nutren en su mayoría los souvenirs para trabajar lo mecanizado y seriado, repetido, criticando así la idea de pintura-objeto de compra, marketing de la masa) que está representando a un marco y un lienzo), está presentado una pintura, un marco y un lienzo en sí....además no hay ninguno igual al anterior. El debate aquí es la importancia que le damos al concepto y a la palabra "arte" y los diferentes significados que se pueden obtener aun así teniendo los mismos componentes.



216. McCollum, 1987-88.

 

"Ars longa, vita brevis"