El MEAM ataca de nuevo

A raíz de la lectura de este artículo, la respuesta no ha podido ser menos inmediata.

http://diarioelprisma.es/jose-manuel-infiesta-el-gran-error-del-arte-contemporaneo-es-que-ha-querido-destruir-la-tecnica-y-el-oficio/

https://museumeam.wordpress.com/2015/08/20/el-gran-error-del-arte-contemporaneo-es-que-ha-querido-destruir-la-tecnica-y-el-oficio/comment-page-1/#comment-31

Hay tanto contra lo que argumentar en este artículo que no sabría por dónde empezar. Lo haré intentando apelar contra las respuestas que da el entrevistado. Como licenciada y máster en Historia del Arte basaré mis argumentos en conocimientos y en experiencia. Intentaré no caer en el subjetivismo, que es de lo que peca en gran parte el artículo.  

Para empezar, me esperaba algo así del MEAM (¿de quién sino?), quienes desde su inauguración como institución cultural, museo, han encajonado el arte en algo que no va más allá de lo figurativo, concepto que tienen idealizado encima de un pedestal. Primer error.

Primeramente, el arte del siglo XX no ha intentado destruir nada. El día que empecemos a entender que el arte es la EVOLUCIÓN de una sola cosa (como el crecimiento de una persona y su maduración en el tiempo), y no algo divisible y encajonable en estilos, movimientos, etc, empezaremos a hilar fino. El siglo XX/XXI no ha pretendido insultar ni destruir valores tradicionales, ha intentado concebirlos desde otra perspectiva o superarlos, que no eliminarlos. Y aun así, ¿qué hay de malo en no ser figurativo? Sé que no es comparable, y que por lo que se menciona en el artículo no se es amigo de lo sacro, yo tampoco mucho, no obstante, millones de personas de este planeta creen y tienen fe actualmente en un ser no figurativo, en una energía conceptual y sensitiva, en algo inexplicable que nadie ha jamás. Y esa no figuración, esa idea abstracta, mueve el mundo en muchas ocasiones, así que, punto número uno: la figuración está sobrevalorada. ¿Tanto aterra la desmaterialización, enfrentarse a la nada, a la idea, al pensamiento?

Cuando se comenta -cito textualmente- Son artistas que valoran lo que era la pintura de verdad y dicen “chico, es que no se ha vuelto a pintar como pintaban estos maestros”. - refiriéndose a jóvenes artistas que admiran la obra de Velázquez y Rembrandt, ¿quién dice que otros artistas contemporáneos no están influenciados y que no admiran a estos grandes iconos? ¿Por qué? ¿Por qué no pintan con su técnica y material, además de la figuración? Me parece una catalogación injusta. Me atrevería a decir que hasta Banksy, por mencionar a un conocido de entre otros, en algunas de sus obras ha podido tener presente a artistas de la antigüedad.

Igualmente, chico, no se ha vuelto a pintar como pintaban los maestros porque es un paso que se intenta dar hacía otra dirección, hacía adelante. No dudo de que existan hoy pintores que puedan igualar o incluso superar a Velázquez o Rembrandt, el MEAM, podría (he dicho podría) ser un ejemplo, pero es que no se trata de eso. Se trata de que pintar, hoy en día, como Velázquez o Rembrandt, no tiene un mayor sentido más allá de una admiración estética, visual, material y técnica. Que no es poca, pero no es suficiente para el siglo XXI.

La generación de artistas jóvenes de nuestra época es brutal, sí, se dediquen a la materia del arte a la que se dediquen. Hay muchísimos artistas jóvenes callejeros, que exponen en la misma calle su obra a través de vinilos, graffitis, eh, y tengo una buena noticia, ¡son figurativos!, pero ¿supongo que si no es con óleo o acrílico no interesa no? Igualmente, que nadie se alarme, dudo que algún día se asista al final de la pintura como se teme en el artículo. Es que parece ser que si uno no se puede comparar con un Goya, no se es nadie. Comenta el artículo que el jurado de un concurso determinó que “hay unos treinta cuadros en MEAM que podrían estar expuestos en cualquier museo del mundo”. Y en la calle también hay obras que podrían estarlo, y en los talleres de algunos jóvenes artistas que no habrán tenido tanta suerte de ser fichados por una institución, etc. Esto es lo que intentaba explicar el pobre Tzara, la destrucción de esta dura regla museística, a veces absurda, de que si no se está dentro no se es nadie. ¿Son menos arte esos treinta cuadros por no estar en el Metropolitan de NY, o por estar otras obras en las calles?

¿Ningún artista actual que realice arte contemporáneo no figurativo no tiene talento entonces? Yo creo que, en parte, es con el arte actual cuando el artista más necesita tener. Necesita sobretodo tener capacidad mental, idea, concepto, discurso, porque luego vendrá el crítico y el comisario de arte y harán su trabajo, pero el único y el primero que te sabrá explicar su obra es el artista. Todo esto sería muy fácil de entender si se dieran por superados los cánones estéticos de la belleza clásica, que deberían verse más que superados en pleno siglo XXI pero aun no es así. No obstante, algunos artistas contemporáneos dan por superados estas estéticas y crean una obra a través de la mente, donde no importa tanto la forma como el contenido. No obstante, soy consciente de que también hay mucha sobrevaloración en el arte contemporáneo, claro que sí, no lo intento ocultar, pero estaría bien poder crear un término medio en la balanza de este asunto, no hay que enfrontar el arte antiguo con el arte contemporáneo, no es una lucha de titanes, es una evolución de la misma cosa.

Por otra parte, yo no sé qué problemas habrán tenido con ARCO concretamente, pero cuando yo he asistido a la feria, he visto bastante arte figurativo, y algunos eran pintura.

Cuando se remite contra Duchamp diciendo que colocar un váter en un museo no tiene ningún valor más allá de la provocación, puede que se tenga razón a medias. Se debe contemplar la burla artística, el arte puede ser satírico también, se debe contemplar la crítica social. Duchamp ha superado la estética, la técnica y la materia, quiere ir más allá. Quiere jugar con la sociología del arte. El arte no es sólo un pincel, una tela con bastidor y un montón de pintura compuesta de manera perfecta que forma bellas figuras. El arte tiene un contexto social, histórico, conceptual, crítico, etc, muy potente, que se debe siempre tener en cuenta. Es indesvinculable. La fuente es única en el sentido de que no hay otra con la firma de Duchamp, toda obra es única.

El dinero va a parte. ¿Quién pone los precios del arte? Y digo yo, ¿no cuesta 90.000 € y más una obra de Goya, por ejemplo? ¿Es realmente el arte contemporáneo el que alimenta esta burbuja económica? ¿Por qué es tan radicalmente diferente un Picasso de un Duchamp? ¿Cómo son técnicas diferente merece que una tiene valor estético y trabajo y la otra no? ¿Se sabe cuánta ideología hay detrás de una obra contemporánea, cuánto concepto, o sólo nos fijamos en el exterior? Quizás ahora muchos os preguntaréis ¿Qué pasa con Damien Hirst y sus escandalosos precios en el mercado? Lo sé, Hirst ha sido un ejemplo casi sin precedentes, es como la excepción que rompe la regla. Hirst ha realizado subastas monográficas en Sotheby's y lo ha vendido todo en una sola noche. Es conocido por obras como The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (el tiburón de los 12 millones de dólares) o For Love of God (la calavera recubierta de brillantes) vendida por 74 millones de dólares. Lo que no se sabe muchas veces es que parte de estas obras fueron compradas por el mismo galerista, marchante y agente de Damien Hirst, creando así una falsa especulación que lo único que le conllevó fue un stock de piezas de Hirst en el almacén del White Cube de Londres. Personalmente, Hirst me gusta, sus precios son desorbitados, pero tampoco tiene la culpa de que haya personas que estén dispuestas a pagarlos, precisamente su obra, en parte, tiene este aspecto de crítica social a este tipo de personas que están pagando estos precios. Dejando la moral y la ética a parte, si compras una obra de Hirst es porque puedes permitírtelo -el mismo Hirst ya se denominó siempre a él mismo como businessman y no artista-

Lo de Pollock debo reconocer que me ha tocado la fibra sensible. ¿Por qué se cree que un cuadro de Pollock cuesta lo que cuesta? ¿Le ofende el precio y lo compara con el bajo precio de una obra del MEAM? Que se le suba el precio a los cuadros el MEAM entonces, que se les ponga el valor que se le considere, pueden hacerlo si quieren, en vez de quejarse. Un cuadro de Pollock vale hoy lo que vale primero por su valor histórico, es decir, es una pieza irreproducible en el tiempo, puesto que el autor está fallecido y porque se realizó en una época con un cierto movimiento social que también hoy es irreproducible, el pasado es pasado. Un Pollock tiene un valor artístico brutal, Pollock llevó a la máxima expresión el dripping, y formó parte del llamado action painting, que no se sepa apreciar por según qué personas, es otro tema, como todo. Cito textualmente -Un cuadro de Jackson Pollock si en vez de hacerlo él lo hiciese Jacobo Alcalde valdría 3000 euros, y el cuadro sería el mismo. Un cuadro de Jacobo Alcalde vale 5000 euros y para mí es extraordinariamente mejor que cualquiera de Pollock. Aún así, yo no soy quien para decir si lo de Pollock es arte o no es arte, pero lo que sí que puedo decir es que no vale lo que cuesta - ¿Realmente se cree esta dura afirmación? El cuadro no sería el mismo por un millón de razones. Primera por que el autor es distinto, el contexto social e histórico también, e incluso dudo que le saliera de la misma manera. Seguramente se debe pensar que “hacer un Pollock” es ponerse como un loco a sacudir un pincel delante de una tela y a pasear por con un cubo agujereado por encima dejando caer gotitas de pintura. Bien, volvemos a lo mismo de siempre, en cuanto a técnica y material un Pollock es reproducible hoy en día, pero ni de lejos tendrá el mismo valor, en cuanto a autoría y sociología es imposible. Además, Pollock tiene obra figurativa antes de que llegara a convertirse en un gran icono, por si a alguien le interesa. Y por eso, se paga lo que se paga, y por poder también, no por materiales o estética. Ampliemos la mente, extendamos el arte un poco más allá de los colores y las formas.

Intentemos no meter a todo el público dentro de un mismo saco con afirmaciones como, cito textualmente- al gran público le sigue gustando más un Despiau, un Bourdelle o un Rodin que no un Henry Moore. ¿Cómo se sabe esto? ¿Se han hecho estudios de gustos predeterminados al público o algo? ¿Dónde están las fuentes que apoyan estas afirmaciones? No caigamos en subjetivismos, por favor, desde la posición que se ocupa en una institución cultural, al menos, debería tenerse una mentalidad neutral y crítica, no prejuiciosa.

No soy fan de MACBA por motivos personales, pero que no contenga ninguna obra en el hall es falso, y que sólo se dedique a la experimentación también. En el hall, actualmente, está expuesta una obra de Lawrence Weiner, (Some objects of desire, 2004), y normalmente suelen mostrar alguna relacionada con la exposición en curso que realicen. ¿Qué se entiende por experimentación en el artículo? ¿Cómo se considerarían obras como happenings, performances, etc? ¿Arte efímero o pantomima? La experimentación, como la que se hacía en la escuela Bauhaus o en la Black Mountain College de Chicago abrió el mundo del arte a un espectáculo creador maravilloso y muy inspirador, no creo para nada que deba desvalorarse.

¿Así que la fundación Tàpies no la visita nadie no? Me gustaría saber cuánta gente hay en el MEAM un día normal a las doce del mediodía. Repito, ante estas afirmaciones, estudios de público por favor, puede que nos sorprendamos. Y si el día que hay una ceremonia o un acto de la Generalitat detrás hay un Miró o un Tàpies es por lo mismo, no se trata de lo estética o figurativa que sea la obra, sino del valor simbólico-histórico que representan estos autores, en concreto, para Catalunya. El arte se puede usar también como valor representativo de cualquier cuestión, si es que el arte tiene miles de valores, aunque se los quiera acotar. Por eso está un Tàpies detrás de estos actos y no un cuadro del MEAM, por valor representativo, quizás se deba dejar pasar un tiempo para que pueda haber uno del MEAM en este tipo de actos, la historia avanza lentamente.

Si hablamos de hiperrealismo, o de arte figurativo, cito textualmente- si el cuadro pintado es igual que la foto, ¿para qué quieres el cuadro?, estos artistas buscan superar la fotografía, no imitarla. Se busca que el resultado sea menos frío que una foto, que sea más expresivo, más brillante…- Menos frío, más brillante, expresión, saturación, color…ahora parece que estemos hablando de las herramientas de Photoshop para definir el arte que defiende el artículo. Supongo que estas opiniones también dependen mucho de cómo el sujeto utilice el arte en sí, es decir, si sólo buscamos belleza visual y contemplativa o si lo que nos gusta de la obra es la idea que hay detrás de ella, el discurso, la historia que nos hace pensar. A mí, el arte me produce un placer visual enorme pero es más el placer intelectual que puedo obtener a través de él lo que realmente me satisface. Es como el aspecto físico de una persona y su interior, su pensamiento.

Prosigo citando textualmente- A mí el tema sacro, el tema religioso, simplemente no me interesa, lo considero superado. Otro te podrá decir lo contrario, pero yo creo que el mundo moderno ha superado el concepto religioso.- Vaya, vaya con el mundo moderno, ¿hemos sido capaces de superar el mundo sacro pero el figurativo no? Yo no afirmaría por otra parte que el mundo sacro esté superado, y por supuesto el figurativo tampoco. Por desgracia en ambos casos.

Yo no estoy específicamente en contra del arte que se expone en MEAM, sino de esta filosofía que defienden de manera, ellos también, dictatorial.

Pagaría por tomar un café con el entrevistado: Jose Manuel Infiesta, director del MEAM, si me lee considere esto una verdadera ( y arriesgada por mi parte) invitación.

A la memoria de Tristan Tzara y Jackson Pollock, entre otros.

"Ars longa, vita brevis"

ANTE EL HORIZONTE

Ante todo "Ante el horizonte" es una exposición sobre el anacronismo. No es que el hecho del horizonte tenga una relevancia máxima e insustituible, podría haber tratado la representación de tomates a lo largo de la historia del arte y hubiera habido el mismo anacronismo, si el anacronismo es el punctum de todo. 

La exposición es una reunión de horizontes pintados y fotografiados, esculpidos e instalados, dónde el título remite al libro "Ante el tiempo" de Huberman sobre el anacronismo en la H.A. Todo adornado con frases de grandes como Walter Benjamin, Carl Einstein y Aby Warburg en lo alto de las paredes, que si uno no se fija bien, pueden pasar desapercibidas perfectamente. No obstante, el tríptico reza que la exposición gira entorno a la representación del horizonte como tema recurrente y gran desafío pictórico, y se estructura mediante una secuencia de conversaciones y diálogos anacrónicos que tratan diversos aspectos del horizonte representado.

El punto de partida es una sala introductoria dedicada a Joan Miró, allí se encuentran 3 piezas de las más importantes de la exposición, es decir, un fantástico paisaje realista de Modest Urgell, una representación de la visión de éste por el propio Miró y un horizonte dorado que se remonta y se duplica del artista Perejaume.

Posteriormente se pasa por salas donde se introducen obras francesas, japonesas, y por último americanas. Destacan obras como los neones minimalistas y puros de Dan Flavin, las fotografías del paisaje americano de Ansel Adams.

La cereza del pastel es sin duda un increíble Magritte que muestra el mejor de los horizontes posibles, el onírico, el platónico, el ideal de los sueños donde todo es posible y toda meta es alcanzable. ¿De qué material están hechos los sueños? ¿Qué es  un horizonte sino un final a culminar, una cumbre que escalar, un objetivo que alcanzar? El horizonte es la bastedad sublime de las posibilidades del ser humano. En el fondo no es una contemplación estática. No hay paz hasta no conseguir contemplarlo de manera serena.

N.A: agradecer al personal de la Fundación Miró, a personal de sala y taquilla (trabajadores fantásticos de Ciut'art, muchos compañeros de carrera) y a jefe de grupo de personal David Baezas, el estupendo trato y ventajas que siempre me dan debido a su profesionalidad. 

Fundación Miró.

Comisariada por Martina Millà, patrocinada por F.BBVVA.

Del 24 de octubre al 16 de febrero de 2o14

"Ars longa, vita brevis"

EXPLOSIÓN! El legado de Jackson Pollock

Hacía tiempo desde que acabé el máster que no iba a una exposición y debo decir que ésta la esperaba con ganas. Finalmente ha resultado tener un cierto gusto amargo, aun así, nada es en vano, he sabido quién fue Ana MENDIETA. 

La exposición Explosió! El llegat de Jackson Pollock se celebra en la Fundación Miró desde el 24 de octubre hasta el 24 de febrero de 2013. Yo fui un sábado por la tarde y había cola, algo normal para el nombre del cartel y para el día. Debo decir que iba mal informada, yo pensaba que la exposición era una monográfica sobre Pollock y cual fue mi sorpresa al llegar y ver que sólo habían tres Pollocks o cuatro y el resto era su ..."legado", aun así, repito, que no importa. La siguiente sorpresa me la llevo a la hora de pagar, yo ya sabía que la fundación Miró como ente privado no iba a ser gratuita como el CaixaForum por ejemplo, pero costaba 5 euros (reducida) sin descuento para los del gremio (Historiadores del Arte). Mi sorpresa ha venido cuando resulta que el taquillero era un amigo de mi adolescencia...

-¿Qué haces tú aquí? ¿No estudiabas matemáticas?

- Hace 5 años que trabajo para Ciut'art (pobrecillo mio) dirigiendo el grupo de personal en sala y taquilla.

Pasa gratis mujer, dí que vienes de mi parte.

Genial. Entro en el espacio dedicado a exposiciones temporales de la fund. Miró (que por cierto, ¿¿cuándo piensan agrandarlo?? siempre se me hacen super cortas las expos allí, podrían tener otra planta o un par de salas más, no será por falta de dinero o espacio) cojo un tríptico (siempre útiles) y veo los 4 Pollocks colgados...Pollocks...pero no emocionan como los de la Tate. Tampoco había un público excesivo o al menos era silencioso y respetuoso con la exposición. Empiezo mi recorrido para ver el supuesto legado de Pollock ya que ya conocía la historia y obra de éste. Me encuentro con Nauman haciendo de las suyas (no suelo aguantar sus vídeos, prefiero sus neones) Klein pintando con llamaradas de fuego, una artista pintando el suelo con su melena empapada en pintura, otras obras que no me provocan nada en especial, y de repente allí está ella....con un acto tan simple, tan puro y al mismo tiempo tan expresivo...un sólo vídeo de pequeñas dimensiones que mostraba la misma escena una y otra vez. Una mujer de espaldas pegada a la pared, los brazos en alto en forma de cruz también pegados a la pared, unos instantes de expectación, una intriga y de repente...sangre...¿hay algo más puro que la sangre? Ana Mendieta baja sus brazos al mismo tiempo que su cuerpo dejando un rastro de sangre en la pared, después lentamente se gira, dirige una fugaz mirada a cámara de "me da igual, es tan simple como eso" y sale de escena. Vi la escena como unas 5 veces, no podía apartar la mirada de la inquietante imagen, de lo que podía percibirse en su efímera mirada. 

                                                   Ana Mendieta. Blood sign, 1974.

Ana Mendieta ( Havana, 18 nov 1948- NY, 8 sep 1985) cubana de nacimiento fue deportada a EEUU en lo que se llamó la operación "Peter Pan" cuando en 1961 estalló la revolución. Allí acabó en un orfanato de Iowa y anduvo de hogar a hogar. En el 77 se graduó en Arte Visual y Multimedia en la universidad del mismo estado. El punto de partida de su arte girará entorno al exilio, la naturaleza, el papel de la mujer, la búsqueda de las raíces y de los orígenes en esa sed de ser. Las técnicas empleadas y las corrientes estilísticas en las que se moverá son el body art, land art, fluxus, videoarte, performance...

Mi arte se basa en la creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas [...]. Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo. No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen (Mendieta).

Una de sus obras más famosas fue su serie Siluetas (1973-1980) realizada básicamente en México. Esta serie refleja siluetas humanas (sobretodo femeninas) realizadas en la naturaleza con elementos naturales como tierra, césped, sangre, barro...con el propósito de reflejar el paso del hombre por los distintos lugares y la aura efímera del ser en su paso por la tierra, sin olvidar el vínculo que une al hombre con la naturaleza llegando a ser los dos uno sólo tras la muerte. Otra serie destacada fue Esculturas Rupestres.

¿Qué era el arte de Ana Mendieta pues? ¿Resultado de un exilio? ¿Arte feminista de la década de los 70? ¿Arte étnico-religioso performático? ¿Land art provocativo? Como se arranca una flor del suelo llevándose sus raíces, esta mujer de personalidad luchadora se resistió a aculturarse en los EEUU. Mendieta representa una manera constructiva de encarar el desarraigo y la ausencia de un lugar, de una vida, de una cultura...No sólo fue artista con una identidad fronteriza, fue mujer y tanto con su cuerpo, como con su silueta representó un deseo de comunicación con el universo, una necesidad de entrar de nuevo a formar parte de la tierra, el lugar donde regresamos al morir. La vitalidad de Mendieta y su deseo de comunicarse son dos de las caraceristicas de esta autora. El conjunto de la obra es un grito corporal, emitido desde cada punto posible y vivido con plena intensidad.

Mendieta muere en 1985 en NY tras ser arrojada al vacío desde la ventana de un piso 34 por su marido (Carl Andre) en una acalorada discusión.

Anzaldúa. Borderlands/La Frontera: The New Mestiza. San Francisco: Aunt Lute Books, 1999.

Cabanas, KM. “Ana Mendieta - "Pain of Cuba, body I am"”, Woman’s Art Journal, V20 no1 (SPR-SUM, 1999):12-17.

Clearwater, Bonnie, ed. Ana Mendieta. A Book of Works. Miami Beach: Grassfield Press, 1993.

Duncan, Michael. “Tracing Mendieta”, Art in America, v. 87 no4 (Apr. 1999): 110-13.

Horsfield, Kate, Nereyda García-Ferraz y Branda Miller. Ana Mendieta. Fuego de tierra. 1987 (Videotape).

Jacob, Mary Jane. “Ashé in the art of Ana Mendieta” (189-200) en Lindsay, Arturo. Santería Aesthetics in Contemporary Latin American Art. Washington & London: Smithsonian Institution Press, 1996.

Katz, Robert. Naked by the Window. The Fatal Marriage of Carl Andre and Ana Mendieta. New York: The Atlantic Monthly Press, 1993.

Knafo, D. “In her own image: Self-representation in the art of Frida Kahlo and Ana Mendieta”, Art Criticism, 1996, V11(N2):1-19.

Kuspit, Donald. “Ana Mendieta, cuerpo autónomo” (35-82) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Mendieta, Ana “Escritos personales” (167-222) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Mendieta, Raquelín. “Memorias de la infancia: religión, política, arte” (223-228) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Metewether, Charles. “De la inscripción a la disolución: un ensayo sobre el consumo en la obra de Ana Mendieta” (83-134) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Patrick, Vincent. “A Death in the Art World. Naked by the Window”, New York Times Book Review domingo, 10 Jun 1990: 24.

Perreault, John y Petra Barreras del Río. Ana Mendieta: A Retrospective. New York: The New Museum of Contemporary Art, 1987.

Polanco B, H.: "Fray Ramon Pane: "Relación acerca de las antiguedades de los indios". Biblioteca de Clásicos Dominicanos, Vol. II, 1994.

Rogoff, Irit. “Love in the second degree”, Make, the Magazine of Women's Art, no74 (Feb./Mar. 1997): 3-4.

Sabbatino, Mary. “Ana Mendieta: la identidad y la serie Siluetas” (135-166) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.

Spero, Nancy. “Tracing Ana Mendieta”, Artforum International, v. 30 (Apr. 1992): 75-7

Tully, Judd. “Carl & Ana: ten years + one after”, New Art Examiner, v. 26 no8 (May 1999): 70.

Tully, Judd. “In Homage to Ana Mendieta”, New Art Examiner, v. 13 (May 1986): 59-60.

Wilson, Judith. “Ana Mendieta Plants Her Garden”. Village Voice, 13-19 Agosto 1980; 71.

Wooster, Ann-Sargent. “Ana Mendieta: Themes of Death and Resurrection”, High Performance, v. 11 (Spring/Summer '88): 80-3.

http://www.ucm.es/info/especulo/numero33/laberint.html

"Ars longa, vita brevis"

YOU ARE NOT ALONE. Fundación Miró

“Cuando compartes, no estás solo.”

Han Nefkens. Fundación ArtAids.

Cartel de la exposición

Verde, lila y azul, son los colores que presenta el cartel de la exposición You are not alone que desde el día 1 de julio se exhibe en la Fundación Miró de Barcelona. Dichos colores son fríos, hielan la sangre, igual que el tema que se va a tratar.

El sida lleva diagnosticado en nuestra sociedad más de treinta años, y aún hoy siguen existiendo problemas de marginación social y rechazo hacia las personas que presentan el VIH. Antes de que el sida impactara con fuerza en la década de los ochenta en nuestra cómoda y desarrollada vida “capitalista”, no era más que una enfermedad tercermundista de la cual se sabía muy poco, era simplemente algo que ocurría allá fuera, nada por lo que preocuparse, algo fuera de las puertas del Paraíso. Pero nos equivocábamos, y aun hoy seguimos equivocándonos. El porcentaje de la población actual diagnosticada es más elevado de lo que pensamos, y hoy en día poseemos una información y unos medios de los que carecíamos cuando se detectaron los primeros casos, pero aun así seguimos exponiéndonos y erróneamente pensamos: no, eso no me pasará a mí. Sin embargo, el VIH es algo que nos toca a todos de cerca de una forma u otra.

Este es el motivo del discurso de apoyo que expone y dirige esta muestra artística hacia las personas afectadas de algún modo por sida, y que intenta, sobre todo, hacer entrar en un recorrido de reflexión, al público, al ciudadano de a pie en general, sobre la discriminación y el estigma que, consciente o inconscientemente, aplicamos sobre las personas enfermas de sida.

Aun hoy, en lo que denominamos “primer mundo”, existen personas afectadas que no pueden llevar una vida normal, y que hechos como adquirir un trabajo, por ejemplo, les es denegado debido a su causa, por el mero hecho de que, si bien es cierto que se ha avanzado en el desarrollo de la investigación para el aumento de esperanza de vida, y se han dado progresos científicos que hacen más fácil la cotidianeidad en sociedad, no ha habido un avance en la sociedad en sí, que es en muchos casos, quien aleja al enfermo .

No existe, en muchos casos, la aceptación del hecho, por eso el mensaje hacía estas personas está claro: no estáis solos. Pero la problemática no son ellos, obviamente, sino la concentración de mentes cerradas anegadas de miedo y desconocimiento que rigen gran parte del mundo.

En una entrevista de trabajo es común que puedan preguntarnos una serie de inoportunidades como si estaríamos dispuestos a trabajar con una persona infectada por VIH. ¿A qué se están refiriendo? ¿Qué no ven que convivimos con gente con sida todos los días? Las personas afectadas son uno más de la cadena del día a día, y deben incluirse en esa rutina de la que todos participamos. Una persona con sida es aquella a la que te cruzas en un paso de cebra, la que está contigo en la cola del pan, la que se sienta a tu lado en el metro… ¿Y a caso vivimos impregnados de rechazo esas situaciones? No, pero seguramente se deba al desconocimiento de la causa. Lo que se intenta conseguir en esta exposición es precisamente una asimilación de dicha causa, una aceptación y comprensión del hecho.

Si recorremos el gran espacio expositivo nos encontraremos con quince salas blancas que comunican entre ellas y muestran las obras siguiendo un sólido discurso que une un conjunto de ideas bien establecido: la lucha contra la discriminación es necesaria.

La primera sala expone la obra (para servidora una de las más impactantes de toda la exposición) de Danh Vo, IV julio, MDCCLXXVI (2011), el artista toma como punto de partida dos imágenes de la Estatua de la Libertad realizadas por dos artistas americano que murieron de sida, Paul Thek (1933-1988) y Martin Wong (1946-1999), y a partir del detalle de las llamas del fuego de la antorcha que porta la estatua, construye una reinterpretación del símbolo, así como ha habido una sobreexposición de la imagen negativa del sida. Sobre una confortable lona de plástico se encuentra una multitud de llamas, mientras que alejada de ellas, sobre una base de cartón vulgar, se encuentra una llama solitaria. Debería haber lugar en esa confortable lona para una llama más, ¿verdad?

La segunda sala recoge el irónico e irreverente trabajo de esta pareja artística, Elmgreen & Dragset, dos piezas, New blood (2011) y AIDS is a good business for some (2011), que presentan, por un lado, una versión del Fauno de Barberini, con una clara alusión homoerótica, recibiendo una transfusión de sangre, mezclando la tradición clásica reconocida por todos con el arte más contemporáneo; y una especie de crítico-panel lumínico publicitario, que recuerda a las obras texto-performáticas de la artista Jenny Holzer, donde se van mostrando mensajes que aluden al negocio que supone la pandemia, y la vertiente lucrativa de las crisis sanitarias.

Bella es también la obra de Otto Berchem, Deadheading (2005), quien con una visión poética crea su instalación que se enmarca dentro de la tradición artística del memento mori (a todos nos llega la hora). Un simple jarrón lleno de flores marchitas, enfermas, de las que ya sólo quedan los tallos, se eleva en un blanco pedestal, en el suelo, tomando contacto directo con el entorno expositivo, se encuentra una montaña de pétalos caducos que recuerdan a los caídos, los que estuvieron en la flor de la vida, pero ya no están.

Si bien el lazo rojo, símbolo internacional del sida, se encuentra rodeándonos en nuestro día a día, pero queda invisible a nuestros ojos a causa de la elusión que hace nuestra mente. Así nos lo muestra el artista David Goldblatt en una serie de fotografías tomadas entre 1999 y 2007 en paisajes sudafricanos. Todas las imágenes tienen en común la presencia de dicho lazo, sin embargo Goldblatt alude a la pérdida de efectividad de este símbolo y a la falta de implicación del gobierno para detener los efectos devastadores de la enfermedad.

La vídeo-proyección también está presente en esta exposición con trabajos como el de Deimantas Narkevicius, Restricted Sensation (2011), que toma como partida la primera manifestación celebrada en Lituania a favor de la homosexualidad. El artista hace referencia a la homofobia que caracterizó el sistema soviético, y que aun hoy en día, sigue teniendo muchos adeptos en algunas regiones. El mediometraje muestra la historia de un chico homosexual acusado del asesinato de una joven, donde en el interrogatorio se ve sometido a varios comentarios discriminatorios. ¿Quién podría hacer esto sino una persona que fuera diferente? – le preguntan.

Incluso polvo y ladrillos se exhiben en esta muestra, Tkaf (sortilegio, 2011), por parte de la artista marroquí Latifa Echakhch, quien con esta instalación, en la que la pulcra pared blanca queda impregnada de manos manchadas en polvo rojizo, pretende recordar el escándalo que se dio en Francia tras las transfusiones de sangre seropositiva, que se produjo en los ochenta, donde hubieron más de dos mil implicados.

Y como en el caso de la obra de Elmgreen & Dragset, se vuelve a recurrir a la publicidad y el diseño gráfico, esta vez de la mano del artista Matthew Darbyshire, con Resorce room (2011), quien llama a la reflexión tras la proyecciones de varios testimonios de personas portadoras de VIH que pueden ayudar al espectador al intercambio de anécdotas, conocimientos y experiencias que sirvan para combatir el posible miedo o el desconocimiento sobre la enfermedad, y carteles publicitarios (de papel higiénico, incluso ya sale el perrito de Scottex), que recuerdan al trabajo AIDS Timeline (1989/1991) de los activistas Group Material, y que actúan como campañas de concienciación sobre la causa.

Un acceso para todos debe ser posible; como bien muestran los offsets, Acces for all (2004) de artistas como Leandro Erlich o Shirin Neshat, que presenta la exposición y que se exhibieron en la Bienal Internacional sobre el Sida.

Otros de los artistas que participan en la exposición son Christodoulos Panayiotou, Lorena Zilleruelo, Shirani Shahbazi, Juul Hondius, Araya Rasdjarmrearnsook, Sutee Kunavichayanont, Lucy y Jorge Orta, y los españoles Pepe Espaliú (1955-1993) y Antoni Miralda.

Artistas que trataron el mismo tema con anterioridad, aunque de manera muy distinta, bajo el punto de vista de lo abyecto como ventana al mundo de lo que quería obviar la sociedad norteamericana en la década de los primeros brotes de infectados, fueron Cindy Sherman y Robert Gober.

Así pues, la sensación que obtenemos (o al menos que yo obtuve) al finalizar la exposición es la de librarse de falsos prejuicios, cuestionar el establishment, el posicionamiento de la sociedad y de la fuerte acción social que es necesaria y se debe emprender ante causas como estas.

Por una vez, cabe destacar, que aunque había un público de una treintena de personas en la exposición, el ambiente fue correcto y adecuado para el disfrute de ésta; hecho que no suele suceder con frecuencia debido a ruidos externos que se dan a causa de la mala logística en la distribución del espacio, padres que intentan sin éxito que niños pequeños permanezcan en silencio, o vigilantes de sala que se aburren de estar contemplando lo mismo todo el día y se dedican a charlar con otros de sus compañeros.

Existen un par de actividades relacionadas con la exposición. El sábado 10 de septiembre se proyectará una serie de videos de artistas relacionados con la temática, y el jueves 15 del mismo mes, a las 19.30h, se abrirá un debate en torno a la problemática social del sida a cargo del director de la Fundación Artaids, Han Nefkens, y del Doctor Bonaventura Clotet, fundador y presidente de la Fundació Lluita contra la sida.

La muestra seguirá su curso itinerante hasta Vigo, donde en el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO) se exhibirá del 21 de octubre de 2011 hasta febrero del 2012.

YOU ARE NOT ALONE. Comisariado: Hilde Teerlinck e Irene Aristizábal. Obras de varios artistas. Fundació Joan-Miró (www.fundaciomiro-bcn.org) con la colaboración de Fundación ArtAids.

Del 1 de julio al 18 de septiembre de 2011. FINALIZADA.

"Ars longa, vita brevis"