http://diarioelprisma.es/jose-manuel-infiesta-el-gran-error-del-arte-contemporaneo-es-que-ha-querido-destruir-la-tecnica-y-el-oficio/
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Hay
tanto contra lo que argumentar en este artículo que no sabría por dónde
empezar. Lo haré intentando apelar contra las respuestas que da el entrevistado.
Como licenciada y máster en Historia del Arte basaré mis argumentos en conocimientos
y en experiencia. Intentaré no caer en el subjetivismo, que es de lo que peca
en gran parte el artículo.
Para
empezar, me esperaba algo así del MEAM (¿de quién sino?), quienes desde su
inauguración como institución cultural, museo, han encajonado el arte en algo
que no va más allá de lo figurativo, concepto que tienen idealizado encima de
un pedestal. Primer error.
Primeramente,
el arte del siglo XX no ha intentado destruir nada. El día que empecemos a
entender que el arte es la EVOLUCIÓN de una sola cosa (como el crecimiento de
una persona y su maduración en el tiempo), y no algo divisible y encajonable en
estilos, movimientos, etc, empezaremos a hilar fino. El siglo XX/XXI no ha
pretendido insultar ni destruir valores tradicionales, ha intentado concebirlos
desde otra perspectiva o superarlos, que no eliminarlos. Y aun así, ¿qué hay de
malo en no ser figurativo? Sé que no es comparable, y que por lo que se
menciona en el artículo no se es amigo de lo sacro, yo tampoco mucho, no
obstante, millones de personas de este planeta creen y tienen fe actualmente en
un ser no figurativo, en una energía conceptual y sensitiva, en algo
inexplicable que nadie ha jamás. Y esa no figuración, esa idea abstracta, mueve
el mundo en muchas ocasiones, así que, punto número uno: la figuración está
sobrevalorada. ¿Tanto aterra la desmaterialización, enfrentarse a la nada, a la
idea, al pensamiento?
Cuando
se comenta -cito textualmente- Son
artistas que valoran lo que era la pintura de verdad y dicen “chico, es que no
se ha vuelto a pintar como pintaban estos maestros”. - refiriéndose a jóvenes artistas
que admiran la obra de Velázquez y Rembrandt, ¿quién dice que otros artistas contemporáneos no están
influenciados y que no admiran a estos grandes iconos? ¿Por qué? ¿Por qué no
pintan con su técnica y material, además de la figuración? Me parece una
catalogación injusta. Me atrevería a decir que hasta Banksy, por mencionar a un
conocido de entre otros, en algunas de sus obras ha podido tener presente a
artistas de la antigüedad.
Igualmente,
chico, no se ha vuelto a pintar como pintaban los maestros porque es un paso
que se intenta dar hacía otra dirección, hacía adelante. No dudo de que existan
hoy pintores que puedan igualar o incluso superar a Velázquez o Rembrandt, el
MEAM, podría (he dicho podría) ser un ejemplo, pero es que no se trata de eso.
Se trata de que pintar, hoy en día, como Velázquez o Rembrandt, no tiene un
mayor sentido más allá de una admiración estética, visual, material y técnica. Que
no es poca, pero no es suficiente para el siglo XXI.
La
generación de artistas jóvenes de nuestra época es brutal, sí, se dediquen a la
materia del arte a la que se dediquen. Hay muchísimos artistas jóvenes callejeros,
que exponen en la misma calle su obra a través de vinilos, graffitis, eh, y
tengo una buena noticia, ¡son figurativos!, pero ¿supongo que si no es con óleo
o acrílico no interesa no? Igualmente, que nadie se alarme, dudo que algún día
se asista al final de la pintura como se teme en el artículo. Es que parece ser
que si uno no se puede comparar con un Goya, no se es nadie. Comenta el
artículo que el jurado de un concurso determinó que “hay unos treinta cuadros
en MEAM que podrían estar expuestos en cualquier museo del mundo”. Y en la
calle también hay obras que podrían estarlo, y en los talleres de algunos
jóvenes artistas que no habrán tenido tanta suerte de ser fichados por una institución,
etc. Esto es lo que intentaba explicar el pobre Tzara, la destrucción de esta dura
regla museística, a veces absurda, de que si no se está dentro no se es nadie. ¿Son
menos arte esos treinta cuadros por no estar en el Metropolitan de NY, o por
estar otras obras en las calles?
¿Ningún artista actual que realice arte
contemporáneo no figurativo no tiene talento entonces? Yo creo que, en parte,
es con el arte actual cuando el artista más necesita tener. Necesita sobretodo
tener capacidad mental, idea, concepto, discurso, porque luego vendrá el
crítico y el comisario de arte y harán su trabajo, pero el único y el primero
que te sabrá explicar su obra es el artista. Todo esto sería muy fácil de
entender si se dieran por superados los cánones estéticos de la belleza
clásica, que deberían verse más que superados en pleno siglo XXI pero aun no es
así. No obstante, algunos artistas contemporáneos dan por superados estas
estéticas y crean una obra a través de la mente, donde no importa tanto la
forma como el contenido. No obstante, soy consciente de que también hay
mucha sobrevaloración en el arte contemporáneo, claro que sí, no lo intento
ocultar, pero estaría bien poder crear un término medio en la balanza de este
asunto, no hay que enfrontar el arte antiguo con el arte contemporáneo, no es
una lucha de titanes, es una evolución de la misma cosa.
Por otra
parte, yo no sé qué problemas habrán tenido con ARCO concretamente, pero cuando
yo he asistido a la feria, he visto bastante arte figurativo, y algunos eran
pintura.
Cuando
se remite contra Duchamp diciendo que colocar un váter en un museo no tiene
ningún valor más allá de la provocación, puede que se tenga razón a medias. Se
debe contemplar la burla artística, el arte puede ser satírico también, se debe
contemplar la crítica social. Duchamp ha superado la estética, la técnica y la
materia, quiere ir más allá. Quiere jugar con la sociología del arte. El arte
no es sólo un pincel, una tela con bastidor y un montón de pintura compuesta de
manera perfecta que forma bellas figuras. El arte tiene un contexto social,
histórico, conceptual, crítico, etc, muy potente, que se debe siempre tener en
cuenta. Es indesvinculable. La fuente es única en el sentido de que no hay otra
con la firma de Duchamp, toda obra es única.
El
dinero va a parte. ¿Quién pone los precios del arte? Y digo yo, ¿no cuesta 90.000 € y más una obra de Goya, por
ejemplo? ¿Es realmente el arte contemporáneo el que alimenta esta burbuja
económica? ¿Por qué es tan radicalmente diferente un Picasso de un Duchamp?
¿Cómo son técnicas diferente merece que una tiene valor estético y trabajo y la
otra no? ¿Se sabe cuánta ideología hay detrás de una obra contemporánea, cuánto
concepto, o sólo nos fijamos en el exterior? Quizás ahora muchos os preguntaréis ¿Qué pasa con
Damien Hirst y sus escandalosos precios en el mercado? Lo sé, Hirst ha sido un ejemplo casi sin precedentes, es como la
excepción que rompe la regla. Hirst ha realizado subastas monográficas en
Sotheby's y lo ha vendido todo en una sola noche. Es conocido por obras como The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (el tiburón de los 12 millones de dólares) o For Love of God (la calavera recubierta de
brillantes) vendida por 74 millones de dólares. Lo que no se sabe muchas veces
es que parte de estas obras fueron compradas por el mismo galerista, marchante
y agente de Damien Hirst, creando así una falsa especulación que lo único que
le conllevó fue un stock de piezas de Hirst en el almacén del White Cube de Londres. Personalmente, Hirst me
gusta, sus precios son desorbitados, pero tampoco tiene la culpa de que haya
personas que estén dispuestas a pagarlos, precisamente su obra, en parte,
tiene este aspecto de crítica social a este tipo de personas que están pagando
estos precios. Dejando la moral y la ética a parte, si compras una obra de
Hirst es porque puedes permitírtelo -el mismo Hirst ya se denominó siempre a él
mismo como businessman y
no artista-
Lo de
Pollock debo reconocer que me ha tocado la fibra sensible. ¿Por qué se cree que
un cuadro de Pollock cuesta lo que cuesta? ¿Le ofende el precio y lo compara
con el bajo precio de una obra del MEAM? Que se le suba el precio a los cuadros
el MEAM entonces, que se les ponga el valor que se le considere, pueden hacerlo
si quieren, en vez de quejarse. Un cuadro de Pollock vale hoy lo que vale
primero por su valor histórico, es decir, es una pieza irreproducible en el
tiempo, puesto que el autor está fallecido y porque se realizó en una época con
un cierto movimiento social que también hoy es irreproducible, el pasado es
pasado. Un Pollock tiene un valor artístico brutal, Pollock llevó a la máxima
expresión el dripping, y formó parte
del llamado action painting, que no
se sepa apreciar por según qué personas, es otro tema, como todo. Cito
textualmente -Un cuadro de Jackson
Pollock si en vez de hacerlo él lo hiciese Jacobo Alcalde valdría 3000 euros, y
el cuadro sería el mismo. Un cuadro de Jacobo Alcalde vale 5000 euros y
para mí es extraordinariamente mejor que cualquiera de Pollock. Aún así, yo no
soy quien para decir si lo de Pollock es arte o no es arte, pero lo que sí que
puedo decir es que no vale lo que cuesta - ¿Realmente se cree esta
dura afirmación? El cuadro no sería el mismo por un millón de razones. Primera
por que el autor es distinto, el contexto social e histórico también, e incluso
dudo que le saliera de la misma manera. Seguramente se debe pensar que “hacer
un Pollock” es ponerse como un loco a sacudir un pincel delante de una tela y a
pasear por con un cubo agujereado por encima dejando caer gotitas de pintura.
Bien, volvemos a lo mismo de siempre, en cuanto a técnica y material un Pollock
es reproducible hoy en día, pero ni de lejos tendrá el mismo valor, en cuanto a
autoría y sociología es imposible. Además, Pollock tiene obra figurativa antes
de que llegara a convertirse en un gran icono, por si a alguien le interesa. Y
por eso, se paga lo que se paga, y por poder también, no por materiales o
estética. Ampliemos la mente, extendamos el arte un poco más allá de los
colores y las formas.
Intentemos no meter a todo el público dentro de un mismo saco
con afirmaciones como, cito textualmente- al gran público le sigue gustando más un Despiau, un Bourdelle o un
Rodin que no un Henry Moore. ¿Cómo se sabe esto? ¿Se han hecho estudios de gustos
predeterminados al público o algo? ¿Dónde están las fuentes que apoyan estas
afirmaciones? No caigamos en subjetivismos, por favor, desde la posición que se
ocupa en una institución cultural, al menos, debería tenerse una mentalidad
neutral y crítica, no prejuiciosa.
No soy fan de MACBA por motivos personales, pero que no
contenga ninguna obra en el hall es falso, y que sólo se dedique a la
experimentación también. En el hall, actualmente, está expuesta una obra de
Lawrence Weiner, (Some objects of
desire, 2004), y normalmente suelen mostrar alguna relacionada con la exposición en
curso que realicen. ¿Qué se entiende por experimentación en el artículo? ¿Cómo
se considerarían obras como happenings,
performances, etc? ¿Arte efímero o pantomima? La experimentación, como la
que se hacía en la escuela Bauhaus o en la Black Mountain College de Chicago abrió
el mundo del arte a un espectáculo creador maravilloso y muy inspirador, no
creo para nada que deba desvalorarse.
¿Así que la fundación Tàpies no la visita nadie no? Me
gustaría saber cuánta gente hay en el MEAM un día normal a las doce del
mediodía. Repito, ante estas afirmaciones, estudios de público por favor, puede
que nos sorprendamos. Y si el día que hay una ceremonia o un acto de la Generalitat
detrás hay un Miró o un Tàpies es por lo mismo, no se trata de lo estética o
figurativa que sea la obra, sino del valor simbólico-histórico que representan
estos autores, en concreto, para Catalunya. El arte se puede usar también como
valor representativo de cualquier cuestión, si es que el arte tiene miles de
valores, aunque se los quiera acotar. Por eso está un Tàpies detrás de estos
actos y no un cuadro del MEAM, por valor representativo, quizás se deba dejar
pasar un tiempo para que pueda haber uno del MEAM en este tipo de actos, la historia
avanza lentamente.
Si hablamos de hiperrealismo, o de arte figurativo, cito
textualmente- si el cuadro pintado es
igual que la foto, ¿para qué quieres el cuadro?, estos artistas buscan superar
la fotografía, no imitarla. Se busca que el resultado sea menos frío que una
foto, que sea más expresivo, más brillante…- Menos frío, más
brillante, expresión, saturación, color…ahora parece que estemos hablando de
las herramientas de Photoshop para definir el arte que defiende el artículo. Supongo que estas opiniones también dependen mucho de cómo
el sujeto utilice el arte en sí, es decir, si sólo buscamos belleza visual y
contemplativa o si lo que nos gusta de la obra es la idea que hay detrás de
ella, el discurso, la historia que nos hace pensar. A mí, el arte me produce un
placer visual enorme pero es más el placer intelectual que puedo obtener a
través de él lo que realmente me satisface. Es como el aspecto físico de una
persona y su interior, su pensamiento.
Prosigo citando textualmente- A mí el tema sacro, el tema religioso, simplemente no me
interesa, lo considero superado. Otro te podrá decir lo contrario, pero yo creo
que el mundo moderno ha superado el concepto religioso.- Vaya, vaya con el mundo
moderno, ¿hemos sido capaces de superar el mundo sacro pero el figurativo no?
Yo no afirmaría por otra parte que el mundo sacro esté superado, y por supuesto
el figurativo tampoco. Por desgracia en ambos casos.
Yo no
estoy específicamente en contra del arte que se expone en MEAM, sino de esta
filosofía que defienden de manera, ellos también, dictatorial.
Pagaría por
tomar un café con el entrevistado: Jose Manuel Infiesta, director del MEAM, si
me lee considere esto una verdadera ( y arriesgada por mi parte) invitación.
A la
memoria de Tristan Tzara y Jackson Pollock, entre otros.
"Ars longa, vita brevis"
