En la incertidumbre diaria de nuestros
tiempos vivimos bajo el lema Carpe diem, a
pesar de los difíciles momentos que atravesamos, todo lo tenemos, todo lo
poseemos y todo lo renovamos. Somos vanidosos, por supuesto que sí. Sin
embargo, podríamos observar la inutilidad de los materiales mundanos frente a
la funcionalidad vital.
En el siglo XVII, en la época del Barroco,
existían los Vanitas, unas pinturas
de bodegones moralizantes donde se agrupaban elementos como cráneos, relojes de
arena, velas, libros, joyas, instrumentos musicales, comida pasada…que
simbolizaban actividades humanas como el saber, la belleza, la riqueza…todas
ellas futilidad de lo material frente a la brevedad del ser. En la actualidad,
la inmersión de la mente en el new media
que nos rodea es símbolo de la fragilidad humana ante el consumismo desmesurado
digno de un sistema capitalista. El memento
mori del siglo XXI vocifera: “no mueras sin poseerlo todo, no lo necesitas
pero lo quieres”.
Esta entrada no es contra la tecnología ni
contra la evolución de ésta, sino contra la compulsividad consumista del ser
humano ante la publicidad y la moda. En sí es un conjunto alegórico a modo de
crítica y reflexión sobre los valores comunes y colectivos del consumismo de
una sociedad deteriorada posmoderna.
Dicen que la necesidad agudiza el ingenio. Pues bien, si algo hay en estos tiempos es necesidad: necesidad de trabajo. Alba Benavent, compañera del gremio que formamos los historiadores del arte, se ha lanzado a hacer sus pinitos como comisaria independiente frente a la necesidad de crear, de estar en continuo movimiento (frente a la gran tasa de parados que buscamos trabajo en el mundillo) y de explorar inquietudes de su mente aprovechando su formación. La jugada no le ha salido nada mal puesto que ha conseguido la colaboración desinteresada de artistas nacionales e internacionales como Daniela Ortiz, Paula Giménez y Leonor Serrano, además de la colaboración en material de una importante galería barcelonesa de arte contemporáneo.
Como en casa se ha realizado en la propia casa de Benavent, puesto que esta iniciativa también nace de crecer de manera independiente en el mundo del arte, de si no encontrar la oportunidad de algo fuera pues montarlo en casa, ¿por qué no? tampoco es algo nuevo, muchos de los primeros comisarios independientes en la década de los 80 usaban como espacios expositivos fábricas abandonadas o edificios en alquiler. La lástima de la exposición es que sólo tenía duración durante el día de hoy, pero pese a ser un acontecimiento efímero no será único. Alba ha confirmado que ahora que ha empezado no quiere parar. Este ejemplo es una muestra de que la crisis, que afecta severamente al sector artístico y a sus profesionales, si la miramos por el lado positivo, no deja de ser en parte un empujón para este tipo de eventos y de inmersiones personales en la sensibilidad creativa de cada individuo. Personalmente creo que iniciativas como las de Alba son absolutamente necesarias, son un pequeño rayo de esperanza para aquellos que aun creemos que hay cambios posibles, que hay muchos caminos no institucionales, caminos propios.
Hoy en día hay necesidades, sí, pero para muchos el arte es una de las más grandes. Así que, gracias Alba por esta demostración y este ánimo que muchos deseamos, y por hacernos sentir durante un rato "como en casa". Gracias también ha las artistas que han colaborado y a la galería Àngels Barcelona por hacer un proyecto realidad.
-----------------
Nota de prensa proporcionada por la comisaria:
Crear espacios desde dentro, capas que dan volumen al diagrama que representa los diversos niveles de intimidad de la casa. La planta arquitectónica se reduce a líneas que delimitan el exterior del interior, el refugio ante la intemperie. Una vez dentro la configuración de campos de energía que van variando según esa negociación diaria entre los habitantes y su entorno; esquinas, huecos, silencios… espacios habitados no vividos. Crecemos así entre líneas y fronteras, tanto arquitectónicas como geopolíticas, mientras se configuran a partir del diálogo unos caracteres que deriven a la sintonía con su medio en la lucha por la supervivencia.
Somos emigrantes en busca de ese “echar raíces” que posibilite el florecimiento de un proyecto de vida; necesitamos asentarnos en ese territorio que, paradójicamente, se encuentra en continua transformación. Un territorio donde se reúnen múltiples comunidades que buscan una identidad; pluralidad de voces e historias, factores inestables que estimulan el sentimiento de desubicación.
Pero esta exposición no pretende ser la visión periférica de algunas de estas planimetrías. Al crear espacios desde un interior más externo que nunca, activa percepciones que traspasan los contornos de lo íntimo, y nos expone a la hostilidad que simboliza el afuera.
Esta reflexión es posible gracias a la enriquecida y ampliada interrelación de las obras de las artistas participantes. Paula Giménez representando esa búsqueda de la estabilidad, nos sumerge en su pieza “Verano”: pequeña porción de intimidad que desvela las raíces del equilibrio en casa; momentos de calidez y seguridad que aluden al fantasma de la adversidad. Un juego de presencias y ausencias, de interiores y exteriores, que conforman su personalidad dentro del entorno familiar. Ese espacio doméstico pero laminado en estratos de significado, es lo que estudia y subvierte Leonor Serrano Rivas, otorgándole nuevos sentidos a la poética de lo cotidiano: “Colección privada” y “Parcela 1C”. Arquitecturas dadas, muros de ficciones y anécdotas… como matriuskas superpuestas que va cambiando de posición, rompiendo así el orden preestablecido. Daniela Ortiz continua esa línea de ruptura con “97 empleadas domésticas”. Los límites entre lo público y lo privado, las relaciones laborales y las afectivas… esas tensiones internas que en la mayoría de ocasiones han sido normalizadas bajo imposiciones por clase y raza son “re-publicadas” bajo la mirada crítica de la artista.
Es un placer poder invitaros a la exposición, jueves 4 de abril, bajo el deseo de que encontréis nuevas capas (con sus puntos de fricción y engranaje) en el discurso de la exposición y las obras, llegando así a sentiros “Como en casa”.
Se entiende por infografía la información explicada mediante la utilización de grafismos. Cuando a este concepto le añadimos el término subjetividad entonces se entiende Jaime Serra.
Jaime Serra (Lleida, 1964) fue reconocido por la Society for News Design, la mayor organización internacional de diseño editorial, como el infografista más influyente del mundo en los últimos 20 años (1992-2012). Serra posee formación en periodismo y eso ha sido su fuente a la hora de crear su obra. Se basa en métodos y criterios propios del periodismo para hacer arte en soportes y formatos expositivos.
A veces para muchas personas el arte resulta ser algo bonito de ver, un rostro angelical, una pincelada perfecta, un paisaje espiritual...en el arte de Jaime Serra yo he visto más personas y relaciones humanas que en muchas pinturas o fotografías de retratos familiares. A través de colores, datos, números, textos y líneas, las infografías de este artista muestran a personas y el trasfondo de su personalidad o la historia de su vida.
Una de sus obras expuesta en el Centre d'Arts Santa Mónica era un vaivén de colores, una marea que golpeaba fuerte mostrando la personalidad de todos los seres allí reflejados, era un mar de sensaciones.
Serra había escogido algunos colores y los había ligado a un sentimiento, el amarillo la rabia, el azul el miedo, el rosa el deseo, etc, y luego había pedido a personas que, teniendo en cuenta estas asociaciones, se dibujaran a ellas mismas. El resultado fueron líneas coloridas, circunferencias en órbita o incluso células madre que envuelven capas y capas de sentimientos. Todas estas auras dicen mucho más de una persona de lo que se pueda apreciar en una imagen de ella. Esta foto muestra algunos de los dibujos pero sin duda es algo que debe verse en vivo y en directo.
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.
La siguiente obra era un conjunto de líneas sobre un fondo negro que mostraba las relaciones sexuales de una pareja estable durante el periodo de un año. ¿puede haber algo más personal que eso? ¡Y son líneas! pero son lineas que cuentan historias...
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.
Y la gente verá esta obra y se preguntarán lo de siempre...¿pero esto es arte? Señores y señoras, quizás son ustedes los que deban empezar a replantearse qué es arte y qué no. ¿Acaso no buscan esto en el arte? ¿Acaso la función del arte no ha sido siempre aquella capacidad de contar historias? (a parte de experimentar placer contemplativo, e igualmente, ¿quién dice que a mi los cuadros de colores vistos antes o estas líneas no me llenen los sentidos o me parezca bellos mirarlos?). Ya no estamos en la Antigua Grecia, ni en el Renacimiento y tampoco en el Modernismo, señores y señoras, admitámoslo. Esto es arte actual, aprendamos a leerlo, aprendamos a apreciarlo.
Y por último, y más impactante a nivel personal, una obra que toca el sentido más íntimo y profundo de la mujer. Las mujeres hemos sido (y en algunos lugares aun somos) consideradas inferiores, dominadas por el hombre, tratadas como objetos de placer y satisfacción ajena, maltratadas, e incluso mutiladas...La obra de Serra nos mostraba a modo documental, con cifras y tantos por ciento las mutilaciones genitales femeninas que se ejercen aun hoy en día en países africanos y demás. Bien, ahora muchos pueden alegar al concepto CULTURA DE UN PUEBLO Y TRADICIÓN, sí, y tristemente no sé hasta que punto puedo criticar o argumentar contra eso, pero a mi me duele el alma como mujer, coño.
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.
Aunque aquí no hay excusa, se calcula que en Europa, la practica de estas mutilaciones supera el medio millón. ¡¡A la mierda lo un continente subdesarrollado!! Coser las partes íntimas de una mujer o directamente mutilar el clítoris para impedirle tener una vida llena y satisfactoria de relaciones sexuales por mera cultura de un pueblo, hoy en día, me parece indignante y vomitivo, ¿por qué ya de paso no volvemos a las cavernas?
Muchas de estas mujeres sufren trastornos psicológicos graves, dejan de estar capacitadas para tener hijos y algunas mueren desangradas. La ablación genital es delito contra la mujer y su integridad. Eso sí, la noche de bodas, cuando son llamadas a la cámara nupcial, una partera atiende a la mujer circuncidada para cortar el hilo dictatorial y opresor y que su querido marido pueda disfrutar del placer coital.
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013
Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.
Al lado de todos estos paneles explicativos muy explícitos y entendedores, habían unos folios din-A3 con vaginas dibujadas y unas ceras al alcance del visitante para colorear, puesto que la obra en sí yo creo que era el acto performance del espectador. Bien, pues a mi el alma me pidió un acto. Un grito en silencio. Tan de moda que están los recortes a mi se me ocurrió un lugar idóneo donde aplicarlos...
"Hoy todos editamos imágenes. Reciclamos, cortamos y pegamos, remezclamos, las subimos y bajamos. Es así como hacemos que las imágenes tengan sentido. Lo único que necesitamos es un ojo, un cerebro, una cámara, un teléfono, un portátil, un escáner, un criterio. Y cuando no editamos, creamos imágenes nuevas. Creamos más que nunca, porque nuestros recursos son ilimitados y las posibilidades infinitas. Internet es pura inspiración: lo profundo, lo bello, lo turbador, lo ridículo, lo trivial, lo vernacular y lo íntimo. Disponemos de cámaras asequibles que captan la claridad más tenue y la oscuridad más opaca. Disfrutamos de un potencial tecnológico que implementa una estética desbordante, que cambia nuestro concepto de creación e impulsa obras como juegos; que reciclan lo caduco, que revalorizan lo banal. Obras de ayer pero con empeño de futuro. Obras a las que pretendemos dar una nueva vida. Porque las cosas serán distintas a partir de ahora..."
Pues bien, así arranca la exposición From Here On del Centre d'Arts Santa Mònica de Barcelona. A estas alturas ya sabréis por donde van los tiros pero os lo voy a contar bajo mi punto de vista. Cuando una amiga me recomendó la exposición no imaginaba que iba a ser tan inmensa. La exposición ocupa las tres plantes del edificio por lo que visualizarla con calma podría conllevar unas dos horas y media, que es más o menos lo que me llevó a mi. En la puerta de entrada a la exposición ya reza un cartel: algunas de las imágenes del interior pueden herir su sensibilidad. De entrada ya prometía así que avancé con decisión. Exponían una abundante cantidad de artistas por lo que sólo mencionaré aquellos que subjetivamente me impactaron más. La primera obra que me encontré fue la de Jon Rafman. Colgadas en la pared estaban unas doce imágenes obtenidas de google street view, eran prostitutas. Las bellas damas de siempre, las más antiguas. No serían como las prostitutas de Boucher o de Toulouse-Lautrec, no tendrían boquitas de piñón ni estarían en plan toilette, pero eran lo que eran, lo que han sido siempre y siempre serán, ¿y acaso no eran arte en la antigüedad? esculpidas sobre piedra, pintadas al óleo, pues ¿por qué no van a serlo ahora sobre fotografía? Aunque la obra ni siquiera trata esta cuestión, esta es sólo una reflexión personal. Lo que la obra quiere reflejar, como todas las de la exposición en general, son las piezas, las obras que han surgido durante estos años a través de la vasta base de datos de imágenes que nos proporciona Internet y a la vez nosotros mismos con la telefonía móvil, el proceso de crear a cambiado, ahora, dependiendo del caso, no es necesario ni que nosotros mismos seamos los autores de dichas imágenes. Hermann Zschiegner presentaba varias fotografías impresas de google imágenes, y por lo tanto algunas pixeladas, del famoso rostro de la granjera Allie Mae Burroughs, quien Walker Evans y posteriormente Sherrie Levine dieron a conocer al mundo. Post-post-apropiacionismo.
Ludovic Burel presentaba un libro bajo el título Another picture of me as Dracula siendo él totalmente invisible en las fotografías de este libro pero apropiándose de la identidad de las personas que salían en ellas. La invención o sustitución de la identidad del individuo. Aunque debo decir que no todo era gloria y genialidad, habían ciertos problemas técnicos con algunas de las obras, pantallas que no funcionaban...eso por parte del servicio técnico de Arts Santa Mònica, pero en cuanto a los artistas diré que creo que también hay mucho fake. Este arte puede ser peligroso si no somos claros a la hora de expresar nuestra idea de la obra, debido a esta ausencia algunas piezas, como por ejemplo la de Gregoire Pujade-Lauraine, pueden derivar a un popurri de fotos recolectadas de Internet sin sentido alguno para el espectador. Laia Abril nos abre las puertas al mundo Pro-Ana que tan tabú parece en la realidad y tan abierto es en el mundo virtual. A través de imágenes recolectadas de varias webs y blogs de mujeres anoréxicas (orgullosas de su esquelética belleza sin darse cuenta de su propia enfermedad) nos muestra un colectivo muy activo al cual no debemos ignorar y mirar hacía otro lado, sino abrir los ojos a una realidad patente y problemática por culpa de unos estigmas de belleza creados por la sociedad y por supuesto, también difundidos por la red.
Thomas Mailaender es el emoticono de la cara sonriente, el humor de lo bizarro. A medida que me acercaba a su obra pensaba que era todo una grabación, que no podía ser verdad, pero sí, si lo era... un corral lleno de gallos y gallinas vivos expuestos bajo el lema: "el museo del pollo" (que no se alarmen los defensores de los derechos de animales, tenían agua, comida y mucho más espacio que en un corral corriente).
Eso por no hablar de penes...sí, de penes, multitud de ellos llenaban las paredes del Santa Mónica en honor al orgullo masculino, a todas esas fotos que se hacen los hombres y cuelgan en páginas como Badoo comparando el tamaño de su pene con objetos como latas de cerveza, paquetes de cigarrillos, bambas, plátanos, y hasta su propia planta del pie. Todo esto acompañado de un vídeo en plena actividad de Pricasso, el artista australiano que pinta cuadros con su propia brocha, es decir, su pene. Mailaender pidió al artista un cuadro y este se lo pintó empalmado por 75$. :)
Pasamos ahora a la música, el grupo The Get Out Clause, al carecer de medios para grabar su propio videoclip y hacerse famosos lo que hicieron fue grabar delante de cámaras de seguridad de lugares públicos como bancos, supermercados, etc y luego pedir las imágenes de los vídeos como derechos de autor o una ley británica similar, y videoclip listo. Las artistas Penelope Umbrico y Corinne Vionnet, nos cuestionan si es necesario hacer una fotografía de una puesta de sol, por ejemplo, cuando buscándolo por Internet nos saldrían miles de imágenes similares a la que extraeríamos nosotros con una cámara. Este dúo, pero por separado, critican la superpoblación de imágenes gemelas en las redes y abogan por una nueva composición de esas imágenes similares. Re-interpretan ayudándo a ver un mundo nuevo creado a partir de lo de siempre.
Roc Herms (artista de la meva terra catalana) explora el inmenso mundo de los videojuegos, la imagen SIMS por excelencia. En una comunidad de mujeres gamers propone una pasarela de moda virtual como si de Cibeles se tratara.
Y por último, podemos ver trabajos como los de Doug Rickard, que a través de la herramiento google street views hacen homenaje a las fotografías postmodernas de William Eggleston y mi queridisimo Stephen Shore. Con todo esto hemos visto aquí un discurso expositivo que alza al podium con medalla de oro a Internet y la telefonía móvil siempre acompañada de las últimas innovaciones tecnológicas. Hemos visto también como el mundo del POST aun es grande y vasto, y que incluso puede reinterpretarse a así mismo extendiéndose a nuevos horizontes por caminos antiguos. Hemos visto un equilibrio logrado entre concepto e imagen, no todo es una imagen vale más que mil palabras. Hemos visto a Barthes y la muerte del autor y la obra original. Hemos visto la multiplicidad, la reproducción y la circulación de la imagen de lo analógico a lo digital. Todos aquellos que no la hayan visto o incluso los que quieran repetir, que sepan que la exposición seguirá vigente hasta el próximo 13 de abril, y absolutamente gratis. Vídeo sobre Joan Fontcuberta hablando de la exposición: http://www.324.cat/video/4500131 FROM HERE ON:
-Artistes:
Hans Aarsman, Laia Abril, Laurence Aëgerter, Roy Arden, Aram Bartholl, Nancy Beans, Viktoria Binschtok, Marco Bohr, Ewoudt Boonstra, Kurt Caviezel, David Crawford, Martin Crawl, Tony Churnside & The Get Out Clause, Constant Dullaart, Leo Gabin, Jon Haddock, Gilbert Hage, Monica Haller, Mishka Henner, Roc Herms, James Howard, Thomas Mailaender, Micheal O’Connell a.k.a Mocksim, Jenny Odell, Josh Poehlein, Willem Popelier, Jon Rafman, Doug Rickard, Adrian Sauer, Frank Schallmaier, Andreas Schmidt, Pavel Maria Smejkal, Claudia Sola, Shion Sono, Jens Sundheim, Penelope Umbrico, Corinne Vionnet i Hermann Zschiegner.
-Organitza:
Arts Santa Mònica - Departament de Cultura - Generalitat de Catalunya
-Produeix:
Rencontres d'Arles 2011 i Arts Santa Mònica - Departament de Cultura - Generalitat de Catalunya
Comissariat:
Clément Chéroux - conservador Departament de Fotografia Centre Georges Pompidou
Joan Fontcuberta - artista
Erik Kessels - fundador i director artístic de KesselsKramer
Martin Parr - fotògraf de l’agència Magnum Photos
Joachim Schmid - artista
Amb la col·laboració de:
Fundació Foto Colectania
Filmoteca de Catalunya
Institut Francès - Barcelona
Embajada del Reino de los Países Bajos.
y estados psicológicos, por lo tanto, tampoco
hay un solo yo”.
Denis DIDEROT
Diderot,
el hombre de la Ilustración, dijo que no sólo somos un “yo”, sino una multitud
de ellos. El alma es una imagen móvil sobre la cual pintamos constantemente
otra imagen encima sin acabar de borrar la anterior. Podríamos definir así la
idea de la identidad del ser como un palimpsesto. El carácter y la personalidad
son unas de las cosas más fragmentarias del universo. El individuo no camina
siempre en la misma dirección, es por eso que no sirven todos los zapatos para
una misma ocasión.
En
la lucha interna de la auto-definición surgen diferentes facetas, unas más heimlich y otras más unheimlich según Freud; ejemplo de la multiplicidad
del ser. Todas son necesarias pero se debe establecer un lugar para cada cosa y
cada cosa en su lugar. El individuo es un conjunto ecléctico que se ha ido
formando con el concepto romántico del bildung
de Goethe y el mito punk del do it
yourself. Hay miles maneras de caminar.
¿Qué
mostrar?¿Qué aparentar? Las respuestas son la experiencia y la evolución, e
incluso la poesía de lo rutinario. Algunos pasan toda una vida forjando unas
bases de actitudes y valores sólidos pero no se debe extralimitar la existencia
del ser. ¿Con qué zapatos nos toca bailar, pues? Con los de la aceptación.
Cada
espíritu, cada yo, es libre. Saber manejarlos y exponerlos en el momento adecuado
es la tarea más complicada. Este ejercicio reflexivo es una aceptación de los
seres internos, y del disfrute y ventaja que la diversidad puede proporcionar, asumiendo
el pensamiento de Fichte cuando dijo que el “yo” es un impulso infinito que
traspasa los límites y se supera continuamente.
Hacía tiempo desde que acabé el máster que no iba a una exposición y debo decir que ésta la esperaba con ganas. Finalmente ha resultado tener un cierto gusto amargo, aun así, nada es en vano, he sabido quién fue Ana MENDIETA.
La exposición Explosió! El llegat de Jackson Pollock se celebra en la Fundación Miró desde el 24 de octubre hasta el 24 de febrero de 2013. Yo fui un sábado por la tarde y había cola, algo normal para el nombre del cartel y para el día. Debo decir que iba mal informada, yo pensaba que la exposición era una monográfica sobre Pollock y cual fue mi sorpresa al llegar y ver que sólo habían tres Pollocks o cuatro y el resto era su ..."legado", aun así, repito, que no importa. La siguiente sorpresa me la llevo a la hora de pagar, yo ya sabía que la fundación Miró como ente privado no iba a ser gratuita como el CaixaForum por ejemplo, pero costaba 5 euros (reducida) sin descuento para los del gremio (Historiadores del Arte). Mi sorpresa ha venido cuando resulta que el taquillero era un amigo de mi adolescencia...
-¿Qué haces tú aquí? ¿No estudiabas matemáticas?
- Hace 5 años que trabajo para Ciut'art (pobrecillo mio) dirigiendo el grupo de personal en sala y taquilla.
Pasa gratis mujer, dí que vienes de mi parte.
Genial. Entro en el espacio dedicado a exposiciones temporales de la fund. Miró (que por cierto, ¿¿cuándo piensan agrandarlo?? siempre se me hacen super cortas las expos allí, podrían tener otra planta o un par de salas más, no será por falta de dinero o espacio) cojo un tríptico (siempre útiles) y veo los 4 Pollocks colgados...Pollocks...pero no emocionan como los de la Tate. Tampoco había un público excesivo o al menos era silencioso y respetuoso con la exposición. Empiezo mi recorrido para ver el supuesto legado de Pollock ya que ya conocía la historia y obra de éste. Me encuentro con Nauman haciendo de las suyas (no suelo aguantar sus vídeos, prefiero sus neones) Klein pintando con llamaradas de fuego, una artista pintando el suelo con su melena empapada en pintura, otras obras que no me provocan nada en especial, y de repente allí está ella....con un acto tan simple, tan puro y al mismo tiempo tan expresivo...un sólo vídeo de pequeñas dimensiones que mostraba la misma escena una y otra vez. Una mujer de espaldas pegada a la pared, los brazos en alto en forma de cruz también pegados a la pared, unos instantes de expectación, una intriga y de repente...sangre...¿hay algo más puro que la sangre? Ana Mendieta baja sus brazos al mismo tiempo que su cuerpo dejando un rastro de sangre en la pared, después lentamente se gira, dirige una fugaz mirada a cámara de "me da igual, es tan simple como eso" y sale de escena. Vi la escena como unas 5 veces, no podía apartar la mirada de la inquietante imagen, de lo que podía percibirse en su efímera mirada.
Ana Mendieta. Blood sign, 1974.
Ana Mendieta ( Havana, 18 nov 1948- NY, 8 sep 1985) cubana de nacimiento fue deportada a EEUU en lo que se llamó la operación "Peter Pan" cuando en 1961 estalló la revolución. Allí acabó en un orfanato de Iowa y anduvo de hogar a hogar. En el 77 se graduó en Arte Visual y Multimedia en la universidad del mismo estado. El punto de partida de su arte girará entorno al exilio, la naturaleza, el papel de la mujer, la búsqueda de las raíces y de los orígenes en esa sed de ser. Las técnicas empleadas y las corrientes estilísticas en las que se moverá son el body art, land art, fluxus, videoarte, performance...
Mi arte se basa en la creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas [...]. Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo. No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen (Mendieta).
Una de sus obras más famosas fue su serie Siluetas (1973-1980)realizada básicamente en México. Esta serie refleja siluetas humanas (sobretodo femeninas) realizadas en la naturaleza con elementos naturales como tierra, césped, sangre, barro...con el propósito de reflejar el paso del hombre por los distintos lugares y la aura efímera del ser en su paso por la tierra, sin olvidar el vínculo que une al hombre con la naturaleza llegando a ser los dos uno sólo tras la muerte. Otra serie destacada fue Esculturas Rupestres.
¿Qué era el arte de Ana Mendieta pues? ¿Resultado de un exilio? ¿Arte feminista de la década de los 70? ¿Arte étnico-religioso performático? ¿Land art provocativo? Como se arranca una flor del suelo llevándose sus raíces, esta mujer de personalidad luchadora se resistió a aculturarse en los EEUU. Mendieta representa una manera constructiva de encarar el desarraigo y la ausencia de un lugar, de una vida, de una cultura...No sólo fue artista con una identidad fronteriza, fue mujer y tanto con su cuerpo, como con su silueta representó un deseo de comunicación con el universo, una necesidad de entrar de nuevo a formar parte de la tierra, el lugar donde regresamos al morir. La vitalidad de Mendieta y su deseo de comunicarse son dos de las caraceristicas de esta autora. El conjunto de la obra es un grito corporal, emitido desde cada punto posible y vivido con plena intensidad.
Mendieta muere en 1985 en NY tras ser arrojada al vacío desde la ventana de un piso 34 por su marido (Carl Andre) en una acalorada discusión.
Anzaldúa. Borderlands/La Frontera: The New Mestiza. San Francisco: Aunt Lute Books, 1999.
Cabanas, KM. “Ana Mendieta - "Pain of Cuba, body I am"”, Woman’s Art Journal, V20 no1 (SPR-SUM, 1999):12-17.
Clearwater, Bonnie, ed. Ana Mendieta. A Book of Works. Miami Beach: Grassfield Press, 1993.
Duncan, Michael. “Tracing Mendieta”, Art in America, v. 87 no4 (Apr. 1999): 110-13.
Horsfield, Kate, Nereyda García-Ferraz y Branda Miller. Ana Mendieta. Fuego de tierra. 1987 (Videotape).
Jacob, Mary Jane. “Ashé in the art of Ana Mendieta” (189-200) en Lindsay, Arturo. Santería Aesthetics in Contemporary Latin American Art. Washington & London: Smithsonian Institution Press, 1996.
Katz, Robert. Naked by the Window. The Fatal Marriage of Carl Andre and Ana Mendieta. New York: The Atlantic Monthly Press, 1993.
Knafo, D. “In her own image: Self-representation in the art of Frida Kahlo and Ana Mendieta”,Art Criticism, 1996, V11(N2):1-19.
Kuspit, Donald. “Ana Mendieta, cuerpo autónomo” (35-82) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Mendieta, Ana “Escritos personales” (167-222) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Mendieta, Raquelín. “Memorias de la infancia: religión, política, arte” (223-228) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Metewether, Charles. “De la inscripción a la disolución: un ensayo sobre el consumo en la obra de Ana Mendieta” (83-134) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Patrick, Vincent. “A Death in the Art World. Naked by the Window”, New York Times Book Review domingo, 10 Jun 1990: 24.
Perreault, John y Petra Barreras del Río. Ana Mendieta: A Retrospective. New York: The New Museum of Contemporary Art, 1987.
Polanco B, H.: "Fray Ramon Pane: "Relación acerca de las antiguedades de los indios". Biblioteca de Clásicos Dominicanos, Vol. II, 1994.
Rogoff, Irit. “Love in the second degree”,Make, the Magazine of Women's Art, no74 (Feb./Mar. 1997): 3-4.
Sabbatino, Mary. “Ana Mendieta: la identidad y la serie Siluetas” (135-166) en Moure, Gloria. Ana Mendieta. Barcelona: Museo Rufino Tamayo, 1999.
Spero, Nancy. “Tracing Ana Mendieta”,Artforum International, v. 30 (Apr. 1992): 75-7
Tully, Judd. “Carl & Ana: ten years + one after”, New Art Examiner, v. 26 no8 (May 1999): 70.
Tully, Judd. “In Homage to Ana Mendieta”, New Art Examiner, v. 13 (May 1986): 59-60.
Wilson, Judith. “Ana Mendieta Plants Her Garden”. Village Voice, 13-19 Agosto 1980; 71.
Wooster, Ann-Sargent. “Ana Mendieta: Themes of Death and Resurrection”,High Performance, v. 11 (Spring/Summer '88): 80-3.
“El apropiacionismo es un movimiento artístico desarrollado a partir de los años 80 que sigue el procedimiento de la apropiación. Transportado al campo de las artes visuales (ya sea pintura, escultura, fotografía…) se refiere al uso de elementos tomados o re-tomados, mejor dicho, para la creación de una obra. El artista Richard Prince es uno de los primeros apropiacionistas a través de sus re-fotografías.” En este diálogo veremos en qué consiste el arte del apropiacionismo y lo haremos a través del pintor y fotógrafo Richard Prince principalmente, aunque también mencionaremos otros casos de artistas bastante conocidos en este arte. Las obras apropiacionistas que veremos serán imágenes fotográficas. El apropiacionismo es un movimiento artístico desarrollado a partir de los años 80 sobretodo en el país de los EEUU que sigue el procedimiento de la apropiación. Transportado al campo de las artes visuales (ya sea pintura, escultura, fotografía…) se refiere al uso de elementos tomados o re-tomados mejor dicho, para la creación de una obra.
¿Por qué surgió el apropiacionismo? Como ya sabréis cada estilo artístico se contrapone al estilo anterior. Es decir, antes de la llegada del apropiacionismo, en la escena artística norteamericana de los años 50 y 60 se desarrollaba el arte minimal y el arte concepto, esto es la austeridad racional y el arte de la idea por encima de la forma y la imagen. Es por eso, que el apropiacionismo surgió en contra de estas corrientes, de estos movimientos para conseguir un retorno a la pintura, más concretamente, a la imagen y a su potencial narrativo, poético.
No obstante, muchísimo antes, en 1913, Marcel Duchamp presenta el ready-made, que no es otra cosa que el objeto común sacado de su contexto habitual y resumido como obra del artista, lo que dio un vuelco al concepto tradicional de arte. Su intención fue la de sacralizar y desmitificar el objeto artístico y demostrar que el artista, el hombre, no puede nunca empezar de la nada: el origen de sus obras parte de cosas ya hechas e inventadas. En realidad, la tendencia apropiacionista tiene un claro punto de partida. Fue mostrada en la Nueva York de finales de los años 70, en octubre del 77 exactamente, por los artistas que participaron en la exposición Pictures (imágenes) llevada a cabo en el Artists Space comisariada por el crítico y profesor de historia del arte Douglas Crimp.
¿Cuál era la ideología de esta exposición? Pues desde una actitud reflexiva y apropiativa abría el arte a los medios de comunicación, a la publicidad, al cine…para explorar estas artes visuales y así crear imágenes a partir de estos media.
La exposición Pictures fue un proceso de “rematerialización” de volver a recuperar la imagen que había “desmaterializado” el arte concepto anterior. El caso es que las imágenes que formaban la exposición en ningún caso eran originales de la realidad o fruto de la imaginación del artista, sino imágenes apropiadas de otras imágenes del mundo circundante: eliminaban el significado que tenían las fotografías publicitarias, de tomas televisivas o cinematográficas o de la propia historia del arte para realizarles pequeñas manipulaciones (recortes, fragmentaciones, cambios de color…) y otorgarles un significado nuevo. Detrás de cada imagen siempre se podía hallar otra imagen.
Richard Prince (Panamá, 1949) artista americano, pintor y fotógrafo, se vale de las refotografías (fotografías de fotografías) para crear sus obras. Toma como soporte el mundo de la publicidad porque es donde se inscriben los mitos de nuestro tiempo, es decir, un mundo de lo ideal; en los anuncios de TV todo parece perfecto y feliz al usar cierto producto pero que en el fondo es un mundo de apariencias y de engaño, así puede hacer una crítica reflexiva de la sociedad que le rodea.
Primero realizó una serie de fotografías en color partiendo de anuncios publicitarios, pero su trabajo clave fue la serie Cowboys del 80 al 86 que son una serie de refotografías de anuncios publicitarios de la marca de tabaco Marlboro. Como vemos en esta diapositiva estos son los anuncios publicitarios en los que Prince modificó recortando y apropiándose de la imagen. Este fue el resultado. Con esta serie, Prince pretendía reflejar y reflexionar sobre la “manera de ser” norteamericana, del ideal masculino, un camuflado retrato del hombre de clase media, americano, con esa actitud masculina de héroe y mito, ese cowboy John Wayne, a mitad camino entre la ficción y la verdad. Que cuestiona y hace una crítica social en realidad de la identidad de una sociedad y del yo. Esta imagen fue subastada en Christie’s NY por 1 millón de dólares en 2005.
Sherrie Levine (Pensilvania, 1947) se negó siempre a inventarse sus propias imágenes. Actuó creando imágenes de otras imágenes apropiadas que acababan variando el concepto de la creación original. A través de la refotografía, como Prince, se apropió del trabajo de artistas masculinos de los años 30 y 40 como Walker Evans y Alexander Rodchenko sin hacer modificación alguna. Convierte las fotografías apropiadas en signos que subvierten la autoridad masculina del artista a un nuevo papel femenino, que encaja al mismo tiempo con todas las reivindicaciones femeninas de la época y la toma del poder por parte de la mujer en el mundo del arte. Un ejemplo de ello es su serie After Walker Evans, 1979, donde destaca el rostro de una mujer de un trabajo fotográfico de Evans del 1936 dedicado a reflejar las familias granjeras de una zona del país tras el crack del 29.
Robert Longo (NY, 1953) siempre se sintió fascinado por la iconografía del cine y de la televisión, de la que aisló imágenes para manipularlas y convertirlas en naturalezas muertas a gran escala. Por ejemplo, su serie Men in the cities (hombres en la ciudad, 80-87) representan hombres y mujeres trajeados en una especie de danza mortal, y digo mortal porque en realidad es justo el instante congelado en que estas personas están recibiendo un disparo. Estas figuras son apropiadas de la película de Fassbinder An American Soldier (el soldado americano, 70) que Longo descontextualiza e invita al espectador a formularse preguntas sobre lo que le ocurre al individuo de traje y corbata. Más que representar personas concretas se trata al hombre y a la mujer como seres anónimos pertenecientes a una gran entidad corporativa, a una de las grandes empresas de NY que tienen miles de empleados de los que no se saben el nombre, que son sólo “soldados americanos” carne de cañón, mero logotipo, alegoría de una situación social del momento pero que aún perdura hasta nuestros días, y Longo dispara contra este tipo de trato social a los hombres y mujeres convertidos en bussinesman (hombres de negocios) de Wall Street que parecen productos seriados formados para satisfacer las necesidades de grandes empresas comparando a estas con instituciones militares en al que todo es uniforme y donde no hay libertad individual, contra esa perdida de identidad y deshumanización, y contra el poder de las grandes multinacionales, y contra ese tipo de vida, esa falsa cara de la globalización.
Algunos se preguntaran por qué un movimiento supuestamente carente de originalidad y autenticidad es considerado importante. Los artistas que vemos “copiaron” obras de otros autores, pero les imprimieron un sello propio, que aunque es difícil de captar a simple vista, está presente en cada obra, negando de esta manera una forma de plagio. La apropiación siempre es distinta a la obra original, si no lo es físicamente lo será conceptualmente. Por ejemplo, la foto de Levine del rostro de la mujer ya no es la foto de Evans de una familia de clase baja que vivía en una granja, sino que es el rostro de una mujer que lucha por su presencia en el mundo del arte. Por esta razón, el apropiacionismo no se considera como plagio, porque se alude que las obras no eran “una mera copia” sino un nuevo original recontextualizado (porque era elaborado en otro momento y contexto) y resignificado (porque estaba bajo otras ideas y experiencias que eran del nuevo artista) en este sentido, la apropiación daba como resultado una obra nueva. El movimiento apropiacionista implica tomar posesión de algo para la creación de algo nuevo, o para retar la manera en cómo se perciben las cosas y cómo cambian de acuerdo al tiempo y espacio en que son presentados.
Contrario a esto, Avelina Lésper, reconocida crítica de arte mejicana, dice que: “Distorsionar la verdad es una de las formas de mentir. Cubrir la realidad con eufemismos es pervertirla. Hoy al plagio se le llama “apropiación”, lo que se supone es el robo de la obra de otro autor es un estilo, lenguaje y hasta objetivo. ¿Qué sentido tiene el arte sin la creación?”
Como vemos el apropiacionismo cuestiona las bases de la historia del arte: originalidad, autenticidad… y las formas de recibirla: desarrollo, tradición, evolución…Si consideramos el apropiacionismo un movimiento artístico en cierta manera estamos rompiendo con estos criterios y rompiendo con un sistema historicista de pensamiento moderno, por eso se desarrolla dentro de la posmodernidad.
¿Qué pensáis vosotros? ¿Creéis que es un plagio gratuito o por el contrario creéis que se puede ver la huella e intención del artista secundario?
Todo lo comentado hace parte aun hoy de la discusión y retroalimentan lo que es este concepto del apropiacionismo. "Ars longa, vita brevis"
