RIMBAUD/VERLAINE

Total eclipse. A. HOLLAND, 1995.

VERLAINE: - ¿De qué tienes miedo?

RIMBAUD: - De que me vean como yo les veo a ellos.

"Ars longa, vita brevis"

NUBES DE SALSA DE SOJA QUE SABEN A ERIC BURDON

Hoy no ha brillado el sol, y lo he notado, en lo bueno y en lo malo. Hoy corría el aire fresco, hoy el viento despeinaba. Hoy ha sido un día que ha empezado con café, como todos. Tras una ardua, pero al fin concluida, mañana cyberpunk, ha venido una tarde solitaria tras unos spaghettis. Una tarde de echarte de menos, una tarde de tocadisco, de dejar que la voz de Burdon y de Strummer me desgarraran los oídos de la forma más maravillosa posible, una tarde de té helado y artículos.

Pero no había té en casa, he tenido que ir al supermercado.

El supermercado siempre me ha parecido un lugar de tránsito enorme. Puedo pasarme horas dentro de un supermercado dando vueltas como una idiota (hago un paréntesis porque esto me acaba de recordar a Lost in the supermarket de The Clash).

El super me fascina, todo lo que hay dentro de él, tantas marcas de una misma cosa, tantos precios distintos, tantos sabores para un mismo poema. Si lo piensas bien, ¿Qué es un supermercado sino una exposición del producto al mejor postor? ¿Qué es la calle, la acera, pues sino, que una estantería donde los productos frescos pasean ,vienen y van, arriba y abajo? Ir al supermercado es la vida misma. Lo barato sale caro, malo para mi, pero en el buen sentido para otro, y sino que se lo digan al artista posmoderno Andreas Gursky que su fotografía denominada 0,99 se vendió en una subasta de Sotheby's por 2,54 millones de euros, siendo la más cara de la historia.

0,99 centavos. GURSKY.

Y el sentimiento que a mi me transmite un supermercado - a otra gente le pasa con los aeropuertos, las oficinas, las discotecas, o los cutres moteles de carretera (estos últimos, lugares horribles donde siempre ocurren las peores cosas inimaginables, gracias Hollywood...) - tiene mucho que ver con la obra de este artista, entre otros.

Un lugar de la cotidianidad y congregación de la masa, pero que al mismo tiempo se convierte en un lugar de nadie, un lugar de paso, un gran tablero de ajedrez donde se repite la misma partida todos los días. Aunque Gursky lo planteé como una demostración de la comunidad humanitaria, de intercambio vinculado a la sociedad tardocapitalista, yo voy a meter aquí la obra de otro artista, me quedo con la estética de Gursky y cojo los conceptos de Doug Aiken en su obra Migration; y quien sabe si de esta mezcla saldría incluso otro arista, el fotógrafo Stephen Shore, quien podría ser la llave para entender lo extraña que me he sentido al verme reflejada en una de las columnas-espejo del super con una botella de té de melocotón en una mano y salsa de soja en la otra.

Migration, AIKEN, 2008.

Migration, AIKEN, 2008.

Me hubiera perdido en mis ojos en ese momento. Y mi cabeza me decía: no vengas sola a estos lugares, mira a tu alrededor. Y mi corazón decía: no sé si quiero, no sé si puedo. Y mi paladar decía: no te olvides del zumo de manzana. Pero eso no es lo peor, la cola del super es la peor parte, allí me han dado ganas de salir corriendo. Colas largas e interminables llenas de familias domingueras, niños que gritan, abuelas charlatanas, y solteros de mirada perdida con raciones individuales que parecen padecer el síndrome de Asperger. Un vacío emocional pero al mismo tiempo un amor a mi soledad, un deseo irrefutable de poseer alas, y pensar: así no por favor, así yo no.

Uncommon places, SHORE.

Uncommon places, SHORE.

He pagado mi té y mi soja y me he ido lo más rápido posible, para evitar que lo inevitable de mi futuro me atrape.Yo no puedo ser de familia dominguera, yo quiero llegar a mi casa y leer en el sofá y acariciar a mi gato; no poner dos lavadoras, ni preparar bocadillos para el cole, ni aguantar el fútbol, es no, por favor.

La próxima vez que me de por echarte de menos procurare tener té en la nevera, y que brille el sol en la calle.

"Ars longa, vita brevis"

EL ARTE QUE NO CONOCIMOS.

Algunos me han debatido que las personas felices pueden crear cosas maravillosas. Lo pongo en duda. No digo que las personas felices no puedan crear, pero tengo por seguro que no pueden crear mejor que una persona infeliz. ¿Por qué? Pues porque se crea del dolor mayoritariamente, para los que les guste y para los que no. El sufrimiento, el abismo, la desesperación, la tristeza, el desconocimiento, y el exceso de conocimiento también, son fuentes de inspiración y de creación artística. Quien es feliz cree que tiene suficiente. Dime, ¿qué necesidad tiene una persona completa, feliz, satisfecha consigo misma y con muchas otras cosas, de ponerse a crear? El artista necesita crear, más allá de un estado anímico, el artista necesita, no es algo que haga por placer únicamente, sino por impulso. Aire para los pulmones.

Esto no es algo que a mi se me antoje, sino que son preguntas que se plantean desde tiempos remotos en el mundo del arte y su teoría. Mezclando el grabado Melancolía de Durero y el libro Nacidos bajo el signo de Saturno de Wittkower, se podría tener una síntesi muy resumida de lo que estoy intentando comentar, suficiente para captar la idea. (Joder, odio los pies de página donde se tiene que poner toda la información como a los niños pequeñitos, en la página concreta donde puedes encontrar la cita...no todo es tan esquemático, exacto y milimétrico! te doy un título y un nombre, investiga!! N.A: esto no va para el lector, es un apunte personal- me han tocado el orgullo-que diría a más de uno en el mundo académico).



Melancolía. DURERO,A.



Nacidos bajo el signo de Saturno. WITTKOWER, R.M

 

Y podría extenderme y este post no se acabaría nunca, y llenar la página entera de referencias bibliográifcas que incluyeran biografías de artistas, obras, citas...pero os dejo que indageis sobre el tema si os interesa, sólo os ofrezco una pincelada, una curiosidad.

Bueno, es más, por favor, ayudarme, dejarme entradas en este post, decirme nombres, nombres de artistas felices, casados, ricos, satisfechos con la vida, razonables, sinceros...y por cada uno que se mecione, seguro que se pueden mencionar no uno, sino tres o más, que estuvieran atormentados, insatisfechos, tristes, melancólicos, hambrientos, desquiciados, desenamorados, suicidas, embriagados, solos, incomprendidos, efermos, en la cárcel incluso.

Genios. A todos ellos, gracias. No me imagino como hubiera sido un mundo, un arte lleno de felicidad, ni me lo quiero imaginar. Ya lo decía el agente Smith en Matrix: " lo intentamos, intentamos crear un mundo donde toda la gente fuera feliz, pero no funcionó, el ser humano necesita de su lado oscuro, del sufrimiento, para poder funcionar".

pd: en el vídeo, me retracto en lo que al romanticismo de Shakespeare se refiere, creo que puede que fuera muchas otras cosas antes que romántico en sí.

"Ars longa, vita brevis"

I WANNA BE LIKE JEFF WALL

Recuerdo la primera vez que me hablaron de Jeff Wall, fue en clase de Posmodernidad, la profesora nos enseñó 4 fotos y la clase quedó enamorada.

Mimic. WALL

Wall nació en Vancouer en 1946, a través de sus múltiples trabajos, su fotografía ha ayudado a definir el término fotoconceptualismo. Dicho término es un movimiento artístico que surgió en su ciudad natal durante los '70, que se caracteriza por la mise-en -scène de la obra, es decir, fotografias cuidadas hasta el último detalle en su composición escenográfica. A este movimiento pertenecen artistas como:  Rodney Graham, Ken Lum, Ian Wallace, Stan Douglas, Roy Arden, y Scott McFarland, y por supuesto, Wall.

Jeff W. suele colocar sus fotografias en cajas de luz y a gran formato (2mx2m), idea que le vino de ver un cartel publicitario. Para sus fotografías utiliza a modelos, pero también a actores que sepan representar su pequeña escena. La mayoría de sus fotos suelen ser tensas, críticas, de pasión lantente, y muchas están influenciadas por composiciones de la pintura, artistas como Manet o Hokusai.

Remake Manet. WALL

Remake Hokusai. WALL

Aunque sus temas más tratados están relacionados con diferentes aspectos de la sociedad (véase la foto que le hizo famoso: Mimic. Vancouer, 1982), en este caso vamos a hablar de una foto que hizo en uno de sus viajes a Barcelona.

Morning Cleaning, es una fotografía tomada al Pavellón Alemán del arquitecto Mies Van Der Rohe, que realizó Wall una mañana de lunes a viernes entre las 8.00h y las 8.30h de la mañana. ¿Cómo lo sé? Pues porque yo, sin saberlo, hice una fotografía similar, a la misma hora, el mismo día y en el mismo lugar, con cierta similitud de perspectiva. No es idéntica ni mucho menos, pues él la hizo desde dentro y yo desde fuera, pero en la esencia se parece.

Trabajo en el MNAC, paso por delante de este maravilloso Pavellón tres veces por semana. Sé que le impulsó a Wall a hacer esa foto, o al menos puedo imaginarlo, o al menos fue lo que me impulsó a mi. La soledad. No hay nadie. Son las 8h de la mañana y sólo se oye el canto de los pájaros. Estás tranquilo. El sol te calma. Sigilosamente, caminando te acercas, el hombre de mantenimiento está limpiando la piscina (en mi foto sólo se aprecia la débil, pero presente, silueta del hombre junto a la estatua de la bailarina). Quieres retratarle sin molestar. Te colocas de espaldas a él, enfocas y click! Luego contemplas durante un instante, intentando retener esa paz matutina, y te vuelves a alejar en silencio.

Este fue mi caso. Meses más tarde descubrí gratamente, ojeando un libro suyo en la biblioteca del MACBA, que había mirado desde su mismo punto de vista. Que habíamos tenido un isntante ocular. Me fue curioso, si más no, descubrir que empezaba a dar mis primeros pasos haciendo fotografias que ya habían sido realizadas anteriormente por artistas que admiro.

Este fue el resultado:

Mañana de limpieza. Patricia. Barcelona, 2011.

Morning Cleaning, WALL. Barcelona, 1999.

"Ars longa, vita brevis"

OMER FAST. The Casting & Nostalgia

OMER FAST

Videoinstalaciones. The Casting• Nostalgia

La memoria siempre ha sido reina de nuestra conciencia, la mayor parte de nuestra identidad reside en ella, y en los recuerdos que ésta conserva. No obstante, la memoria puede jugarnos muy malas pasadas. Perder la memoria es un factor terrible en muchas ocasiones, aunque también nos hace caminar más ligeros, en otras. Transformamos la realidad latente a como nos gustaría que fuera a partir de modificaciones en nuestra memoria, ya sean estas conscientes o inconscientes. El implante de falsos recuerdos o memorias que no pertenecen al individuo o que han sido modificadas, han dado gran repertorio de títulos cinematográficos en el campo de la ciencia ficción y en las páginas de muchos libros de este género. Todos tenemos historias que contar, y todos tenemos la necesidad de contarlas, nos confirman la experiencia y nos reafirman como seres vivos y existentes. Que dichas historias sean relatos imaginarios o hechos reales, eso ya es otro asunto, pero al artista Omar Fast eso no parece ser primordial.

“Yo no trato directamente con la realidad, sino con representaciones e historias.”

Omer Fast.

 

Omer Fast nace en Israel en 1972, y se hace camino en la categoría artística del video-arte. Su obra tiene el punto álgido en el trato de la memoria, y cómo afecta ésta a la realidad. No sólo como afectan las alteraciones de la memoria en el mundo de lo verídico, sino también al relato de ciencia ficción que se puede obtener de la modificación memorial. Todo unido a través de los elementos narrativos imagen-sonido que determinan la comprensión e interpretación de este juego de realidad y ficción con la mente.

El loop es el recurso de los recursos en toda esta exposición, la guinda del pastel. Al no haber ni un principio ni un final en el relato de la proyección esto hace que se cree un bucle infinito donde la comprensión total del visionado sólo es posible cuando se ha completado dicho bucle. El loop bien puede ser una imagen o una frase.

¿Cómo contamos historias? ¿Qué influencia tiene la memoria sobre el acto narrativo? ¿Cómo fiarse de algo tan intangible como un recuerdo en la memoria? ¿Hasta dónde llega el autoconvencimiento? Estas son algunas de las preguntas que la exposición pone en cuestión. Fast utiliza el formato de la entrevista, y la falta del uso de steadycam como medio para acercarse a la realidad y al espectador; según el artista refuerza la inmediatez y la espontaneidad, y muestra la idea de un testimonio verdadero, pero aun así, toda la realidad que intenta aproximar es una ficción, puesto que no muestra las entrevistas reales, en algunos casos, sino que contrata a actores para representarlas, como es el caso de Nostalgia II.

El hecho de tembleque de cámara y ambigüedad de veracidad narrativa nos recuerda a películas que intentaron dar el mismo juego, The Blair Wich Proyect por ejemplo, en la que acabábamos dudando si aquello era una grabación real de unos aficionados encontrada en mitad del bosque o unos actores que explicaban una historia real, o interpretaban una ficción…

The Casting, 2007.

La obra The Casting (2007) es como ver las dos caras de una misma moneda. En un trabajo donde se mezcla de manera inmejorable la combinación de sonido e imagen, se nos presenta, por un lado, una sucesión de escenas de personajes inanimados que narran dos historias diferentes, y por otro lado, una entrevista entre Omer Fast y un hombre que, con lo que cuenta, da voz a las dos historias que narran los personajes inanimados. Llega el momento del loop cuando el espectador, a través de una frase del personaje, no sabe si lo que acaba de ver y oír es una historia real de unas personas o una interpretación improvisada de un actor. Superposición de imagen y sonido de máxima maestría.

The casting, 2007.

Lee Whitlock en Nostalgia III, 2009.

La trilogía de Nostalgia (2009), (donde cabe destacar el gran papel de los actores, especialmente Lee Whitelock en Nostalgia III) es una serie de producciones emocionalmente intensas basadas en recuerdos de sucesos violentos, dolorosos y de pérdida. La idea de la trampa, presente en toda la trilogía, como metáfora de la transmisión de conocimientos y experiencias, hace que nos preguntemos hasta que punto podemos fiarnos de la historia del ser humano si ésta se ha nutrido a través de los años del accidente de ir pasando de boca en boca.

 

“Me interesa cómo se retiene la experiencia en la memoria, y como luego los recuerdos se convierten en historias, y cómo se mediatizan los recuerdos”

Omer Fast. The Casting, 2009.

Fast ha sabido moldear hasta con la percepción del espectador, que para salir de la exposición debe volver a recorrer el mismo camino hacia atrás puesto que sólo hay una salida, jugando así con el factor loop. Al ser videoinstalaciones, no había una vigilancia o seguridad en cuanto a personal se refiere, que fuera más allá de una persona. La comodidad era un factor importante en esta exposición, puesto que se trataba de ver una “película” durante al menos 20 o 30 minutos, y eso requiere un asiento confortable. Los largos y anchos bancos que se han dispuesto están bien, pero no tienen respaldo, y eso acababa notándose. Si se va a tener una exposición de estas características, es conveniente poder acoger al público en condiciones, unas mini butacas hubieran sido lo adecuado. En cuanto a este hecho, encontramos la exposición que se presenta en el MACBA, The Otolith Group: la forma del pensamiento, donde los cómodos asientos para el visionado de los vídeos de varios minutos son una decisión muy acertada. Lo que sí fue acertado es el uso de la luz. Al tratarse proyecciones se necesita oscuridad, y la hay bien ubicada y en su justa medida, sólo unos pequeños focos de luz iluminaban los carteles explicativos de la obra y los folletos informativos.

Una exposición de sencilla estructura e instalación que nos da que pensar. La delgada línea que separa documental de ficción se nos presenta día a día a través de los medios, manipulando, modificando, inventando puntos de vista. ¿Hasta qué punto podemos fiarnos de lo que vemos? ¿Hasta qué punto podemos fiarnos de lo que oímos? ¿Y de lo que recordamos?

Nostalgia III, 2009.

16/03/2011-29/05/2011

CaixaForum

Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8.

08038 Barcelona

"Ars longa, vita brevis"

THOM PUCKEY. Un clásico contemporáneo.

M.T. with Pistol, Puckey, mármol, 2008

Impresionante, es el calificativo que yo le doy si más no a este artista. En la nueva era en que la fotografía es mayormente la reina de la corte de las artes plásticas, este ESCULTOR (con mayúsculas) sorprende con su trabajo, especialmente con una de sus últimas series dedicada a las nuevas diosas del Olímpo.

Ya no son válidas las manzanas de Venus, las copas de Hebe, las flechas de Diana, y ni siquiera las corazas y lanzas de la poderosa Atenea. Aunque sigue primando la desnudez en estos pálidos y níveos cuerpos, los tiempos han cambiado, y las armas también. El revolver, el misil, y los cuchillos son ahora el nuevo estandarte de las diosas, algunas de ellas con el nuevo look de pelo corto.

A.V. with Knife and RPG-7. Puckey, mármol, 2009.



Thom Puckey nace en Kent, U.K en 1948, y aunque siempre lleva la escultura dentro de él esperando a estallar y dar forma, él empieza como perfomance junto al artista también performance Dirk Larsen, formando “Reindeer Werk” de 1972 a 1980. Esta faceta de escultor/performance puede enlazarse con los trabajos de la artista española Angela Lergo (http://www.angelalergo.com/) de gran potencial poético y teatral en su obra.

Puckey desarrolló gran parte de su obra trabajando desde Ámsterdam. Si bien algunos de sus proyectos han sido bastante abstractos o surrealistas, su última etapa a la cual pertenece esta serie sobre diosas bélicas y eróticas de la nueva era, se ha vuelto totalmente figurativa. A esto hay que añadirle la perfección de la técnica, la pulcritud del pulido del mármol es tal que no se pueden evitar las comparaciones estilísticas con el gran escultor decimónocimo Canova (1757-1822). No obstante, el concepto es de un estilo totalmente contemporáneo, donde se deja entrever entre tanta belleza el mito del ángel caído.

En su página web puede verse toda su obra y la evolución de ésta, además de los interesantes procesos de elavoración y trabajo en el taller del artista. http://www.thompuckey.com/



Magdalena penitente. Canova. s. XIX



Taller del artista

Taller del arista, work in progress



L’Arrêt de Mort, Puckey, mármol, 2007.







" Ars longa, vita brevis"

EL LABORATORIO DEL DR.FRANKENSTEIN

El Laboratorio del Dr.Frankenstein consiste en lecturas performáticas de páginas elegidas al azar de libros de mi biblioteca personal. La configuración del nuevo texto a través de grandes textos. Enlace de palabras, de ideas, con o sin sentido, no lo sé, el resultado es performance en estado puro.

1 sesión:

- Romeo y Julieta. Shakespeare.
- Filosofía del tocador. Sade.

- Así habló Zaratustra. Nietzsche.

Creo que esta primera sesión no es perfercta, quizás una extensión de 10 minutos de lectura monótona y de tono lineal (mea culpa) pueda aburrir a más de uno; la segunda me saldrá mejor, pero aun así decido enseñar el vídeo para opiniones y críticas. Pese a que falta esencia y mejora de tono y pasión, la muestro como evolución, como ritmo y camino que podría ir tomando el Laboratorio del Dr. Frankenstein.

"Ars longa, vita brevis"