ANTE EL HORIZONTE

Ante todo "Ante el horizonte" es una exposición sobre el anacronismo. No es que el hecho del horizonte tenga una relevancia máxima e insustituible, podría haber tratado la representación de tomates a lo largo de la historia del arte y hubiera habido el mismo anacronismo, si el anacronismo es el punctum de todo. 

La exposición es una reunión de horizontes pintados y fotografiados, esculpidos e instalados, dónde el título remite al libro "Ante el tiempo" de Huberman sobre el anacronismo en la H.A. Todo adornado con frases de grandes como Walter Benjamin, Carl Einstein y Aby Warburg en lo alto de las paredes, que si uno no se fija bien, pueden pasar desapercibidas perfectamente. No obstante, el tríptico reza que la exposición gira entorno a la representación del horizonte como tema recurrente y gran desafío pictórico, y se estructura mediante una secuencia de conversaciones y diálogos anacrónicos que tratan diversos aspectos del horizonte representado.

El punto de partida es una sala introductoria dedicada a Joan Miró, allí se encuentran 3 piezas de las más importantes de la exposición, es decir, un fantástico paisaje realista de Modest Urgell, una representación de la visión de éste por el propio Miró y un horizonte dorado que se remonta y se duplica del artista Perejaume.

Posteriormente se pasa por salas donde se introducen obras francesas, japonesas, y por último americanas. Destacan obras como los neones minimalistas y puros de Dan Flavin, las fotografías del paisaje americano de Ansel Adams.

La cereza del pastel es sin duda un increíble Magritte que muestra el mejor de los horizontes posibles, el onírico, el platónico, el ideal de los sueños donde todo es posible y toda meta es alcanzable. ¿De qué material están hechos los sueños? ¿Qué es  un horizonte sino un final a culminar, una cumbre que escalar, un objetivo que alcanzar? El horizonte es la bastedad sublime de las posibilidades del ser humano. En el fondo no es una contemplación estática. No hay paz hasta no conseguir contemplarlo de manera serena.

N.A: agradecer al personal de la Fundación Miró, a personal de sala y taquilla (trabajadores fantásticos de Ciut'art, muchos compañeros de carrera) y a jefe de grupo de personal David Baezas, el estupendo trato y ventajas que siempre me dan debido a su profesionalidad. 

Fundación Miró.

Comisariada por Martina Millà, patrocinada por F.BBVVA.

Del 24 de octubre al 16 de febrero de 2o14

"Ars longa, vita brevis"

EL CAMINANTE CONTEMPORÁNEO

Hay instantes que son punctums en un simple paseo al atardecer. 

C.D.Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes. 1818. Foto de autora. El caminante contemporáneo. 2013

Existen muchos conceptos que se podrían unir a este collage de fotografías de una forma más o menos adecuada: la idea de lo Sublime, la superioridad de la naturaleza frente al hombre, la conquista del superhombre frente a sí mismo, el inmediatismo del hecho artístico, y (el que se va a comentar) la casualidad del momento en la mezcla de lo moderno con lo contemporáneo o actual en la relatividad del tiempo.

Apasiona en el arte el instante casual -lo de casual es de suma importancia- que se presenta en una situación normal y que de repente golpea la memoria. Se es imagen, se piensa en imágenes, se recuerdan más imágenes que palabras y más cosas que se ven que de las que se leen o escuchan. Se es iconográfico diría E.Panofsky, y tendría razón. Se remarca el hecho de la casualidad porque esta imagen no es una creación artística sino una memoria artística. 

Otro de los conceptos que apasiona en el arte es la carencia de la importancia del tiempo verse a la acción, e incluso, a veces, verse al mensaje. No importa que entre las imágenes que se muestran arriba hayan pasado 195 años de la una a la otra, siguen teniendo la misma esencia. Siguen podiendo reconocerse. Ese "algo" sigue respirándose en el aire. Se podría dar un discurso similar entre ambas adecuado al tiempo actual. Adecuado al tiempo actual porque si se pudiera decir exactamente las mismas razones se estaría estancado en la Historia del ser humano, y eso no debe ser así obviamente, han ocurrido hechos y han evolucionado conceptos de un tiempo atrás al presente que afectan a ambas imágenes. No se hablaría hoy Romanticamente de la inmensidad del universo, del acercamiento a Dios a través de la naturaleza, de la visión de la vida eterna en la cumbre de la soledad del individuo, etc -o quizás sí- sino puede que se cuestionara el existencionalismo del ser de otra manera fundamentado en otros hechos, no obstante, el acto sigue siendo el mismo. ¿A caso la sopa Warhol después de 50 años no sigue teniendo el mismo sentido? El tiempo pasa el mensaje perdura. 

Todo lo que conocemos lo hemos aprendido y recordado a través de imágenes (mucho antes de que existiera la escritura) y textos de todas las ramas del arte, todos los actos y los pensamientos han quedado reflejados en el arte.

La visión de la vida -de todas las vidas, de todas las épocas- a través de como la muestra el Arte es algo constante en el transcurso de la Historia que afecta al ser humano de forma trascendental, docente, pura y mágica. Hoy, y como siempre, la vida es corta, el Arte es eterno.

"Ars longa, vita brevis"

ARTE, DOS PUNTOS. Unión colecciones MACBA+Caixaforum

Acudí a esta exposición con grandes expectativas porque pensé que era la unión de dos grandes guardianes de arte contemporáneo, pensaba que iba a ver nuevos tesoros, sin embargo, me encontré con los viejos amigos de siempre. Así pues, me centro aquí más en una crítica a la organización expositiva de la entidad cultural y al público asistente que sobre las obras de arte en sí.

Básicamente la exposición (al menos la parte desarrollada en Caixaforum) no se muestra con mucha novedad, en su mayoría exhiben artistas postmodernos de los años 90 ya consagrados como lo son Sherman y Gober, no obstante, en su carta de presentación -léase tríptico- reza como "una exposición que por primera vez en Barcelona reúne un relato conjunto que invita al espectador a aceptar la responsabilidad última de una respuesta". Esta frase en sí ya es poco clara y queda ciertamente vacía de contenido e intención. ¿Qué responsabilidad y frente a qué? ¿qué respuesta, y desde cuándo hace falta una respuesta, o se ha podido substraer alguna? El espectador no tiene -y dudo mucho que consiga por varios motivos- que aceptar la transición de X años de arte hacia una afirmación definitiva y mucho menos responsable de nada.

Por otro lado, se realiza una fotografía personal al espectador al entrar y otra al salir de la exposición con el fin de dejar reflejada la pre y post impresión de éste después de ver la muestra. Personalmente también me parece, en esta muestra, un recurso vacío y carente de cierto sentido en un rol de interacción con el público.

"¿Cómo definirían el arte actual?" pregunta la exposición, oigan, Cindy Sherman es una artista consagrada, pero no es arte ACTUAL; es como si se hablara de una película que se estrenó hace 30 años como cine de hoy en día. De acuerdo, los nombres de Nauman, Gober, Sherman...están como sustento, como pilares y apoyo a la creación actual contemporánea real, ponen las bases a un presente artístico, pero, ¿Se pueden dichas bases y exponer sin ellas? ¿se puede prescindir de los clichés y elogiar lo realmente actual con un buen discurso no pretencioso?  Los grandes nombres no se pueden usar más como panacea si queremos seguir avanzando en el mundo del arte.

A nivel museológico me gustaría hacer un quisquilloso apunte a todo el personal que se dirige a ver una exposición, porque como historiadora del arte me gusta analizar el entorno de éste y como intervienen las acciones en él. Nada más entrar en una exposición hay una pared con un montón de letras, se llama "texto introductorio expositivo" y explica lo que se va a ver durante el recorrido, crea una ubicación al espectador. Saltarse ese texto e ir a devorar obras de arte directamente es obtener sólo un residuo visual en la memoria carente de sentido que se borrará pocas horas después. Entender el mecanismo es muy importante y ahorra decepciones. La información es poder.

La primera obra que se observa es la de Mike Kelley, The trajectory of light Plato's cave, una obra en la que para poder observarla en su totalidad se debe arrodillarse y pasar a cuatro patas para entrar en una "cueva" donde hay un par de telas colgadas, una de ellas representa una vagina como la entrada y salia del mundo, y la otra unas manchas con forma humana entre body painting y teoría Gestalt.
No quiero comentar la obra más allá de su descripción, sino que quiero centrarme en este caso en un aspecto museográfico bastante común en las exposiciones de arte actual: la exposición no está adaptada a ser visitada por personas con movilidad reducida. Una persona que vaya en silla de ruedas no va a poder participar en esta obra debido a su condición, y no me refiero a la condición física del espectador sino a la museográfica en sí. Existen técnicas y manuales para solucionar este tipo de problemas, el arte, y sobretodo la cultura y el derecho al uso y disfrute de ella, no debería ser exclusivo sino estar al alcance de todos.

Cabe destacar aspectos positivos que se daban lugar en la exposición, como la obra de Tonet Amorós (Lleida, 1961) con la obra Omnipotents omnipresents. 

Larvas, larvas que yacen esperando un cambio. Como nosotros, millones de larvas en evolución esperando la utópica metamorfosis de la sociedad. En los '90 se tenía miedo al boom del 2000, la nueva era, pero al mismo tiempo se albergaban esperanzas para un cambio hacia un nuevo orden social y gubernamental. Así pues, la obra refleja estos pequeños seres diseñados a la predisposición de ser perfectos bajo el molde simbólico de canon de las 7 cabezas de Policleto. Encerrado, el ser humano, la larva, espera un renacer en el porvenir con una base de proporción perfecta, y con cierta idea ¿sacra? al estar alineados al centro como una mandorla del Pantocrator. Todos conectados a una crisálida -idea central o causa energética- que los alimenta y les da calor, fuerza, memoria colectiva para el cambio. Algo se está incubando, algo hacía una mejora, me gustaría pensar. Sin embargo, hay otras lecturas, supongo que son diferentes formas de ver las caras de una misma moneda : Omnipotents omnipresents (1991), de Tonet Amorós, mostra unes oloroses larves de parafina alimentades per una gran crisàlide, com a «ironia d'una societat on tots estem conduïts i mengem i veiem el mateix». La postmodernitat de Matrix. (Ana Abella, el Periódico) 

Martha Rosler (Brooklyn, 1943) con su genial y ya conocido Semiotics of the kitchen (1975) http://www.eai.org/title.htm?id=1545 se quedó incomprendida por alguna fémina que pasó por delante y no prestó atención a una compañera de género. Era como si su pensamiento fuera transparente. La señora de mediana edad que quedó mirando el vídeo y pensó : ¿esto es arte?. Cabe decir que por supuesto pasó olímpicamente de leer la cartela informativa sobre la artista y lo que representa esta obra. El arte contemporáneo, el arte en general, no es difícil de entender, es que hay gente que no pone ni el mínimo esfuerzo para leer algo que tiene delante de sus narices, ¿Es mucho más fácil huir indignado acaso?. Si la señora en cuestión en vez de haberse alejado moviendo la cabeza como signo de negación se hubiera quedado un par de minutos a leer la cartela quizás hubiera visto que Rosler estaba escenificando la eterna lucha de géneros, defendiendo el papel de la mujer en la sociedad, expresando la opresión sufrida por el género femenino en el machismo de la época, ironizando sobre el sistema familiar establecido, el rol de la mujer, y mil cosas más. La información vuelve a ser poder. 

N.A: Supongo que el arte es algo sacro para algunos (entre los que estoy en primera fila) y no algo en lo que decido dedicar un par de horas el sábado por la tarde, no es un mero entretenimiento, para algunos es a lo que hemos elegido dedicar la vida, por eso molesta tanto que alguna gente acuda a exposiciones y se burle de lo que ve y no entiende. Personalmente, jamás entraría en una iglesia a reírme de Cristo por no comprender o compartir su fe, ni entraría en el laboratorio de un químico y empiezaría a jugar con sus probetas. El arte no se ha creado para la diversión del pueblo y algunos no podemos evitar tomárnoslo como algo serio, como nuestro trabajo, como lo que es. El arte merece respeto, y el espacio en que se desarrolla también, así que sólo puedo aconsejar a todo el que acuda a ver una exposición que ya que ha decidido ir a ese acto, que disfrute a conciencia, que lea, aprenda, mire y observe también, piense, respete, y disfrute.

"Sólo el arte puede desarticular los efectos represivos de un sistema social senil que sigue tambaleándose en la cuerda floja. Desarticular para poder construir un organismo social como obra de arte."

                                                                             J. Beuys

Datos y fuentes:

La exposición se divide en dos partes, la sede MACBA y Caixaforum (servidora sólo a acudido a ver la parte expuesta en Caixaforum por motivos personales).

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/artedospuntos_es.html (podéis descargar el tríptico)

http://www.macba.cat/es/expo-arte-dos-puntos/1/exposiciones-actuales/expo

http://www.youtube.com/watch?v=MUHgl4t5uCE

http://www.artdospunts.com/

http://www.elperiodico.cat/ca/noticias/oci-i-cultura/lart-contemporani-conquista-barcelona-2513854

"Ars longa, vita brevis"

QUÉ PENSAR/QUÉ DESEAR/QUÉ HACER. La Pasión de Juana de Arco por Javier Téllez

Personalmente iba a ver la exposición del Japonisme...pero esto siempre ocurre, se va a ver una obra/exposición con alta expectativa y de revote uno se encuentra con otra obra/exposición inesperada que acaba siendo un pequeño tesoro.

Caixaforum ( por cierto ahora ya es de pago, gratis sólo para clientes La Caixa) está demostrando tener una colección de arte contemporáneo bastante interesante cuando se sale de los clásicos contemporáneos y apuesta por jóvenes no tan conocidos aunque ya crecidos en el mundo del arte. 

Qué pensar/qué desear/qué hacer ha sido una trilogía expositiva que ha girado alrededor del contexto de la crisis del sistema económico, social y moral también. Comisariado por Rosa Martínez, crítica independiente, quien ha querido cuestionar el arte en la vida contemporánea. ¿Puede el arte contemporáneo guiarnos existencialmente y políticamente? ¿Activar emociones e intelecto que despierten la conciencia y modifiquen las acciones del mundo?

Voy a hablar de una obra en particular, porque siempre que se acude a una exposición a cada uno hay una obra en particular que le golpea como un martillo por asuntos y condiciones personales diversas.

La Pasión de Juana de Arco del artista Javier Téllez. Obra que ha querido cuestionar qué es la salud mental y qué es la locura, quién define esas categorías y cómo se establecen las instituciones que las administran.

Javier Téllez (Valencia,Venezuela, 1969) debe su influencia artística a sus padres, ambos psiquiatras, y a su abuelo, propietario de un cine. Su obra se caracteriza pues por su estética y su valor conceptual.

Foto de autora 2013

La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital, Sydney) 2004 Videoinstalación de 2 canales. 2 películas de 16 mm  transferidas a DVD / 40 min 55 s color, sonido /  97 min 2 s, color, blanco y negro, sin sonido   

Su práctica artística cuestiona el papel de la institución mental como parte de la cadena de aparatos de exclusión social que objetualizan y estigmatizan la diferencia con respecto a lo normativo. En esta obra, el artista propuso a un grupo de mujeres internadas en el hospital australiano que expusiesen su interpretación sobre la película muda que da título a la obra, realizada por el cineasta danés Carl Theodor Dreyer en 1928. Al mismo tiempo les era imposible no mezclar lo que estaban viendo con su propia experiencia personal y  su estancia en el hospital. En una sala con una doble proyección y sillas parecidas a las de las salas de espera de los hospitales se empieza a introducir uno en la historia de estas mujeres. En una de las pantallas van apareciendo las pacientes de la institución mental, que explican sus vivencias sobre el trastorno que se les ha diagnosticado. En la otra pantalla se proyecta la versión de la película de Juana de Arco, en la que los interludios originales han sido sustituidos por textos escritos por las doce mujeres. Ambas películas se proyectan de forma continua y muestran las semejanzas entre la intolerancia en la época de la Inquisición y la actual estigmatización de las personas con enfermedades mentales. El hecho de que las pacientes sean todas mujeres, además de cuestionar el control autoritario de los discursos masculinos, apunta a la construcción histórica de la definición de la locura.

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

¿Juana de Arco fue un caso de esquizofrenia sin diagnosticar? ¿Oía realmente esas voces que ella atribuía a Dios dentro de su cabeza a causa de los acontecimientos traumáticos de su niñez o era realmente una iluminada de Dios? ¿Todo lo que pasa por ser diferente al resto debe ser enviado a la hoguera o encarcelado? ¿Son estás mujeres realmente enfermas dentro del mundo actual donde vivimos? ¿Es el miedo a lo incomprendido razón para el uso del maltrato y el rechazo de la sociedad a estas personas? ¿Son voces de la nueva razón? 

Foto de autora 2013

Foto de autora 2013

qué PENSAR/ qué DESEAR/ qué HACER
Del 17 de mayo hasta el 8 de septiembre. de 10 a 20h fines de semana hasta 21h
Caixaforum.
Entrada 4€, clientes de la Caixa gratis.

Reportaje sobre las obras de Javier Téllez: MUY RECOMENDABLE.

http://www.rtve.es/television/20110404/javier-tellez/421942.shtml

Palabras de la comisaria sobre la exposición:

http://www.agendacentrosobrasociallacaixa.es/es/caixaforum-barcelona/exposiciones-temporales-caixaforum-barcelona/que-hacer

"Ars longa, vita brevis"

VANIDADES DEL SIGLO XXI. El memento mori actual

«Vanitas vanitatum omnia vanitas» Eclesiastés

En la incertidumbre diaria de nuestros tiempos vivimos bajo el lema Carpe diem, a pesar de los difíciles momentos que atravesamos, todo lo tenemos, todo lo poseemos y todo lo renovamos. Somos vanidosos, por supuesto que sí. Sin embargo, podríamos observar la inutilidad de los materiales mundanos frente a la funcionalidad vital.

En el siglo XVII, en la época del Barroco, existían los Vanitas, unas pinturas de bodegones moralizantes donde se agrupaban elementos como cráneos, relojes de arena, velas, libros, joyas, instrumentos musicales, comida pasada…que simbolizaban actividades humanas como el saber, la belleza, la riqueza…todas ellas futilidad de lo material frente a la brevedad del ser. En la actualidad, la inmersión de la mente en el new media que nos rodea es símbolo de la fragilidad humana ante el consumismo desmesurado digno de un sistema capitalista. El memento mori del siglo XXI vocifera: “no mueras sin poseerlo todo, no lo necesitas pero lo quieres”.

Esta entrada no es contra la tecnología ni contra la evolución de ésta, sino contra la compulsividad consumista del ser humano ante la publicidad y la moda. En sí es un conjunto alegórico a modo de crítica y reflexión sobre los valores comunes y colectivos del consumismo de una sociedad deteriorada posmoderna.

"Ars longa, vita brevis"

COMO EN CASA. Artistas: Paula Giménez, Leonor Serrano Rivas y Daniela Ortiz. Comisaria: Alba Benavent Villaseñor

Dicen que la necesidad agudiza el ingenio. Pues bien, si algo hay en estos tiempos es necesidad: necesidad de trabajo. Alba Benavent, compañera del gremio que formamos los historiadores del arte, se ha lanzado a hacer sus pinitos como comisaria independiente frente a la necesidad de crear, de estar en continuo movimiento (frente a la gran tasa de parados que buscamos trabajo en el mundillo) y de explorar inquietudes de su mente aprovechando su formación. La jugada no le ha salido nada mal puesto que ha conseguido la colaboración desinteresada de artistas nacionales e internacionales como Daniela Ortiz, Paula Giménez y Leonor Serrano, además de la colaboración en material de una importante galería barcelonesa de arte contemporáneo. 

Como en casa se ha realizado en la propia casa de Benavent, puesto que esta iniciativa también nace de crecer de manera independiente en el mundo del arte, de si no encontrar la oportunidad de algo fuera pues montarlo en casa, ¿por qué no? tampoco es algo nuevo, muchos de los primeros comisarios independientes en la década de los 80 usaban como espacios expositivos fábricas abandonadas o edificios en alquiler. La lástima de la exposición es que sólo tenía duración durante el día de hoy, pero pese a ser un acontecimiento efímero no será único. Alba ha confirmado que ahora que ha empezado no quiere parar. Este ejemplo es una muestra de que la crisis, que afecta severamente al sector artístico y a sus profesionales, si la miramos por el lado positivo, no deja de ser en parte un empujón para este tipo de eventos y de inmersiones personales en la sensibilidad creativa de cada individuo. Personalmente creo que iniciativas como las de Alba son absolutamente necesarias, son un pequeño rayo de esperanza para aquellos que aun creemos que hay cambios posibles, que hay muchos caminos no institucionales, caminos propios.

Hoy en día hay necesidades, sí, pero para muchos el arte es una de las más grandes. Así que, gracias Alba por esta demostración y este ánimo que muchos deseamos, y por hacernos sentir durante un rato "como en casa". Gracias también ha las artistas que han colaborado y a la galería Àngels Barcelona por hacer un proyecto realidad.

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Nota de prensa proporcionada por la comisaria:

Crear espacios desde dentro, capas que dan volumen al diagrama que representa los diversos niveles de intimidad de la casa. La planta arquitectónica se reduce a líneas que delimitan el exterior del interior, el refugio ante la intemperie. Una vez dentro la configuración de campos de energía que van variando según esa negociación diaria entre los habitantes y su entorno; esquinas, huecos, silencios… espacios habitados no vividos. Crecemos así entre líneas y fronteras, tanto arquitectónicas como geopolíticas, mientras se configuran a partir del diálogo unos caracteres que deriven a la sintonía con su medio en la lucha por la supervivencia.

Somos emigrantes en busca de ese “echar raíces” que posibilite el florecimiento de un proyecto de vida; necesitamos asentarnos en ese territorio que, paradójicamente, se encuentra en continua transformación. Un territorio donde se reúnen múltiples comunidades que buscan una identidad; pluralidad de voces e historias, factores inestables que estimulan el sentimiento de desubicación.

Pero esta exposición no pretende ser la visión periférica de algunas de estas planimetrías. Al crear espacios desde un interior más externo que nunca, activa percepciones que traspasan los contornos de lo íntimo, y nos expone a la hostilidad que simboliza el afuera.

Esta reflexión es posible gracias a la enriquecida y ampliada interrelación de las obras de las artistas participantes. Paula Giménez representando esa búsqueda de la estabilidad, nos sumerge en su pieza “Verano”: pequeña porción de intimidad que desvela las raíces del equilibrio en casa; momentos de calidez y seguridad que aluden al fantasma de la adversidad. Un juego de presencias y ausencias, de interiores y exteriores, que conforman su personalidad dentro del entorno familiar. Ese espacio doméstico pero laminado en estratos de significado, es lo que estudia y subvierte Leonor Serrano Rivas, otorgándole nuevos sentidos a la poética de lo cotidiano: “Colección privada” y “Parcela 1C”. Arquitecturas dadas, muros de ficciones y anécdotas… como matriuskas superpuestas que va cambiando de posición, rompiendo así el orden preestablecido. Daniela Ortiz continua esa línea de ruptura con “97 empleadas domésticas”. Los límites entre lo público y lo privado, las relaciones laborales y las afectivas… esas tensiones internas que en la mayoría de ocasiones han sido normalizadas bajo imposiciones por clase y raza son “re-publicadas” bajo la mirada crítica de la artista.

Es un placer poder invitaros a la exposición, jueves 4 de abril, bajo el deseo de que encontréis nuevas capas (con sus puntos de fricción y engranaje) en el discurso de la exposición y las obras, llegando así a sentiros “Como en casa”.

Info artistas:

- http://www.leonorserranorivas.com/ 

- http://daniela-ortiz.com/ 

-”Verano“, Paula Giménez. (doc.adjunto en blog)

Link del evento en facebook:

https://www.facebook.com/events/182994108515184/

Blog personal de la comisaria:

http://elchiringuitodelarte.wordpress.com/about/

"Ars longa, vita brevis"

INFOGRAFÍAS de JAIME SERRA

Se entiende por infografía  la información explicada mediante la utilización de grafismos. Cuando a este concepto le añadimos el término subjetividad entonces se entiende Jaime Serra.

Jaime Serra (Lleida, 1964)  fue reconocido por la Society for News Design, la mayor organización internacional de diseño editorial, como el infografista más influyente del mundo en los últimos 20 años (1992-2012). Serra posee formación en periodismo y eso ha sido su fuente a la hora de crear su obra. Se basa en métodos y criterios propios del periodismo para hacer arte en soportes y formatos expositivos. 

A veces para  muchas personas el arte resulta ser algo bonito de ver, un rostro angelical, una pincelada perfecta, un paisaje espiritual...en el arte de Jaime Serra yo he visto más personas y relaciones humanas que en muchas pinturas o fotografías de retratos familiares. A través de colores, datos, números, textos y líneas, las infografías de este artista muestran a personas y el trasfondo de su personalidad o la historia de su vida. 

Una de sus obras expuesta en el Centre d'Arts Santa Mónica era un vaivén de colores, una marea que golpeaba fuerte mostrando la personalidad de todos los seres allí reflejados, era un mar de sensaciones.

Serra había escogido algunos colores y los había ligado a un sentimiento, el amarillo la rabia, el azul el miedo, el rosa el deseo, etc, y luego había pedido a personas que, teniendo en cuenta estas asociaciones, se dibujaran a ellas mismas. El resultado fueron líneas coloridas, circunferencias en órbita o incluso células madre que envuelven capas y capas de sentimientos. Todas estas auras dicen mucho más de una persona de lo que se pueda apreciar en una imagen de ella. Esta foto muestra algunos de los dibujos pero sin duda es algo que debe verse en vivo y en directo. 

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.

La siguiente obra era un conjunto de líneas sobre un fondo negro que mostraba las relaciones sexuales de una pareja estable durante el periodo de un año. ¿puede haber algo más personal que eso? ¡Y son líneas! pero son lineas que cuentan historias...

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.

Y la gente verá esta obra y se preguntarán lo de siempre...¿pero esto es arte? Señores y señoras, quizás son ustedes los que deban empezar a replantearse qué es arte y qué no. ¿Acaso no buscan esto en el arte? ¿Acaso la función del arte no ha sido siempre aquella capacidad de contar historias? (a parte de experimentar placer contemplativo, e igualmente, ¿quién dice que a mi los cuadros de colores vistos antes o estas líneas no me llenen los sentidos o me parezca bellos mirarlos?). Ya no estamos en la Antigua Grecia, ni en el Renacimiento y tampoco en el Modernismo, señores y señoras, admitámoslo. Esto es arte actual, aprendamos a leerlo, aprendamos a apreciarlo. 

Y por último, y más impactante a nivel personal, una obra que toca el sentido más íntimo y profundo de la mujer. Las mujeres hemos sido (y en algunos lugares aun somos) consideradas inferiores, dominadas por el hombre, tratadas como objetos de placer y satisfacción ajena, maltratadas, e incluso mutiladas...La obra de Serra nos mostraba a modo documental, con cifras y tantos por ciento las mutilaciones genitales femeninas que se ejercen aun hoy en día en países africanos y demás. Bien, ahora muchos pueden alegar al concepto CULTURA DE UN PUEBLO Y TRADICIÓN, sí, y tristemente no sé hasta que punto puedo criticar o argumentar contra eso, pero a mi me duele el alma como mujer, coño. 

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.

Aunque aquí no hay excusa, se calcula que en Europa, la practica de estas mutilaciones supera el medio millón. ¡¡A la mierda lo un continente subdesarrollado!! Coser las partes íntimas de una mujer o directamente mutilar el clítoris para impedirle tener una vida llena y satisfactoria de relaciones sexuales por mera cultura de un pueblo, hoy en día, me parece indignante y vomitivo, ¿por qué ya de paso no volvemos a las cavernas? 

Muchas de estas mujeres sufren trastornos psicológicos graves, dejan de estar capacitadas para tener hijos y algunas mueren desangradas. La ablación genital es delito contra la mujer y su integridad. Eso sí, la noche de bodas, cuando son llamadas a la cámara nupcial, una partera atiende a la mujer circuncidada para cortar el hilo dictatorial y opresor y que su querido marido pueda disfrutar del placer coital. 

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013

Patricia Regadera, fotografía móvil, 2013.

Al lado de todos estos paneles explicativos muy explícitos y entendedores, habían unos folios din-A3 con vaginas dibujadas y unas ceras al alcance del visitante para colorear, puesto que la obra en sí yo creo que era el acto performance del espectador. Bien, pues a mi el alma me pidió un acto. Un grito en silencio. Tan de moda que están los recortes a mi se me ocurrió un lugar idóneo donde aplicarlos...

Recorte, firmado Patricia Désenchantée (P.D)
Patricia Regadera, fotografía digital, 2013

¿En qué mundo vivimos, en serio, en qué mundo vivimos?

Os dejo algunos links de periódicos que hablan del artista y la obra:

http://www.artssantamonica.cat/activitats.aspx?any=201303542#activitat546

http://graffica.info/las-infografias-de-jaime-serra-saltan-del-periodico-al-museo/

INFOGRAFÍAS,

JAIME SERRA

6/3/13 hasta el 23/3/13

Centre d'art Santa Mònica, Barcelona.

Entrada gratuita.

"Ars longa, vita brevis"