No es descriptible con palabras la sensación que se experimenta cuando alguien se detiene frente a una obra y emplea unos minutos de su valioso tiempo de vida en observar algo que tú has creado.
En Barcelona, mi ciudad natal, sólo he expuesto un par de veces obra mía, cosa normal, soy una creadora (por desgracia) de humo ilusionista más que de obra materialista. No obstante, ese par de veces, fueron exposiciones colectivas con otros artistas y estudiantes de BBAA dónde valoré agradecidamente la oportunidad que se me brindó.
Exponer en Alemania me ha resultado otro escalón en ascenso en la escalera del reconocimiento personal. Esta vez, también ha sido una exposición colectiva internacional, con artistas de todos los niveles y capacidades. Siempre me siento pequeña e intrusa en este tipo de actos. Nunca me acabo de creer mi propio momento. Sea un golpe de suerte o un oportunismo situacional, me alegra mucho haber podido cumplir esta meta de exponer en el extranjero. Lo expuesto, además, era algo que hacía mucho tiempo que deseaba enseñar al mundo.
Monu.mo.mente es una exposición que trata sobre los momentos y los monumentos, o los momentos monumentales, como se quiera entender. El proyecto demandaba una fotografía de un momento personal en una situación monumental. Algo con una gota de Sindrome de Stendhal que fuera capaz de llegarte a la patata.
Una experiencia vital frente a monumentalidad de la vida misma.
Era la ocasión perfecta para mostrar al mundo lo que significó para mi pisar el techo del mundo, hace ya más de un lustro. El Tíbet.
Esta exposición de carácter itinerante (posteriormente viajará a Madrid, Montreal y Chicago) engloba
numerosas piezas de museos de toda Europa que han permitido formar una
colección de la Antigüedad Grecolatina bastante completa. El mediterráneo fue
una vía fluyente continuamente de creencias, ideas, conocimientos, mercancías,
formas culturales, etc entre lugares tan importantes como Egipto, Grecia e Italia.
Personalmente siempre
he considerado que Grecia era la cuna de la mayor parte de la cultura europea,
por eso me da tanta pena ver el estado de Grecia actual con los grandes valores
y pensamientos que tuvieron sus ancestros. Me imagino a Platón levantando
cabeza ante los nuevos griegos y lanzando ejemplares de la República en las
guerrillas callejeras.
El mar Mediterráneo, que da nombre a la exposición, es el origen del pensamiento occidental, las culturas surgidas entorno a estas aguas, como la Griega y la Romana son parte esencial de lo que hoy entendemos como Europa. En el siglo VI a.C,
cuando el período de la Grecia clásica empezaba a aflorar, hubo un cambio en
sus mentes respecto a la concepción de ver el mundo terrenal y el destino de
los hombres, y el Olimpo de los dioses. Las ciudades griegas incorporaron el
espacio público, que ya no pertenecía a los dioses sino a la comunidad, como el
ágora, un lugar de intercambio de ideas y bienes, y valores como la paz, la
abundancia, la prosperidad y la justicia se extienden. La exposición muestra
esta argumentación con una selección de 165 obras griegas y romanas: estatuas,
relieves, frescos, cerámica, mosaicos, joyas, etc que intentan aproximar a los
hombres de la actualidad a la historia y la religión del mundo grecolatino a
través de personajes mitológicos tan conocidos como Hércules, Europa, Eros, Jasón,
Medea, Ulises, Odiseo, Prometeo y demás. La idea de remarcar la importancia de
la filosofía como hilo conductor de la vida de un hombre queda clara y concisa,
como si ésta fuera el pilar del alma.
“
El tiempo de la vida humana, un punto; su sustancia, fluyente; su sensación,
turbia; la composición del conjunto del cuerpo, fácilmente corruptible; su
alma, una peonza; su fortuna, algo difícil de conjeturar; su forma,
indescifrable. En pocas palabras, todo lo que pertenece al cuerpo, un río,
sueño y vapor; lo que es propio del alma, la vida, guerra y estancia en tierra
extraña; la fama póstuma, el olvido. ¿Qué puede darnos entonces compañía? Única
y exclusivamente la filosofía. Ésta consiste en preservar el guía interior,
exento de ultrajes y de daño, dueño de placeres y penas, sin hacer nada al
azar, sin valerse de la mentira y la hipocresía, aceptando lo que acontece,
argumentando a la mente con pensamiento favorable, en la convicción de que ésta
no es otra cosa que disolución de los elementos de los que está compuesto cada
ser vivo.”
Marco Aurelio, Meditaciones II, 17.
Ante nuestros ojos
aparece una nueva visión alejada de las batallas y el heroísmo de estos pueblos
que nos muestran las películas de Hollywood (salvaguardando Ágora), y por una
vez nos centramos ante el mito, la filosofía, la doctrina, la política, de los
encuentros con los nuevos dioses como Mitra, Jesús…todo se contempla desde una
complejidad que les convierte de nuevo en un referente próximo, reflejo de
anhelos y contradicciones del hombre de hoy. Recomendable.
Comentando los aspectos
técnicos de la exposición hay que mencionar la mala decisión del equipo de
diseño de colocar una puerta corrediza mecánica que hacía un ruido horrible
cada vez que alguien accedía a la sala, y de organizar un recorrido expositivo
a veces ciertamente confuso. Positivamente hay que destacar la calidad de
las obras –auténticos frescos de Pompeya del 25-45 d.C aunque sin ningún tipo
de control climático o protección frente a los visitantes- y la sala de lectura
auditiva donde se podían escuchar fragmentos destacados de las obras más
conocidas de la literatura y el pensamiento griego. Algunas de las obras, la
cerámica principalmente, estaba situada dentro de vitrinas, y el alumbrado consistía en un sistema de raíles con focos dirigidos,
dependiendo de la obra con una intensidad de luxes que variaría entre los 50 y
los 150, aproximadamente. Gran afluencia de público, por desgracia destaca algún que otro personaje maleducado que responde sin ninguna vergüenza
a las llamadas telefónicas en mitad de la sala o hace un tour como “guía” comentando las obras a sus amigos durante todo el
recorrido y en voz alta. Hay que comentar el maravilloso despliegue de
obras literarias griegas y romanas que ha hecho la librería LAIE del Caixaforum
a favor de la exposición, contando también con el magnífico catálogo de ésta. Muy tentador llevárselo todo a casa.
Más me pesa concluir
con esta afirmación pero que a mi ver es cierta. El filósofo y poeta Friedrich
Schlegel decía, en pleno Romanticismo alemán, que los griegos sentían
naturalmente y que ellos –refiriéndose a los hombres de su época- sentían lo
natural, sintiendo esa pena romántica al ver que su pueblo se alejaba del ideal griego. Respira tranquilo Schlegel, en España no hemos
sido griegos nunca, nos ha faltado el espíritu y sobretodo el carácter. Nuestra cultura o
nuestras formas no se vieron irradiadas del esplendor griego, jamás fuimos su
sombra pues jamás andamos tras su estela. No hay ya en nuestro mundo global una
noción ética con respecto a la comunidad (la polis), un respeto hacía la misma, pues si lo hubiera respetaríamos el espacio común, no contestaríamos a una llamada telefónica y daríamos voces frente a la contemplación de un pasado que se nos escapa, frente a una esencia que jamás fue nuestra.
“España no es Europa, no lo ha sido nunca –como tampoco lo han sido Turquía y Rusia. Europa es una complicada mezcla de las sucesivas aportaciones de Grecia, Roma, el cristianismo, el Renacimiento, la Reforma y la Revolución Francesa. Y España, de Grecia, tiene muy poco: un leve reflejo en el litoral levantino. De Roma, los rastros de una organización administrativa y jurídica, con cierta tradición arquitectónica. Del cristianismo, sólo su parte negra, sangrienta y combativa, la que hizo decir a Chateaubriand que los españoles son “des arabes chrétiens”. Del Renacimiento, fórmulas literarias y decorativas: palacios desvencijados, fachadas risueñas, plazas monumentales en tierras pobres, el endecasílabo –que trajo Boscán y pulió Garcilaso-, el neoplatonismo injertado por Fray Luis de León, etc.: un barniz nada esencial. De la Reforma, casi ni rastro. De la revolución del 89, otro barniz intelectual y político, más fino y frágil que un polvillo. Y, en cambio, lleva en la sangre una mezcla de savia mora, judía y visigoda que hace inviable cualquier corriente de europeismo.”
“Meditaciones en el desierto” (1946-1953) de Gaziel
Acudí a esta exposición con grandes expectativas porque pensé que era la unión de dos grandes guardianes de arte contemporáneo, pensaba que iba a ver nuevos tesoros, sin embargo, me encontré con los viejos amigos de siempre. Así pues, me centro aquí más en una crítica a la organización expositiva de la entidad cultural y al público asistente que sobre las obras de arte en sí.
Básicamente la exposición (al menos la parte desarrollada en Caixaforum) no se muestra con mucha novedad, en su mayoría exhiben artistas postmodernos de los años 90 ya consagrados como lo son Sherman y Gober, no obstante, en su carta de presentación -léase tríptico- reza como "una exposición que por primera vez en Barcelona reúne un relato conjunto que invita al espectador a aceptar la responsabilidad última de una respuesta". Esta frase en sí ya es poco clara y queda ciertamente vacía de contenido e intención. ¿Qué responsabilidad y frente a qué? ¿qué respuesta, y desde cuándo hace falta una respuesta, o se ha podido substraer alguna? El espectador no tiene -y dudo mucho que consiga por varios motivos- que aceptar la transición de X años de arte hacia una afirmación definitiva y mucho menos responsable de nada.
Por otro lado, se realiza una fotografía personal al espectador al entrar y otra al salir de la exposición con el fin de dejar reflejada la pre y post impresión de éste después de ver la muestra. Personalmente también me parece, en esta muestra, un recurso vacío y carente de cierto sentido en un rol de interacción con el público.
"¿Cómo definirían el arte actual?" pregunta la exposición, oigan, Cindy Sherman es una artista consagrada, pero no es arte ACTUAL; es como si se hablara de una película que se estrenó hace 30 años como cine de hoy en día. De acuerdo, los nombres de Nauman, Gober, Sherman...están como sustento, como pilares y apoyo a la creación actual contemporánea real, ponen las bases a un presente artístico, pero, ¿Se pueden dichas bases y exponer sin ellas? ¿se puede prescindir de los clichés y elogiar lo realmente actual con un buen discurso no pretencioso? Los grandes nombres no se pueden usar más como panacea si queremos seguir avanzando en el mundo del arte.
A nivel museológico me gustaría hacer un quisquilloso apunte a todo el personal que se dirige a ver una exposición, porque como historiadora del arte me gusta analizar el entorno de éste y como intervienen las acciones en él. Nada más entrar en una exposición hay una pared con un montón de letras, se llama "texto introductorio expositivo" y explica lo que se va a ver durante el recorrido, crea una ubicación al espectador. Saltarse ese texto e ir a devorar obras de arte directamente es obtener sólo un residuo visual en la memoria carente de sentido que se borrará pocas horas después. Entender el mecanismo es muy importante y ahorra decepciones. La información es poder.
La primera obra que se observa es la de Mike Kelley, The trajectory of light Plato's cave, una obra en la que para poder observarla en su totalidad se debe arrodillarse y pasar a cuatro patas para entrar en una "cueva" donde hay un par de telas colgadas, una de ellas representa una vagina como la entrada y salia del mundo, y la otra unas manchas con forma humana entre body painting y teoría Gestalt. No quiero comentar la obra más allá de su descripción, sino que quiero centrarme en este caso en un aspecto museográfico bastante común en las exposiciones de arte actual: la exposición no está adaptada a ser visitada por personas con movilidad reducida. Una persona que vaya en silla de ruedas no va a poder participar en esta obra debido a su condición, y no me refiero a la condición física del espectador sino a la museográfica en sí. Existen técnicas y manuales para solucionar este tipo de problemas, el arte, y sobretodo la cultura y el derecho al uso y disfrute de ella, no debería ser exclusivo sino estar al alcance de todos.
Cabe destacar aspectos positivos que se daban lugar en la exposición, como la obra de Tonet Amorós (Lleida, 1961) con la obra Omnipotents omnipresents.
Larvas, larvas que yacen esperando un cambio. Como nosotros, millones de larvas en evolución esperando la utópica metamorfosis de la sociedad. En los '90 se tenía miedo al boom del 2000, la nueva era, pero al mismo tiempo se albergaban esperanzas para un cambio hacia un nuevo orden social y gubernamental. Así pues, la obra refleja estos pequeños seres diseñados a la predisposición de ser perfectos bajo el molde simbólico de canon de las 7 cabezas de Policleto. Encerrado, el ser humano, la larva, espera un renacer en el porvenir con una base de proporción perfecta, y con cierta idea ¿sacra? al estar alineados al centro como una mandorla del Pantocrator. Todos conectados a una crisálida -idea central o causa energética- que los alimenta y les da calor, fuerza, memoria colectiva para el cambio. Algo se está incubando, algo hacía una mejora, me gustaría pensar. Sin embargo, hay otras lecturas, supongo que son diferentes formas de ver las caras de una misma moneda : Omnipotents omnipresents (1991), de Tonet Amorós, mostra unes oloroses larves de parafina alimentades per una gran crisàlide, com a «ironia d'una societat on tots estem conduïts i mengem i veiem el mateix». La postmodernitat de Matrix. (Ana Abella, el Periódico)
Martha Rosler (Brooklyn, 1943) con su genial y ya conocido Semiotics of the kitchen (1975) http://www.eai.org/title.htm?id=1545 se quedó incomprendida por alguna fémina que pasó por delante y no prestó atención a una compañera de género. Era como si su pensamiento fuera transparente. La señora de mediana edad que quedó mirando el vídeo y pensó : ¿esto es arte?. Cabe decir que por supuesto pasó olímpicamente de leer la cartela informativa sobre la artista y lo que representa esta obra. El arte contemporáneo, el arte en general, no es difícil de entender, es que hay gente que no pone ni el mínimo esfuerzo para leer algo que tiene delante de sus narices, ¿Es mucho más fácil huir indignado acaso?. Si la señora en cuestión en vez de haberse alejado moviendo la cabeza como signo de negación se hubiera quedado un par de minutos a leer la cartela quizás hubiera visto que Rosler estaba escenificando la eterna lucha de géneros, defendiendo el papel de la mujer en la sociedad, expresando la opresión sufrida por el género femenino en el machismo de la época, ironizando sobre el sistema familiar establecido, el rol de la mujer, y mil cosas más. La información vuelve a ser poder.
N.A: Supongo que el arte es algo sacro para algunos (entre los que estoy en primera fila) y no algo en lo que decido dedicar un par de horas el sábado por la tarde, no es un mero entretenimiento, para algunos es a lo que hemos elegido dedicar la vida, por eso molesta tanto que alguna gente acuda a exposiciones y se burle de lo que ve y no entiende. Personalmente, jamás entraría en una iglesia a reírme de Cristo por no comprender o compartir su fe, ni entraría en el laboratorio de un químico y empiezaría a jugar con sus probetas. El arte no se ha creado para la diversión del pueblo y algunos no podemos evitar tomárnoslo como algo serio, como nuestro trabajo, como lo que es. El arte merece respeto, y el espacio en que se desarrolla también, así que sólo puedo aconsejar a todo el que acuda a ver una exposición que ya que ha decidido ir a ese acto, que disfrute a conciencia, que lea, aprenda, mire y observe también, piense, respete, y disfrute.
"Sólo el arte puede desarticular los efectos represivos de un sistema social senil que sigue tambaleándose en la cuerda floja. Desarticular para poder construir un organismo social como obra de arte."
J. Beuys
Datos y fuentes:
La exposición se divide en dos partes, la sede MACBA y Caixaforum (servidora sólo a acudido a ver la parte expuesta en Caixaforum por motivos personales).
Personalmente iba a ver la exposición del Japonisme...pero esto siempre ocurre, se va a ver una obra/exposición con alta expectativa y de revote uno se encuentra con otra obra/exposición inesperada que acaba siendo un pequeño tesoro.
Caixaforum ( por cierto ahora ya es de pago, gratis sólo para clientes La Caixa) está demostrando tener una colección de arte contemporáneo bastante interesante cuando se sale de los clásicos contemporáneos y apuesta por jóvenes no tan conocidos aunque ya crecidos en el mundo del arte.
Qué pensar/qué desear/qué hacer ha sido una trilogía expositiva que ha girado alrededor del contexto de la crisis del sistema económico, social y moral también. Comisariado por Rosa Martínez, crítica independiente, quien ha querido cuestionar el arte en la vida contemporánea. ¿Puede el arte contemporáneo guiarnos existencialmente y políticamente? ¿Activar emociones e intelecto que despierten la conciencia y modifiquen las acciones del mundo?
Voy a hablar de una obra en particular, porque siempre que se acude a una exposición a cada uno hay una obra en particular que le golpea como un martillo por asuntos y condiciones personales diversas.
La Pasión de Juana de Arco del artista Javier Téllez. Obra que ha querido cuestionar qué es la salud mental y qué es la locura, quién define esas categorías y cómo se establecen las instituciones que las administran.
Javier Téllez (Valencia,Venezuela, 1969) debe su influencia artística a sus padres, ambos psiquiatras, y a su abuelo, propietario de un cine. Su obra se caracteriza pues por su estética y su valor conceptual.
Foto de autora 2013
La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital, Sydney) 2004 Videoinstalación de 2 canales. 2 películas de 16 mm transferidas a DVD / 40 min 55 s color, sonido / 97 min 2 s, color, blanco y negro, sin sonido
Su práctica artística cuestiona el papel de la institución mental como parte de la cadena de aparatos de exclusión social que objetualizan y estigmatizan la diferencia con respecto a lo normativo. En esta obra, el artista propuso a un grupo de mujeres internadas en el hospital australiano que expusiesen su interpretación sobre la película muda que da título a la obra, realizada por el cineasta danés Carl Theodor Dreyer en 1928. Al mismo tiempo les era imposible no mezclar lo que estaban viendo con su propia experiencia personal y su estancia en el hospital. En una sala con una doble proyección y sillas parecidas a las de las salas de espera de los hospitales se empieza a introducir uno en la historia de estas mujeres. En una de las pantallas van apareciendo las pacientes de la institución mental, que explican sus vivencias sobre el trastorno que se les ha diagnosticado. En la otra pantalla se proyecta la versión de la película de Juana de Arco, en la que los interludios originales han sido sustituidos por textos escritos por las doce mujeres. Ambas películas se proyectan de forma continua y muestran las semejanzas entre la intolerancia en la época de la Inquisición y la actual estigmatización de las personas con enfermedades mentales. El hecho de que las pacientes sean todas mujeres, además de cuestionar el control autoritario de los discursos masculinos, apunta a la construcción histórica de la definición de la locura.
Foto de autora 2013
Foto de autora 2013
Foto de autora 2013
¿Juana de Arco fue un caso de esquizofrenia sin diagnosticar? ¿Oía realmente esas voces que ella atribuía a Dios dentro de su cabeza a causa de los acontecimientos traumáticos de su niñez o era realmente una iluminada de Dios? ¿Todo lo que pasa por ser diferente al resto debe ser enviado a la hoguera o encarcelado? ¿Son estás mujeres realmente enfermas dentro del mundo actual donde vivimos? ¿Es el miedo a lo incomprendido razón para el uso del maltrato y el rechazo de la sociedad a estas personas? ¿Son voces de la nueva razón?
Foto de autora 2013
Foto de autora 2013
qué PENSAR/ qué DESEAR/ qué HACER Del 17 de mayo hasta el 8 de septiembre. de 10 a 20h fines de semana hasta 21h Caixaforum. Entrada 4€, clientes de la Caixa gratis.
Reportaje sobre las obras de Javier Téllez: MUY RECOMENDABLE.
"Hoy todos editamos imágenes. Reciclamos, cortamos y pegamos, remezclamos, las subimos y bajamos. Es así como hacemos que las imágenes tengan sentido. Lo único que necesitamos es un ojo, un cerebro, una cámara, un teléfono, un portátil, un escáner, un criterio. Y cuando no editamos, creamos imágenes nuevas. Creamos más que nunca, porque nuestros recursos son ilimitados y las posibilidades infinitas. Internet es pura inspiración: lo profundo, lo bello, lo turbador, lo ridículo, lo trivial, lo vernacular y lo íntimo. Disponemos de cámaras asequibles que captan la claridad más tenue y la oscuridad más opaca. Disfrutamos de un potencial tecnológico que implementa una estética desbordante, que cambia nuestro concepto de creación e impulsa obras como juegos; que reciclan lo caduco, que revalorizan lo banal. Obras de ayer pero con empeño de futuro. Obras a las que pretendemos dar una nueva vida. Porque las cosas serán distintas a partir de ahora..."
Pues bien, así arranca la exposición From Here On del Centre d'Arts Santa Mònica de Barcelona. A estas alturas ya sabréis por donde van los tiros pero os lo voy a contar bajo mi punto de vista. Cuando una amiga me recomendó la exposición no imaginaba que iba a ser tan inmensa. La exposición ocupa las tres plantes del edificio por lo que visualizarla con calma podría conllevar unas dos horas y media, que es más o menos lo que me llevó a mi. En la puerta de entrada a la exposición ya reza un cartel: algunas de las imágenes del interior pueden herir su sensibilidad. De entrada ya prometía así que avancé con decisión. Exponían una abundante cantidad de artistas por lo que sólo mencionaré aquellos que subjetivamente me impactaron más. La primera obra que me encontré fue la de Jon Rafman. Colgadas en la pared estaban unas doce imágenes obtenidas de google street view, eran prostitutas. Las bellas damas de siempre, las más antiguas. No serían como las prostitutas de Boucher o de Toulouse-Lautrec, no tendrían boquitas de piñón ni estarían en plan toilette, pero eran lo que eran, lo que han sido siempre y siempre serán, ¿y acaso no eran arte en la antigüedad? esculpidas sobre piedra, pintadas al óleo, pues ¿por qué no van a serlo ahora sobre fotografía? Aunque la obra ni siquiera trata esta cuestión, esta es sólo una reflexión personal. Lo que la obra quiere reflejar, como todas las de la exposición en general, son las piezas, las obras que han surgido durante estos años a través de la vasta base de datos de imágenes que nos proporciona Internet y a la vez nosotros mismos con la telefonía móvil, el proceso de crear a cambiado, ahora, dependiendo del caso, no es necesario ni que nosotros mismos seamos los autores de dichas imágenes. Hermann Zschiegner presentaba varias fotografías impresas de google imágenes, y por lo tanto algunas pixeladas, del famoso rostro de la granjera Allie Mae Burroughs, quien Walker Evans y posteriormente Sherrie Levine dieron a conocer al mundo. Post-post-apropiacionismo.
Ludovic Burel presentaba un libro bajo el título Another picture of me as Dracula siendo él totalmente invisible en las fotografías de este libro pero apropiándose de la identidad de las personas que salían en ellas. La invención o sustitución de la identidad del individuo. Aunque debo decir que no todo era gloria y genialidad, habían ciertos problemas técnicos con algunas de las obras, pantallas que no funcionaban...eso por parte del servicio técnico de Arts Santa Mònica, pero en cuanto a los artistas diré que creo que también hay mucho fake. Este arte puede ser peligroso si no somos claros a la hora de expresar nuestra idea de la obra, debido a esta ausencia algunas piezas, como por ejemplo la de Gregoire Pujade-Lauraine, pueden derivar a un popurri de fotos recolectadas de Internet sin sentido alguno para el espectador. Laia Abril nos abre las puertas al mundo Pro-Ana que tan tabú parece en la realidad y tan abierto es en el mundo virtual. A través de imágenes recolectadas de varias webs y blogs de mujeres anoréxicas (orgullosas de su esquelética belleza sin darse cuenta de su propia enfermedad) nos muestra un colectivo muy activo al cual no debemos ignorar y mirar hacía otro lado, sino abrir los ojos a una realidad patente y problemática por culpa de unos estigmas de belleza creados por la sociedad y por supuesto, también difundidos por la red.
Thomas Mailaender es el emoticono de la cara sonriente, el humor de lo bizarro. A medida que me acercaba a su obra pensaba que era todo una grabación, que no podía ser verdad, pero sí, si lo era... un corral lleno de gallos y gallinas vivos expuestos bajo el lema: "el museo del pollo" (que no se alarmen los defensores de los derechos de animales, tenían agua, comida y mucho más espacio que en un corral corriente).
Eso por no hablar de penes...sí, de penes, multitud de ellos llenaban las paredes del Santa Mónica en honor al orgullo masculino, a todas esas fotos que se hacen los hombres y cuelgan en páginas como Badoo comparando el tamaño de su pene con objetos como latas de cerveza, paquetes de cigarrillos, bambas, plátanos, y hasta su propia planta del pie. Todo esto acompañado de un vídeo en plena actividad de Pricasso, el artista australiano que pinta cuadros con su propia brocha, es decir, su pene. Mailaender pidió al artista un cuadro y este se lo pintó empalmado por 75$. :)
Pasamos ahora a la música, el grupo The Get Out Clause, al carecer de medios para grabar su propio videoclip y hacerse famosos lo que hicieron fue grabar delante de cámaras de seguridad de lugares públicos como bancos, supermercados, etc y luego pedir las imágenes de los vídeos como derechos de autor o una ley británica similar, y videoclip listo. Las artistas Penelope Umbrico y Corinne Vionnet, nos cuestionan si es necesario hacer una fotografía de una puesta de sol, por ejemplo, cuando buscándolo por Internet nos saldrían miles de imágenes similares a la que extraeríamos nosotros con una cámara. Este dúo, pero por separado, critican la superpoblación de imágenes gemelas en las redes y abogan por una nueva composición de esas imágenes similares. Re-interpretan ayudándo a ver un mundo nuevo creado a partir de lo de siempre.
Roc Herms (artista de la meva terra catalana) explora el inmenso mundo de los videojuegos, la imagen SIMS por excelencia. En una comunidad de mujeres gamers propone una pasarela de moda virtual como si de Cibeles se tratara.
Y por último, podemos ver trabajos como los de Doug Rickard, que a través de la herramiento google street views hacen homenaje a las fotografías postmodernas de William Eggleston y mi queridisimo Stephen Shore. Con todo esto hemos visto aquí un discurso expositivo que alza al podium con medalla de oro a Internet y la telefonía móvil siempre acompañada de las últimas innovaciones tecnológicas. Hemos visto también como el mundo del POST aun es grande y vasto, y que incluso puede reinterpretarse a así mismo extendiéndose a nuevos horizontes por caminos antiguos. Hemos visto un equilibrio logrado entre concepto e imagen, no todo es una imagen vale más que mil palabras. Hemos visto a Barthes y la muerte del autor y la obra original. Hemos visto la multiplicidad, la reproducción y la circulación de la imagen de lo analógico a lo digital. Todos aquellos que no la hayan visto o incluso los que quieran repetir, que sepan que la exposición seguirá vigente hasta el próximo 13 de abril, y absolutamente gratis. Vídeo sobre Joan Fontcuberta hablando de la exposición: http://www.324.cat/video/4500131 FROM HERE ON:
-Artistes:
Hans Aarsman, Laia Abril, Laurence Aëgerter, Roy Arden, Aram Bartholl, Nancy Beans, Viktoria Binschtok, Marco Bohr, Ewoudt Boonstra, Kurt Caviezel, David Crawford, Martin Crawl, Tony Churnside & The Get Out Clause, Constant Dullaart, Leo Gabin, Jon Haddock, Gilbert Hage, Monica Haller, Mishka Henner, Roc Herms, James Howard, Thomas Mailaender, Micheal O’Connell a.k.a Mocksim, Jenny Odell, Josh Poehlein, Willem Popelier, Jon Rafman, Doug Rickard, Adrian Sauer, Frank Schallmaier, Andreas Schmidt, Pavel Maria Smejkal, Claudia Sola, Shion Sono, Jens Sundheim, Penelope Umbrico, Corinne Vionnet i Hermann Zschiegner.
-Organitza:
Arts Santa Mònica - Departament de Cultura - Generalitat de Catalunya
-Produeix:
Rencontres d'Arles 2011 i Arts Santa Mònica - Departament de Cultura - Generalitat de Catalunya
Comissariat:
Clément Chéroux - conservador Departament de Fotografia Centre Georges Pompidou
Joan Fontcuberta - artista
Erik Kessels - fundador i director artístic de KesselsKramer
Martin Parr - fotògraf de l’agència Magnum Photos
Joachim Schmid - artista
Amb la col·laboració de:
Fundació Foto Colectania
Filmoteca de Catalunya
Institut Francès - Barcelona
Embajada del Reino de los Países Bajos.
Hacía tiempo desde que acabé el máster que no iba a una exposición y debo decir que ésta la esperaba con ganas. Finalmente ha resultado tener un cierto gusto amargo, aun así, nada es en vano, he sabido quién fue Ana MENDIETA.
La exposición Explosió! El llegat de Jackson Pollock se celebra en la Fundación Miró desde el 24 de octubre hasta el 24 de febrero de 2013. Yo fui un sábado por la tarde y había cola, algo normal para el nombre del cartel y para el día. Debo decir que iba mal informada, yo pensaba que la exposición era una monográfica sobre Pollock y cual fue mi sorpresa al llegar y ver que sólo habían tres Pollocks o cuatro y el resto era su ..."legado", aun así, repito, que no importa. La siguiente sorpresa me la llevo a la hora de pagar, yo ya sabía que la fundación Miró como ente privado no iba a ser gratuita como el CaixaForum por ejemplo, pero costaba 5 euros (reducida) sin descuento para los del gremio (Historiadores del Arte). Mi sorpresa ha venido cuando resulta que el taquillero era un amigo de mi adolescencia...
-¿Qué haces tú aquí? ¿No estudiabas matemáticas?
- Hace 5 años que trabajo para Ciut'art (pobrecillo mio) dirigiendo el grupo de personal en sala y taquilla.
Pasa gratis mujer, dí que vienes de mi parte.
Genial. Entro en el espacio dedicado a exposiciones temporales de la fund. Miró (que por cierto, ¿¿cuándo piensan agrandarlo?? siempre se me hacen super cortas las expos allí, podrían tener otra planta o un par de salas más, no será por falta de dinero o espacio) cojo un tríptico (siempre útiles) y veo los 4 Pollocks colgados...Pollocks...pero no emocionan como los de la Tate. Tampoco había un público excesivo o al menos era silencioso y respetuoso con la exposición. Empiezo mi recorrido para ver el supuesto legado de Pollock ya que ya conocía la historia y obra de éste. Me encuentro con Nauman haciendo de las suyas (no suelo aguantar sus vídeos, prefiero sus neones) Klein pintando con llamaradas de fuego, una artista pintando el suelo con su melena empapada en pintura, otras obras que no me provocan nada en especial, y de repente allí está ella....con un acto tan simple, tan puro y al mismo tiempo tan expresivo...un sólo vídeo de pequeñas dimensiones que mostraba la misma escena una y otra vez. Una mujer de espaldas pegada a la pared, los brazos en alto en forma de cruz también pegados a la pared, unos instantes de expectación, una intriga y de repente...sangre...¿hay algo más puro que la sangre? Ana Mendieta baja sus brazos al mismo tiempo que su cuerpo dejando un rastro de sangre en la pared, después lentamente se gira, dirige una fugaz mirada a cámara de "me da igual, es tan simple como eso" y sale de escena. Vi la escena como unas 5 veces, no podía apartar la mirada de la inquietante imagen, de lo que podía percibirse en su efímera mirada.
Ana Mendieta. Blood sign, 1974.
Ana Mendieta ( Havana, 18 nov 1948- NY, 8 sep 1985) cubana de nacimiento fue deportada a EEUU en lo que se llamó la operación "Peter Pan" cuando en 1961 estalló la revolución. Allí acabó en un orfanato de Iowa y anduvo de hogar a hogar. En el 77 se graduó en Arte Visual y Multimedia en la universidad del mismo estado. El punto de partida de su arte girará entorno al exilio, la naturaleza, el papel de la mujer, la búsqueda de las raíces y de los orígenes en esa sed de ser. Las técnicas empleadas y las corrientes estilísticas en las que se moverá son el body art, land art, fluxus, videoarte, performance...
Mi arte se basa en la creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas [...]. Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo. No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen (Mendieta).
Una de sus obras más famosas fue su serie Siluetas (1973-1980)realizada básicamente en México. Esta serie refleja siluetas humanas (sobretodo femeninas) realizadas en la naturaleza con elementos naturales como tierra, césped, sangre, barro...con el propósito de reflejar el paso del hombre por los distintos lugares y la aura efímera del ser en su paso por la tierra, sin olvidar el vínculo que une al hombre con la naturaleza llegando a ser los dos uno sólo tras la muerte. Otra serie destacada fue Esculturas Rupestres.
¿Qué era el arte de Ana Mendieta pues? ¿Resultado de un exilio? ¿Arte feminista de la década de los 70? ¿Arte étnico-religioso performático? ¿Land art provocativo? Como se arranca una flor del suelo llevándose sus raíces, esta mujer de personalidad luchadora se resistió a aculturarse en los EEUU. Mendieta representa una manera constructiva de encarar el desarraigo y la ausencia de un lugar, de una vida, de una cultura...No sólo fue artista con una identidad fronteriza, fue mujer y tanto con su cuerpo, como con su silueta representó un deseo de comunicación con el universo, una necesidad de entrar de nuevo a formar parte de la tierra, el lugar donde regresamos al morir. La vitalidad de Mendieta y su deseo de comunicarse son dos de las caraceristicas de esta autora. El conjunto de la obra es un grito corporal, emitido desde cada punto posible y vivido con plena intensidad.
Mendieta muere en 1985 en NY tras ser arrojada al vacío desde la ventana de un piso 34 por su marido (Carl Andre) en una acalorada discusión.
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“El apropiacionismo es un movimiento artístico desarrollado a partir de los años 80 que sigue el procedimiento de la apropiación. Transportado al campo de las artes visuales (ya sea pintura, escultura, fotografía…) se refiere al uso de elementos tomados o re-tomados, mejor dicho, para la creación de una obra. El artista Richard Prince es uno de los primeros apropiacionistas a través de sus re-fotografías.” En este diálogo veremos en qué consiste el arte del apropiacionismo y lo haremos a través del pintor y fotógrafo Richard Prince principalmente, aunque también mencionaremos otros casos de artistas bastante conocidos en este arte. Las obras apropiacionistas que veremos serán imágenes fotográficas. El apropiacionismo es un movimiento artístico desarrollado a partir de los años 80 sobretodo en el país de los EEUU que sigue el procedimiento de la apropiación. Transportado al campo de las artes visuales (ya sea pintura, escultura, fotografía…) se refiere al uso de elementos tomados o re-tomados mejor dicho, para la creación de una obra.
¿Por qué surgió el apropiacionismo? Como ya sabréis cada estilo artístico se contrapone al estilo anterior. Es decir, antes de la llegada del apropiacionismo, en la escena artística norteamericana de los años 50 y 60 se desarrollaba el arte minimal y el arte concepto, esto es la austeridad racional y el arte de la idea por encima de la forma y la imagen. Es por eso, que el apropiacionismo surgió en contra de estas corrientes, de estos movimientos para conseguir un retorno a la pintura, más concretamente, a la imagen y a su potencial narrativo, poético.
No obstante, muchísimo antes, en 1913, Marcel Duchamp presenta el ready-made, que no es otra cosa que el objeto común sacado de su contexto habitual y resumido como obra del artista, lo que dio un vuelco al concepto tradicional de arte. Su intención fue la de sacralizar y desmitificar el objeto artístico y demostrar que el artista, el hombre, no puede nunca empezar de la nada: el origen de sus obras parte de cosas ya hechas e inventadas. En realidad, la tendencia apropiacionista tiene un claro punto de partida. Fue mostrada en la Nueva York de finales de los años 70, en octubre del 77 exactamente, por los artistas que participaron en la exposición Pictures (imágenes) llevada a cabo en el Artists Space comisariada por el crítico y profesor de historia del arte Douglas Crimp.
¿Cuál era la ideología de esta exposición? Pues desde una actitud reflexiva y apropiativa abría el arte a los medios de comunicación, a la publicidad, al cine…para explorar estas artes visuales y así crear imágenes a partir de estos media.
La exposición Pictures fue un proceso de “rematerialización” de volver a recuperar la imagen que había “desmaterializado” el arte concepto anterior. El caso es que las imágenes que formaban la exposición en ningún caso eran originales de la realidad o fruto de la imaginación del artista, sino imágenes apropiadas de otras imágenes del mundo circundante: eliminaban el significado que tenían las fotografías publicitarias, de tomas televisivas o cinematográficas o de la propia historia del arte para realizarles pequeñas manipulaciones (recortes, fragmentaciones, cambios de color…) y otorgarles un significado nuevo. Detrás de cada imagen siempre se podía hallar otra imagen.
Richard Prince (Panamá, 1949) artista americano, pintor y fotógrafo, se vale de las refotografías (fotografías de fotografías) para crear sus obras. Toma como soporte el mundo de la publicidad porque es donde se inscriben los mitos de nuestro tiempo, es decir, un mundo de lo ideal; en los anuncios de TV todo parece perfecto y feliz al usar cierto producto pero que en el fondo es un mundo de apariencias y de engaño, así puede hacer una crítica reflexiva de la sociedad que le rodea.
Primero realizó una serie de fotografías en color partiendo de anuncios publicitarios, pero su trabajo clave fue la serie Cowboys del 80 al 86 que son una serie de refotografías de anuncios publicitarios de la marca de tabaco Marlboro. Como vemos en esta diapositiva estos son los anuncios publicitarios en los que Prince modificó recortando y apropiándose de la imagen. Este fue el resultado. Con esta serie, Prince pretendía reflejar y reflexionar sobre la “manera de ser” norteamericana, del ideal masculino, un camuflado retrato del hombre de clase media, americano, con esa actitud masculina de héroe y mito, ese cowboy John Wayne, a mitad camino entre la ficción y la verdad. Que cuestiona y hace una crítica social en realidad de la identidad de una sociedad y del yo. Esta imagen fue subastada en Christie’s NY por 1 millón de dólares en 2005.
Sherrie Levine (Pensilvania, 1947) se negó siempre a inventarse sus propias imágenes. Actuó creando imágenes de otras imágenes apropiadas que acababan variando el concepto de la creación original. A través de la refotografía, como Prince, se apropió del trabajo de artistas masculinos de los años 30 y 40 como Walker Evans y Alexander Rodchenko sin hacer modificación alguna. Convierte las fotografías apropiadas en signos que subvierten la autoridad masculina del artista a un nuevo papel femenino, que encaja al mismo tiempo con todas las reivindicaciones femeninas de la época y la toma del poder por parte de la mujer en el mundo del arte. Un ejemplo de ello es su serie After Walker Evans, 1979, donde destaca el rostro de una mujer de un trabajo fotográfico de Evans del 1936 dedicado a reflejar las familias granjeras de una zona del país tras el crack del 29.
Robert Longo (NY, 1953) siempre se sintió fascinado por la iconografía del cine y de la televisión, de la que aisló imágenes para manipularlas y convertirlas en naturalezas muertas a gran escala. Por ejemplo, su serie Men in the cities (hombres en la ciudad, 80-87) representan hombres y mujeres trajeados en una especie de danza mortal, y digo mortal porque en realidad es justo el instante congelado en que estas personas están recibiendo un disparo. Estas figuras son apropiadas de la película de Fassbinder An American Soldier (el soldado americano, 70) que Longo descontextualiza e invita al espectador a formularse preguntas sobre lo que le ocurre al individuo de traje y corbata. Más que representar personas concretas se trata al hombre y a la mujer como seres anónimos pertenecientes a una gran entidad corporativa, a una de las grandes empresas de NY que tienen miles de empleados de los que no se saben el nombre, que son sólo “soldados americanos” carne de cañón, mero logotipo, alegoría de una situación social del momento pero que aún perdura hasta nuestros días, y Longo dispara contra este tipo de trato social a los hombres y mujeres convertidos en bussinesman (hombres de negocios) de Wall Street que parecen productos seriados formados para satisfacer las necesidades de grandes empresas comparando a estas con instituciones militares en al que todo es uniforme y donde no hay libertad individual, contra esa perdida de identidad y deshumanización, y contra el poder de las grandes multinacionales, y contra ese tipo de vida, esa falsa cara de la globalización.
Algunos se preguntaran por qué un movimiento supuestamente carente de originalidad y autenticidad es considerado importante. Los artistas que vemos “copiaron” obras de otros autores, pero les imprimieron un sello propio, que aunque es difícil de captar a simple vista, está presente en cada obra, negando de esta manera una forma de plagio. La apropiación siempre es distinta a la obra original, si no lo es físicamente lo será conceptualmente. Por ejemplo, la foto de Levine del rostro de la mujer ya no es la foto de Evans de una familia de clase baja que vivía en una granja, sino que es el rostro de una mujer que lucha por su presencia en el mundo del arte. Por esta razón, el apropiacionismo no se considera como plagio, porque se alude que las obras no eran “una mera copia” sino un nuevo original recontextualizado (porque era elaborado en otro momento y contexto) y resignificado (porque estaba bajo otras ideas y experiencias que eran del nuevo artista) en este sentido, la apropiación daba como resultado una obra nueva. El movimiento apropiacionista implica tomar posesión de algo para la creación de algo nuevo, o para retar la manera en cómo se perciben las cosas y cómo cambian de acuerdo al tiempo y espacio en que son presentados.
Contrario a esto, Avelina Lésper, reconocida crítica de arte mejicana, dice que: “Distorsionar la verdad es una de las formas de mentir. Cubrir la realidad con eufemismos es pervertirla. Hoy al plagio se le llama “apropiación”, lo que se supone es el robo de la obra de otro autor es un estilo, lenguaje y hasta objetivo. ¿Qué sentido tiene el arte sin la creación?”
Como vemos el apropiacionismo cuestiona las bases de la historia del arte: originalidad, autenticidad… y las formas de recibirla: desarrollo, tradición, evolución…Si consideramos el apropiacionismo un movimiento artístico en cierta manera estamos rompiendo con estos criterios y rompiendo con un sistema historicista de pensamiento moderno, por eso se desarrolla dentro de la posmodernidad.
¿Qué pensáis vosotros? ¿Creéis que es un plagio gratuito o por el contrario creéis que se puede ver la huella e intención del artista secundario?
Todo lo comentado hace parte aun hoy de la discusión y retroalimentan lo que es este concepto del apropiacionismo. "Ars longa, vita brevis"
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